29.11.2022 opening: Kirra Kusy y Anna Evans

29.11.2022 opening: Kirra Kusy y Anna Evans

KIRRA KUSY, ANNA EVANS

A BUNCH OF THINGS CONNECTED

29.11.2022 de 18 a 21h

El trabajo de Anna Evans (UK) y Kirra Kusy (U.S.A) se caracteriza y empieza en la observación de sus entornos. Ambas, habitan las ciudades haciendo que ellas vibren al pasar por sus cuerpos. Recogen sus características y elementos para filtrarlos, recomponiendo nuevas formas de habitar a través de la descontextualización y la modificación. En sus trabajos observamos formas y objetos que nos son familiares, pero llevados a lugares que generan nuevas narrativas a través de sus conexiones.

En el caso de Kusy, estas modificaciones se piensan a través de las historias, entendiendo que cada objeto encontrado contiene una energía pasada que dictamina la relación con el resto de dispositivos. En el caso de Evans, los patrones escondidos se analizan y fusionan con el paisaje y el lenguaje, creando trabajos que se resuelven de maneras muy diversas.

Para la presente exposición A Bunch of things connected, la primera de las dos artistas de manera conjunta, se ha pensado el espacio como un lugar que se transforma con dos intervenciones contundentes, una bajo nuestros pies y otra sobre nuestras cabezas.

Kirra Kusy es una artista multidisciplinar de Colorado, EE.UU., que ahora reside en Barcelona. Su trabajo actual consiste en remendar, reunir, reutilizar y extraer de su origen. Asumiendo el papel de mediadora, su objetivo es recoger y ensamblar elementos del entorno local para crear una fusión de dispositivos. El origen reside en los objetos que han sido desplazados y utilizados como materiales en el lenguaje del cultivo.

Anna Evans es originaria del Reino Unido y actualmente vive en Barcelona, pasando por Londres, Nueva York y Mumbai. Con una formación en diseño gráfico, ilustración y fotografía, su práctica busca explorar la narración visual y los espacios conceptuales. Tomando la ciudad física como punto de partida, investiga los mundos ocultos, las narrativas construidas y los patrones reales e imaginados de nuestras vidas y paisajes. Trabaja con una amplia gama de medios tradicionales y contemporáneos, incorporando también la ficción y otros escritos. Le interesan el ritmo, la repetición, las pautas y la paradoja.

Exposición comisariada por Laura Llaneli

realizada en colaboración con Metafora Studio Arts

ENG/

KIRRA KUSY, ANNA EVANS

A BUNCH OF THINGS CONNECTED

29.11.2022 18 – 21h

The work of Anna Evans (UK) and Kirra Kusy (U.S.A) is characterized by and begins with the observation of their surroundings. Both inhabit cities, making them vibrate as they pass through their bodies. They collect their characteristics and elements to filter them, recomposing new ways of inhabiting through decontextualization and modification. In her works we observe forms and objects that are familiar to us, but taken to places that generate new narratives through their connections.

In Kusy’s case, these modifications are thought through stories, understanding that each found object contains a past energy that dictates the relationship with the rest of the devices. In the case of Evans, hidden patterns are analyzed and merged with landscape and language, creating works that are resolved in a variety of ways.

For the current exhibition A Bunch of things connected, the first exhibition of the two artists together, the space has been thought of as a place that is transformed with two forceful interventions, one under our feet and one over our heads.

Kirra Kusy is a multidisciplinary artist from Colorado, U.S.A, now based in Barcelona. Her current work involves mending, gathering, repurposing, and removing from the origin. Assuming the role of a mediator, her aim is to collect and assemble elements from local surroundings in order to create a fusion of devices. The source resides in items that have been displaced and are now used as materials in a language of cultivation. 

Anna Evans is originally from the UK, now living In Barcelona, via London, New York and Mumbai. With a background in graphics, illustration and photography, her practice seeks to explore visual storytelling and conceptual spaces. Taking the physical city as a starting point, she investigates hidden worlds, constructed narratives, and the real and imagined patterns of our lives and landscapes. She works across a wide range of traditional and contemporary media, also incorporating fiction and other writing. She is interested in rhythm, repetition, pattern, and paradox.

Exposition curated by Laura Llaneli

In colaboration with Metafora Studio Arts

Tadáskía: Ocellets /17-19 Febrero.

Tadáskía: Ocellets /17-19 Febrero.

Tadáskía: Ocellets

Exposición: 17-18 de febrero

17 de febero 18-21h

18 de febrero 17-20h

19 de enero 13h: aparición

La artista presenta el trabajo realizado durante su residencia los días 17 y 18 de febrero en formato expositivo.
El 19 de febrero a las 13h el publico podrá asistir a la “aparición” (acción performativa) que la artista realizará en el interior de la sala, pero sin que el público pueda acceder a la sala.

Ocellets

Recuerdo a mi padre Aguinaldo Morais en mi infancia criando pájaros en su jaula – los cazaba cerca de su casa y también los compraba, intercambiaba o vendía en el mercado. Sin embargo, llegó un momento en que decidió: “sería mejor verlos libres”. Fue entonces cuando no volví a ver a mi padre cazando ningún pájaro.
Ocellets es una forma cariñosa de llamar a los pájaros en catalán. También es el nombre de la plaza que está cerca de mi lugar de residencia en Barcelona. Todo ello me hizo pensar en la gente y en la comida de la forma en que pienso en las aves que migran de un lugar a otro, cambiando de idioma y de connivencia.En la exposición, he reunido frutas, verduras y hortalizas para que la gente se las lleve, y que, al día siguiente, estos alimentos se vayan renovando. Y, en mi interés por adentrarme, por conocer una tierra y su lengua extranjera, pinté las paredes con óleos enunciando un diálogo entre fruta, flores y seres alados; dibujé también en papeles arrancados y diseminados, con trazos y colores llenos de juego, que ofrezco como imaginaciones de los Ocellets migrando y cruzando el océano.
”  Tadáskía

Tadáskía (Río de Janeiro, 1993) Anteriormente conocida como max wíllà morais, es artista, trans y escritora. Ya sea en dibujos, fotografías, instalaciones, apariciones, obras textiles establece una relación con la materia que puede surgir del encuentro, creando imaginarios afro-diaspóricos y espiritualidad sincrética a su alrededor. En sus dibujos de cualidades volátiles y sensibles, realizados a menudo con materiales sencillos, como esmalte de uñas y lápices de colores, viven agrupaciones a veces complementarias, a veces disidentes. En sus obras la artista sugiere otras nociones de tiempo y espacio frente a los binarismos, planteando también cuestiones en los campos de la forma, la línea y el color. Tadáskía, licenciada en artes visuales en la Universidad Estatal de Río de Janeiro, ha participado en varias exposiciones colectivas en Brasil, entre estas Hábito/Habitante (EAV Parque Lage, 2021), comisariada por Ulisses Carrilho; y Uma história natural das ruínas (Pivô, São Paulo, 2021), comisariada por Catalina Lozano. Su obra se presenta en Europa por primera vez.

Residencia en colaboración con Sé Galería (Brasil)

Azahara Cerezo y Jose Iglesias Gª Arenal / RE: / APLAZADO

Azahara Cerezo y Jose Iglesias Gª Arenal / RE: / APLAZADO

El evento programado el dia 5 de Azahara Cerezo y Jose Iglesias Gª Arenal ha sido aplazado a nueva fecha por confimar!

Azahara Cerezo y Jose Iglesias Gª Arenal

RE:

Los ordenadores están diseñados para dos ojos que miran y dos manos que teclean, un cuerpo individual que se sienta frente a la pantalla para tener acceso a parte de la infoesfera. ¿Cómo podemos imaginar y materializar otras relaciones corporales con la información digital? Partiendo de la pieza Servidor móvil, -actualmente expuesta en su exposición Illes d’arenaRe: explora otras formas arquitectónicas y de parentesco que cuestionen el régimen heterosexual de la propiedad privada que organiza la esfera virtual.

Re: es una colaboración con Homesession desde la exposición Illes d’arena (actualmente en el Bòlit Centre d’Art Contemporani, Girona) con el apoyo de Hangar.

Azahara Cerezo (Girona, 1988). Ha sido residente en Villa Belleville (París), Colegio de España (París), Casa de Velázquez (Madrid, intercambio con Hangar, Barcelona), art3 (Valence, Francia) Hangar (Barcelona) y 1646 (La Haya, Holanda), entre otros. Su trabajo se ha presentado de forma individual recientemente en MAL (Sevilla) bajo el título “Y en ese claroscuro surgen los monstruos”. Ha participado en exposiciones colectivas como “Un món paral·lel” en Arts Santa Mònica (Barcelona), “We are as Gods…” en Nieuwe Vide (Haarlem, Holanda), “Provincia 53” en MUSAC (León) y CDAN (Huesca), “Intervalo” en Casa Hoffmann (Bogotá, Colombia) o “Especies de Espacios” en MACBA (Barcelona).

Jose Iglesias Gª-Arenal (Madrid, 1991, actualmente reside en Los Santos de Maimona, Badajoz). Trabaja como artista y curador. Ha cursado MA en curaduría por la Whitechapel Gallery y London Metropolitan University y el Dutch Art Institute Roaming Academy. De forma individual o en colaboración ha expuesto en instituciones como el Complejo Cultural de Río Gallegos (Campamento, Santa Cruz, Argentina, 2019), Museo Nivola (Peekaboo. Looking askance at issues of childhood in connection with nation, Cerdeña, Italia, 2019),  MUSAC (Provincia 53, León, 2017), CAAC (¿Qué sienten, qué piensan los artistas andaluces de ahora?, Sevilla, 2016) o Palazzo Lucarini (Facebook’s Pavilion, Umbria, Italia, 2014). Dirige la plataforma MAL (www.nosomosMAL.com).

CRISIS OF NOW| Proyecto de Taiwán: Exposición de Fotografía Asiática Contemporánea III

CRISIS OF NOW| Proyecto de Taiwán: Exposición de Fotografía Asiática Contemporánea III

CRISIS OF NOW – Proyecto de Taiwán: Exposición de Fotografía Asiática Contemporánea III (crisis de ahora) es una serie de exposiciones inéditas de fotografía asiática contemporánea que analiza la cultura y la práctica artística del arte contemporáneo desde la perspectiva de los creadores asiáticos.

Wei-Li Yeh Three places for Marguerite Duras, 2003.

Crisis of Now. Part III se estrena en Barcelona y reúne la obra de Wei-li Yeh, Liu Ho-Jang y Ting-Ting Cheng.

Crisis of Now. – CONTEMPORARY ASIAN PHOTOGRAPHY- Part III podrá verse en Barcelona, del 26  de octubre al 2 de noviembre de 2020. Está exposición inédita está comisariada por Chun-chi Wang y organizada por Idolon Studio, Idolon Lab, Homesession y la Oficina Económica y Cultural de Taipéi en España, cuenta con el apoyo del Ministerio de Cultura de Taiwán y el Buró de Asuntos Culturales del Gobierno de la Ciudad de Taipéi y la colaboración de Espronceda – Institute of Art & Culture.

Part I viajó en 2018 por diferentes ciudades de Alemania, donde se pudieron ver proyectos de Yao Jui-Chung, Yang Che-Yi y Yunyi Liu; y Part II se mostró en 2019 en Estados Unidos, con fotografías de Hou Lulu Shur-Tzy, Ting Chaong-Wen y I-Hsuen Chen. La serie Crisis of Now está comisarida por Chun-chi Wang, una comisaria taiwanesa afincada en Berlín. Su trabajo está centrado en la relación entre los seres humanos y la tecnología, y revela el exceso de mecanización y virtualización del mundo actual, donde la velocidad y el control juegan un papel crucial.

Crisis of Now. Part III reúne en Barcelona 45 obras, algunas de gran formato, que narran experiencias e historias de vida específicas, a la vez que permiten construir relaciones entre contextos históricos dispares desde diversas perspectivas. Algunas de las series muestran diferentes ubicaciones geográficas de manera sincrónica, mientras que otras se concentran en un mismo emplazamiento en diferentes momentos temporales. Las vivencias personales y la conciencia colectiva están ligadas a múltiples trayectorias históricas donde las vicisitudes políticas y sociales juegan un papel importante. La exposición reúne la obra de Wei-Li Yeh, Liu Ho-Jang y Ting-Ting Cheng.

ACERCA DE LA COMISARIA Chun-chi Wang. Nacida en Taipéi, vive en Berlín. donde trabaja como comisaria de arte y editora independiente. Se posgraduó en la New York University Tisch School of the Arts tras haber cursado el grado en el Instituto Pratt (EEUU).En 2011 colaboró con la red internacional de comisarios SYNAPSE, en el Haus der Kulturen der Welt (Casa de las Culturas del Mundo) de Berlín. En 2012 ejerció de comisaria adjunta del comisario alemán Anselm Franke en la Bienal de Taipéi, Modern Monsters / Death and Life of Fiction. A lo largo de los años, Wang ha comisariado muestras de arte contemporáneo en Berlín, Nueva York y Taipéi, entre otros lugares, con el objetivo de promover el arte de Taiwán en el extranjero. Su tema principal de investigación es la esfera pública y el arte, concretamente «la relación creativa de la intervención del arte en la esfera de lo público». Con el objetivo de estudiar el valor sociocultural del arte, entrevista a académicos, artistas y comisarios. Entre las exposiciones que ha comisariado destacan: No One River Flows (Kuandu Museum of Fine Arts (Taiwán), 2013), Urban Synesthesia (Kaohsiung Museum of Fine  Arts (Taiwán), 2015), Hieroglyphic Memory: Surveying Bangka Through Narrative Trace (Bopiliao Historic Block Taipei, 2016), Crisis of Now: Contemporary Asian Photograph (Berlín, 2018; Nueva Orleans, 2019; Barcelona, 2020), Installation and Performance (Weimar E-Werk, 2019; Bauhaus-Museum, 2020; Goethepark Weimar, 2021). Uno de los proyectos de estudio de campo que ha organizado es Off-Site Project, que se ha llevado a cabo en Latinoamérica (Colombia, 2017; Perú, 2018; Argentina, 2019) y en Asia Oriental (Turquía, 2017; Líbano, 2021). Es la fundadora de IDOLONSTUDIO (Unión de Artistas Asiáticos Europeos), una organización interdisciplinaria sin fines de lucro que ofrece a los artistas innovadores que trabajan en los medios de comunicación, la literatura y las artes escénicas oportunidades de exposición y actuación para crear y presentar nuevas obras.  

ACERCA DE LOS ARTISTAS DE CRISIS OF NOW. PART III

Wei-Li Yeh nació en Taipei (Taiwán) en 1971 y emigró a los 11 años a EEUU con su familia. Durante su adolescencia, en Tampa (Florida), se fascinó por la música heavy metal y el rock’n’roll. Estudió fotografía en la University of South Florida (1994) y en el Rhode Island School of Design (1997). Tras una visita en 1996 a Taiwán (la primera desde su emigración a EEUU), se sintió atraído por los temas de desplazamiento, asimilación, identidad cultural y políticas raciales. Yeh se trasladó entonces a Nueva York, mostrando su obra en la Columbia University, el Bronx Museum of Art y el International Center of Photography. En 2002 decidió regresar a Taiwán, convirtiéndose en un artista y comisario muy activo. Su trabajo se exhibe o colecciona en todo el mundo, y sus proyectos fotográficos o textuales exploran las dinámicas del ser humano como individuo en relación con las prácticas colectivas. Actualmente vive y trabaja en Yangmei (Taiwán).

Ting-Ting Cheng nació en 1985 en Taipei. Se graduó en Publicidad y Relaciones Públicas en la Fu-Jen University y se mudó a Londres, donde estudió fotografía en la University of Westminister (2009) y se graduó en Bellas Artes en el Goldsmiths College (2014). Su obra se ha espuesto en exposiciones individuales organizadas en el Taipei Fine Art Museum, la Grand Siècle Gallery (Taiwán), la Identity Art Gallery (Hong Kong), Gallery Nomart (Osaka, Japón), Addaya Palma y Galería Luis Adelantado, en España. También ha participado en exposiciones colectivas en ARCO Madrid, la Bi.City Biennale of Urbanism-Architecture de Shenzhen (República Popular China), III Moscow International Biennale for Youg Art, KuanDu Museum (Taipei), National  Taiwan Museum of Fine Arts, National Art Museum of China (Beijing), Art 14 (Londres) y Art Stage Singapore, entre otros. En 2012 fue seleccionada entre los 40 artistas más relevantes de Asia por la Perspective Magazine de Hong Kong.  

Liu Ho-Jang nació en 1972 en Taipei (Taiwán). Se graduó en 2002 en el Creative Institute del Queen’s College de la City University of New York.  Su trabajo reflexiona acerca de la identidad fotográfica en el contexto de la sociedad contemporánea. En 2011, su obra se publicó en Aster Magazine. Entre sus exposiciones destacan Sculpture Games, Fields, en la Tapei University of Arts (2019); Super Daily, en la Taipei Biennal (2018); Wuzhong Accounting Painting-Reality Virtual, en el Taipei Fine Arts Museum (2017); Key Meditation, en la Asian Biennale (2017); Public Spirit, en el Ujazdowski Castle – Centre for Contemporary Art, en Varsovia (2016); City Charm, en el Kaohsiung Museum of Fine Arts, en Taiwán (2015); y New York, en la Queens Internacional Biennale, organizada por el Queens Museum de Nueva York (2013). El fotógrafo vive y trabaja en Taipei y Tainan y es profesor a tiempo completo en el Institute of Plastic Arts de la Tainan University of Fine Arts.    

ACERCA DE ESPRONCEDA – INSTITUTE OF ART & CULTURE

Espronceda – fundado en 2013 en Barcelona – es un proyecto de arte innovador y contemporáneo, ofrece una plataforma internacional y un entorno multidisciplinario para artistas, comisarios y todos los que creen en la importancia del arte, la cultura y la educación para lograr una mayor creatividad y un mundo mejor. Espronceda fomenta artistas internacionales establecidos y aspirantes a desarrollar su trabajo y creatividad, y a difundir su inspiración más allá de su estancia física en el espacio.  

CRISIS OF NOW – Proyecto de Taiwán: CONTEMPORARY ASIAN PHOTOGRAPHY  PART 3

Del 26 de octubre al 2 de noviembre de 2020

Comisaria: CHUN-CHI WANG

Artistas: WEI-LI YEH LIU HO-JANG CHENG TING-TING

Organiza: IDOLON STUDIO (Union of European Asian Artists), IDOLON LAB

Co-organizadores: HOMESESSION, CULTURAL DIVISION OF THE TAIPEI ECONOMIC AND CULTURAL OFFICE IN SPAIN

Partners oficiales: MINISTRY OF CULTURE OF TAIWAN, DEPARTMENT OF CULTURAL AFFAIRS, TAIPEI CITY GOVERNMENT

Colaboración: ESPRONCEDA – INSTITUTE OF ART AND CULTURE

Entrada Gratuita / reserva obligatoria : renata@espronceda.net

Opening + visita guiada con la comisaria 26 octubre 18-21,00h

Horario de visita: de martes a sábado de 16 a 20h

para visitas en otros horario escribir a: ovidu@espronceda.net

Dirección C. d’Espronceda, 326, nave 4 y 5, 08027 Barcelona, www.espronceda.net

Evento Facebook

Video entrevista Olivier Collet / Chun Chi Wang

ENG

Crisis of Now – TAIWAN PROJECT: CONTEMPORARY ASIAN PHOTOGRAPHY – Part III 

26 -10 / 02 – 11

INSTITUTE OF ART AND CULTURE

C. d’Espronceda, 326, nave 4 y 5, 08027 Barcelona, www.espronceda.net

Is a series of unpublished photography exhibition that analyzes the culture and artistic practice of contemporary art from the perspective of Asian creators. Crisis of Now. Part III premieres in Barcelona and brings together the work of Wei-li Yeh, Liu Ho-Jang and Ting-Ting Chen. Part I traveled in 2018 to different cities in Germany, where you could see projects Yao Jui-Chung, Yang Che-Yi and Yunyi Liu; and Part II was shown in 2019 in the United States, with photographs by Hou Lulu Shur-Tzy, Ting Chaong-Wen and I-Hsuen Chen. The Crisis of Now series is curated by Chun-Chi Wang, a Taiwanese curator based in Berlin. Your job is focused on the relationship between humans and technology, and reveals the excess of mechanization and virtualization of today’s world, where speed and control play a role crucial.

Crisis of Now. Part III brings together 45 works in Barcelona, some in a large format, that narrate specific experiences and life stories, while allowing the building of relationships between disparate historical contexts from different perspectives. Some of the series show different geographic locations synchronously, while others focus on the same location at different times. Personal experiences and collective consciousness are linked to multiple historical trajectories where political and social vicissitudes play an important role. The exhibition brings together the work of Wei-Li Yeh, Liu Ho-Jang and Ting-Ting Chen.

The Artists

Wei-Li Yeh was born in Taipei (Taiwan) in 1971 and emigrated to the United States at the age of 11 with his family. During his adolescence, in Tampa (Florida), he became fascinated by heavy metal music and the rock’n’roll. He studied photography at the University of South Florida (1994) and in Rhode Island School of Design (1997). Following a 1996 visit to Taiwan (his first since emigration to USA), was drawn to the themes of displacement, assimilation, cultural identity and racial politics. Yeh then moved to New York, showing his work at Columbia University, the Bronx Museum of Art and the International Center of Photography. In 2002 he decided return to Taiwan, becoming a very active artist and curator. His work is exhibited o collects around the world, and his photographic or textual projects explore the dynamics of the human being as an individual in relation to collective practices. Currently lives and works in Yangmei (Taiwan).

Ting-Ting Chen was born in 1985 in Taipei. She graduated in Advertising and Public Relations at the Fu-Jen University and moved to London where she studied photography at the University of Westminister (2009) and graduated in Fine Arts from Goldsmiths College (2014). Her work is has exhibited in solo exhibitions organized at the Taipei Fine Art Museum, the Grand Siècle Gallery (Taiwan), Identity Art Gallery (Hong Kong), Gallery Nomart (Osaka, Japan), Addaya Palma and Luis Adelantado Gallery, in Spain. She has also participated in exhibitions. Collectives at ARCO Madrid, the Bi.City Biennale of Urbanism-Architecture in Shenzhen (People’s Republic of China), III Moscow International Biennale for Youg Art, KuanDu Museum (Taipei), National Taiwan Museum of Fine Arts, National Art Museum of China (Beijing), Art 14 (London) and Art Stage Singapore, among others. In 2012 she was selected among the 40 artists Asia’s most relevant publications by Hong Kong’s Perspective Magazine.

Liu Ho-Jang was born in 1972 in Taipei (Taiwan). He graduated in 2002 from the Creative Institute of the Queen’s College of the City University of New York. His work reflects on identity
photographic in the context of contemporary society. In 2011, his work was published in Aster. Magazine. His exhibitions include Sculpture Games, Fields, at the Tapei University of.
Arts (2019); Super Daily, at the Taipei Biennial (2018); Wuzhong Accounting Painting-Reality Virtual, at the Taipei Fine Arts Museum (2017); Key Meditation, at the Asian Biennale (2017); Public Spirit, at the Ujazdowski Castle – Center for Contemporary Art, in Warsaw (2016); City Charm, at the Kaohsiung Museum of Fine Arts, in Taiwan (2015); and New York, in Queens
International Biennale, organized by the Queens Museum in New York (2013). The photographer lives and works in Taipei and Tainan and is a full-time professor at the Institute of Plastic Arts from the Tainan University of Fine Arts.

Curator: CHUN-CHI WANG

Artists: WEI-LI YEH LIU HO-JANG CHENG TING-TING

Organize: IDOLON STUDIO (Union of European Asian Artists), IDOLON LAB

Co-organizers: HOMESESSION, CULTURAL DIVISION OF THE TAIPEI ECONOMIC AND CULTURAL OFFICE IN SPAIN

Official Partners: MINISTRY OF CULTURE OF TAIWAN, DEPARTMENT OF CULTURAL AFFAIRS, TAIPEI CITY GOVERNMENT

Collaboration: ESPRONCEDA – INSTITUTE OF ART AND CULTURE

17-09-2020 / Opening: Filtrar lo sólido / Alba García i Allué

17-09-2020 / Opening: Filtrar lo sólido / Alba García i Allué

Alba García i Allué, artista en residencia en Homesession en el mes de septiembre, presenta su instalación audiovisual: Filtrar lo sólido

Alba García i Allué – Filtrar lo Sólido, instalación audiovisual, 2020.

FILTRAR LO SÓLIDO

Opening: 17 de Septiembre de 17 a 21h. (Entrada por grupos de 5 personas.)

Exposición abierta del 18 al 20 de septiembre con reserva previa (escribir a albagarciallue@gmail.com)

Filtrar lo sólido es el resultado de una investigación artística que busca participar de la creación de un imaginario colectivo ecofeminista que replantee la percepción de los límites del propio cuerpo, para poder repensar nuevas formas más éticas de habitar y de relacionarnos con el entorno y con los organismos que lo conforman. El proyecto se centra en el medio tecnológico como ejemplo de corporalidad expandida, desterritorializada y descentralizada de un organismo principal, el cual teje una interconexión planetaria mediante el flujo de energía y de información.
La intención plástica reside en encontrar una representación de la simbiosis entre máquina y humano fuera de los sistemas de producción. Tal cuestión obliga a retomar la perspectiva de género para repensar la relación que ha establecido el hombre con la corporalidad tecnológica en la era industrial, y como esa batalla para evitar la obsolescencia física en el sistema de producción se ha proyectado tanto en el cine de ciencia-ficción. Habitamos un mundo globalizado e interconectado donde Internet representa el gran cuerpo invertebrado y planetario que se autogestiona a partir de la subjetividad actual basada en los intereses del capital. La mujer cíborg puede devenir una poderosa subjetividad, feminista y ecológica, que trabaje en la reconstrucción de un imaginario basado en el equilibrio entre las diferentes corporalidades que conforman el ecosistema. Pretende así rehuir de todo sistema piramidal y competitivo y reconciliar la coexistencia entre comunidades. La búsqueda de una concepción rizomática e interespecie de la propia identidad se formaliza en una instalación audiovisual que recreau un escenario postapocalíptico de la rebelión de las máquinas, las cuales evidencian su presencia en el espacio expositivo mediante el recurso sonoro. Ordenadores, pantallas, altavoces y proyectores forman parte del gran organismo planetario de Internet, donde la información se transforma en el flujo interconector de los cuerpos. Los distintos aparatos maquínicos conforman Las voces sin cráneo, una pieza sonora en la cual participan cinco voces sintéticas que articulan un diálogo entre ellas de manera simultánea. Las voces explican al espectador el proceso de producción de la voz mediante movimientos mecánicos, desplazamientos de aire y su vibración en los huecos del cuerpo. Son las voces liberadas de los frágiles cuerpos humanos y de sus connotaciones sociales. La pieza sonora se articula con la obra visual Estoma. Un montaje que resulta de una serie de performances telemáticas, que surgen a partir de la acción colectiva de escaparse de sí mismo, fluir por el propio cuerpo, meterse dentro o sacarlo hacia afuera, como expresión de invertebrarse y abandonar el propio cuerpo.

BIOGRAFÍA

Habiendo finalizado una estancia en la Universidad Politécnica de Valencia, Alba García i Allué (Barcelona, 1997) se encuentra acabando el trabajo de fin de grado de Bellas Artes en la Universidad de Barcelona. Ha recibido becas de residencia artística en Ca la Dona y en La Escocesa (Barcelona). Ha impartido cursos de creación en OMV València, realizó un proyecto de memoria histórica con el Ayuntamiento de Tagamanent y participó en exposiciones colectivas en Can Ricart y Santa Eugènia del Congost (Barcelona). Centra su producción artística interdisciplinar en el imaginario que envuelve la crisis climática provocada por el contexto socioeconómico y su proyección en las nuevas subjetividades corpóreas. Este imaginario gira entorno a los límites físicos de la materia y a la interconectividad con el resto de organismos planetarios. Experimenta las fronteras del propio cuerpo estableciendo relaciones morfológicas y procesuales entre lo tecnológico, lo orgánico y lo arquitectónico en este sistema de engranajes afectivos el cual llamamos Naturaleza.


Opening Daniel de la Barra 28/07/2020

Opening Daniel de la Barra 28/07/2020

Opening: ESTO NO ES UN PAISAJE

Daniel de la Barra

28/07/2020, de 17 a 21h

*aforo limitado, entrada por pequeños grupos.

ESTO NO ES UN PAISAJE

Daniel De La Barra

El artista presenta un acercamiento a su proyecto “Esto no es un paisaje” en el que ha estado trabajando durante su residencia en Homesession y que finalizará en enero 2021.

“Esta revisión se centra en acercarnos un escalón, desde una mirada crítica y un viaje incierto, a la producción cultural del paisaje, de sus elementos y de su memoria; como un espacio donde la energía y la justicia ambiental, los derechos y el realismo especulativo de la imágen se encuentran, coalicionan, arden; proponiendo nuevas formas de liberar la mirada al paisaje, partiendo desde la cultura o culto de la imagen y símbolos como como sombras que olvidan, estrategias de control y vértigo. Descomponiendo la postal del paisaje para reavivar recuerdos intolerables, desde los procesos evangelizadores o románticos, capitalistas , independendizadores o digitales.

Esta expedición ficticia se desarrolla a partir un cuaderno de viajes cargado de bocetos de las zonas mineras de oro de La Pampa y Camanti simulando el papel del artista viajero en América Latina durante los siglos XVIII y XIX; y de una serie de cartas filmadas. Se descompone la mirada de la poesia y la pintura del paisaje romántico para revelar con sus propios procesos, composiciones y elementos, la imagen encubierta resultante detrás de la postal de propaganda que inyectan el método de disolución, explotación e invasión de lo transfronterizo, adaptándolo a las necesidades cognitivas del capitalismo colonial.

En este sentido se crea un dispositivo híbrido entre el espacio institucional que construye el relato oficial de la mirada al paisaje exótico, idílico y sublime, con el escenario de un prostibar. Particularmente uno que conseguí fotografiar en La Pampa (Madre de Dios) llamado “Infierno”. Los prostibares se extienden por toda la carretera interoceánica que comunica la amazonia de Perú y Brasil. La interoceánica se edifica como corredor minero, atravesando todas los campamentos dispuestos entre el amazonas peruano y brasilero. Las obras comenzaron en 2005 bajo contrato de Odebretch y, desde entonces, facilitó el brote de la llamada tercera fiebre del oro, multiplicando las invasiones de áreas protegidas y campamentos mineros en toda la zona al facilitar el transporte de mercancía y combustible. En estos prostíbulos ilegales es donde se concentran la mayor cantidad de mafias de narcotráfico, trata de menores, prostitución ilegal y violaciones de derechos; como resultado de la minería, que luego se lava a través de las refinerías de Metalor (Suiza) y Texas C.O. (EEUU), para servir a las reservas federales de los países ricos, la joyería y la industria tecnológica. ”

Daniel de la Barra

Daniel De La Barra (Lima, Perú.1992)

Se mueve entre la pintura, la instalación y la intervención pública, centrando su trabajo  en la antropología urbana, la memoria histórica y la  identidad de las sociedades dentro de la homogeneización del espacio público y la imposición jerárquica de poderes de dominación en el marco del capitalismo colonial.
Comienza sus estudios en 2012 la Escuela de Arte Contemporáneo Corriente Alterna (Lima,Perú) hasta 2014 que se traslada a Madrid a continuar sus estudios de pintura.En 2017 es aceptado como artista residente en La Escocesa Fabrica de creaciò (Barcelona),  donde permanece hasta el 2020.

En este periodo participa en varios proyectos expositivos  e intervenciones como “Pròxima Obertura” en el  Museo Castillo de Montjuic o “Esc-Out. Desviaments del’art en la esfera pùblica” en Fabra i Coats Centre de Arte Contemporani. 
En 2018 es becado para realizar una residencia en The Nerdrum School, en Suecia. Recibe la Beca de Investigación y experimentación de La Escocesa los años 2018 y 2019, el Premio de Creaciòn Arte Joven de Cataluña 2019 (Sala d’Art Jove),exponiendo en la Sala d’Art Jove; es finalista del Premio de Pintura Ricard Camì (C.C. Terrassa).  En Perù  fué finalista los últimos años tanto del Premio Nacional de Arte Contemporáneo ICPNA, como del  X Premio Nacional de Pintura (MUCEN), exponiendo en El Museo Central de Lima  y la Galeria Juan Pardo Hereen del C. C.Peruano Norteamericano.
En 2019  realiza una residencia en  Piramidon Centre d’art Contemporani y desarrolla varios proyectos como “Searching for Paititi”, (Espai SubSòl) para el Barcelona Gallery Weekend, Paisajes Deseados (Escola d Estiu Walter Benjamin, Port Bou) o “Pateras Carnival- Los vaijes del Bienestar” para Luminaria 04 (Madrid).
Actualmente viene trabajando en las próximas exposiciones para este año en  La Bienal de Amposta (Lo Pati)El Born CCM( Habitando ruinas),  Museu Arts Santa Mónica (Paisajes deseados) y Proyecto AMIL ( Violencia actual en América Latina y el costumbrismo de Pancho Fierro) (Lima, Perú) .

https://danieldelabarra.wixsite.com/work
Carlos Issa / opening 20 de febrero

Carlos Issa / opening 20 de febrero

3 ESTADOS / Carlos Issa (Brasil)

OPENING 20 de febero de 2020, 19h

“El dibujo tiene dos momentos principales.

En el primer momento, todo se mueve y el dibujo se hace. Se libera una determinada forma de pensar. Un tipo de pensamiento que quiere producir cosas ; y que existe efectivamente al producir algo.

Este objeto, una vez producido, parece a su vez transmitir siempre el mismo mensaje: perdurar. Por lo tanto, el movimiento cesa. Se sustituye el movimiento del primer momento por una constitución estable. En el lugar del trabajo, emerge una composición, un nuevo estado, un nuevo ser que debe asentarse en un tiempo sin limites.

En el intervalo, existe sin embargo un tercer momento que es tan fugaz que parece una simple puntuación. Algo que se sitúa exactamente entre aquello que se movía y esto que empieza a estabilizarse.

Poética y estética, ser y devenir, dibujo y dibujado : es en este misterioso punto límite de superposición de los dos estados que una composición surge, se posiciona y se defiende, tanteando el equilibrio entre la vida y la materia.

La composición es la decisión de extraer todo aquello que perdura en el tiempo del movimiento y, a su vez, extraer  el movimiento revolucionario de lo que pretende permanecer intacto.

Justo allí, entre-estados, en ese preciso instante entre estos distintos momentos, un instante similar al que une sueño y vigilia y que es a la vez límite y transición entre el yo y el mundo, algo apunta a la forma que debe tener el dibujo, aquella justa constitución que condensa en sí el flujo de la vida y la integridad de todos los cuerpos.”

Carlos Issa

Carlos Issa nació en São Paulo, Brasil, donde vive y trabaja. Su investigación incorpora el dibujo abstracto, el arte sonoro, el diseño experimental y la fotografía. Ha publicado una serie de libros de artista que se pueden encontrar en instituciones como Printed Matter en Nueva York, Motto, en Berlín, así como Tijuana, en São Paulo.

Es muy conocido por su proyecto de música experimental fundado en 1999 llamado Objeto Amarelo que explora las diferentes capas de sonido tanto en el estudio como en el escenario y fue uno de los primeros grupos en presentarse en las galerías de arte de Brasil, cuenta con unos cuantos álbumes que dialogan con la performance en vivo sin reproducirla, y con colaboraciones con muchos nombres importantes de la música brasileña. Como Objeto Amarelo, Carlos Issa también desarrolló un lenguaje visual muy poderoso utilizado en las portadas y carteles de la banda.

Su práctica también opera dentro de un campo más amplio; ha organizado y participado en exposiciones independientes aplicando métodos de exhibición DIY que anticiparon, a finales de los años 90, la multiplicidad de medios y vehículos para la circulación del arte, tanto dentro como fuera del mercado. Ha trabajado como curador de eventos de música experimental y colectivos de arte como “Supercollina”, en la Galería Logo, y “Conversão”, en la Galería Sé, ambas en São Paulo, Brasil. Ha participado en exposiciones colectivas tanto en el Brasil como en el extranjero, como “Tropical Funk” en la Whitechapel Gallery de Londres y “Dobra”, en la Ferme du Buisson, en París. Tuvo una exposición individual que se celebró en 2017 en la NADA. Desde 2018 está representado por la Galeria Sé y tuvo su primera exposición individual completamente dedicada a su práctica visual contemporánea.

La residencia de Carlos Issa es fruto de la colaboración entre Homesession y la Galeria Sé de Sao Paolo.

Opening: 15.12 “Última mano” de Thierry Liegeois

Opening: 15.12 “Última mano” de Thierry Liegeois

Opening “Última mano” de Thierry Liegeois

Domingo 15 diciembre 2019

de 12.00 a 14,30h

*visitas con reserva previa hasta el día 20/12, enviando mail a danilo@homesession.org

“Mi proyecto inicial consistía en realizar concreciones de ciudades, es decir en reducir las fracturas estéticas que existen en el espacio urbano, entre las zonas turísticas, las comerciales, las zonas en desuso o las franjas intermedias, mediante la composición de un “objeto-souvenir total”. Es finalmente en el residuo, en todo aquello que los habitantes desechan o abandonan, que he hallado una porosidad. No se trata aquí de archivar estos fragmentos, sino de producir posibles relatos por la hibridación, el ensamblaje y la remezcla. “

T.L.

Thierry Liegeois es artista residente durante los meses de noviembre y diciembre, en el marco del programa de intercambio entre art3 (Valence France) y Homesession. El programa de intercambio cuenta con el apoyo del Institut Ramon Llull y de la Région Auvergne-Rhône-Alpes.

Thierry Liegeois nació en 1983 en Montbéliard (Francia).
Después de mostrar su trabajo en los Módulos del Palais de Tokyo en 2012 y participar en el programa de IAC Villeurbanne Galeries Nomades, Liegeois fue invitado a exposiciones personales, incluyendo Le syndrôme Murray Futterman con el colectivo Or Nothing en Bruselas en 2013, Cacography en el Lab 47 en 2015 y Glitch City en el Unicorn Center For Art en Pekín, en el
2016, Wet Hill en la Fundación Renaud durante la Bienal de Lyon, y Off Cells en Le 19, Crac, Montbéliard en 2017.
Participó en varias exposiciones colectivas, entre ellas Machination(s), Galerie Eric Mouchet, París, Les Hommes de la Mancha, Double V Gallery, Marsella, y Jörmungandr Hybraxxx, Wonder/Liebert, Bagnolet.
Las investigaciones de Thierry Liegeois toman la forma de una reflexión sobre el presente como un entorno desordenado y no ideal. Sus piezas, que suelen basarse en una confrontación irinica de símbolos y referencias, están impregnadas de una postura crítica -a veces con humor- hacia las discrepancias de clase y las diferencias sociales y estéticas en las que vivimos. Los sitios que explora suelen estar asociados a géneros populares, vernáculos, los terrenos donde crecen las contraculturas y subculturas. Las instalaciones de Liegeois movilizan y mezclan la escultura, la escenografía, la diversión de los objetos, el vídeo y el sonido, buscando relacionar estrechamente la obra con su contexto de producción y exposición.

www.thierryliegeois.com

Next opening: 趙書榕 CHAO Shu-Jung. 24_10_2019

Next opening: 趙書榕 CHAO Shu-Jung. 24_10_2019

Trans- 2019
A solo exhibition by 趙書榕 CHAO Shu-Jung

Opening 24_10_2019

19-21,30h

“Pasado, presente, futuro y lo que haya en el intervalo. 

Proyecto sobre la ciudad un paisaje mental panorámico.

El mar actúa como en ello como un espejo que refleja la condición humana.

¿Podemos medir la influencia de los paisajes con los cuales nos encontramos en la construcción de nuestra personalidad y de nuestra mirada? Nuestra experiencia personal propicia cambios constantes para nuestras identidades tanto en el tiempo como el espacio: unos cambios que, quizás, podríamos comparar a las derivas de los continentes y de las placas tectónicas: movimientos imperceptibles, pero poderosos, que causan fallas y encuentros y que pueden ir hasta fusionar o engullir tierras.

A través de imágenes y sonidos, mi proyecto se presenta como una experiencia para el espectador, en la que se evocan y se entremezclan la nostalgia, el nomadismo, el desplazamiento, la psicogeografía, la persecución de la utopía y la heterotopía.

Trato de guiar al espectador en una deriva sensorial, en la que sonidos y visuales despiertan un complejo sentimiento de alienación, una experiencia en interacción con el mundo exterior que pueda incidir en la conciencia de cada uno en forma de choques y reverberaciones en constante expansión.

Las series de audio son una composición que une paisajes sonoros de la vida cotidiana y recuerdos de diferentes personas participantes en el proyecto en forma de canciones y poemas. La banda sonora extiende la visión del vídeo presentado, ensancha su campo y su atmosfera, con la intensión de ofrecer una inmersión en un ambiente perturbador así como una experiencia extraña y desorientadora.”

CHAO Shu-Jung

ENG/

” Past, present, future, and, all in between.

I project on the city a kind of mental panoramic landscape. 

The sea acts there as a mirror to reflect the conditions of human beings.

¿Can we measure the influence of the landscapes we encounter in the construction of our personality and our gaze? Our personal experience does contribute to a constant change in our identities through time and space: changes that we might compare to the tectonic plate and continental drifts: imperceptible but powerful movements causing faults and convergences, melting but also making lands disappear.

Through images and sounds, my project features an experience for the audience, in which I evocate and mix subjects, such as nostalgia, nomadism, displacement, psygeography, pursuit after one’s utopia, and heterotopia.

I try to guide the spectator through a sensorial drift, in which sounds and sights arouse a deeply layered sense of alienation. The experience, interacting with the outer world, aims at producing an expanding shock and reverberation in the viewer’s conscience. 

The series of audio features a composition that twirls daily life soundscapes and memories of different persons who participated in the project, in the form of songs and poems. The soundtrack extends the vision and broadens the field and atmosphere of the featured video. My intention is to offer an immersion in the unsettling environment of an “uncanny” experience.”

CHAO Shu-Jung

With the collaboration of Oficina económica y cultural de Taipei

Next opening: Carolina Bonfim 19 de septiembre

Next opening: Carolina Bonfim 19 de septiembre

Carolina Bonfim

Not himself, not herself, not itself

Opening: 19-09-2019

19h-21,30h

(exposición abierta el día 20 de septiembre con reserva previa enviando mail a danilo@homesession.org)

 

Not himself, not herself, not itself

20 personas. 20 personas encontradas al azar. 20 personas que tienen algo en común. Desean. Desean ser un otro. El otro puede ser un individuo, una especie, un colectivo, una invención, una entidad, una sensación. Ficticio, real o usted. 20 personas que desean imaginar, comprender, caminar, correr, leer, echar de menos, luchar, soñar, fumar, bailar, gritar, amar, conducir, rascarse, follar, cantar, respirar, silbar y tener las piernas, el aspecto, el pelo, las garras, la personalidad, el ritmo, el color, la voz, la fuerza, el sexo, el olor del otro. Desean serlo sólo por unas horas o un día entero. Y lo son. En la habitación, en el baño, en el pasillo, en el jardín, en público, en soledad, en colectivo, a escondidas o bajo un seudónimo. De lo contrario, desean. 20 personas que tienen algo en común. 20 personas encontradas al azar. 20 personas.

Not himself, not herself, not itself es el ultimo trabajo de Carolina Bonfim basado en una serie de entrevistas realizadas con personas que desean sentirse, temporalmente, un otro.

Carolina Bonfim (São Paulo, Brasil, 1982)

Vive y trabaja en Bruselas. Deseo, alteridad, cuerpo y archivo son algunos de los temas recurrentes en su trabajo. Investiga procesos de apropiación, incorporación y de transmisión del conocimiento inmaterial a través del cuerpo. En los últimos años he expuesto y presentado su trabajo en centros e instituciones tales como el 14º Salão Nacional de Arte de Itajaí (Brasil), Casa do Povo (Brasil), MARCO de Vigo (España), MACSur (Argentina), Centre national de danse contemporaine d’Angers (Francia), Lugar a dudas (Colombia), Galería A Gentil Carioca (Brasil) Arts Santa Mònica (España), Fundació Miró (España), La Capella (España), Centre d’art contemporani Fabra i Coats (España) y Can Xalant (España).