Entrevista a la artista Giuliana Racco

Entrevista a la artista Giuliana Racco

Giuliana Racco ha llevado a cabo los talleres Revelando dentro del programa En col·lectiu de Homesession

(English bellow)

Entrevistamos a la artista Giuliana Racco, la cual ha dirigido “Revelando”: un proyecto artístico participativo que se desarrolla a través de una serie de talleres prácticos centrados en la identidad, la migración y la exclusión social (o in/exclusión) y su relación con las prácticas alimentarias, a través de la fotografía sostenible como medio de expresión, creación y auto-narración.

1.  ¿Qué significado tiene para ti la palabra “revelar”? ¿Y su contrario: “ocultar”?

En mi trabajo, me enfoco en “revelar” en el sentido de poner atención o enmarcar ciertas realidades ya existentes para hacerlas visibles, tangibles, audibles. 

En este taller me interesó el juego de la palabra “revelar” en español que se refiere a la fotografía, lo que se revela en el cuarto oscuro: una imagen que ha sido registrada en una superficie fotosensible a través del proceso de exposición a la luz. Aunque es puramente física (se cree que la óptica detrás de la fotografía estenopeica fue desarrollada por primera vez por el erudito árabe Ibn Al-Haytham [945-1040]) y química (en términos de los procesos químicos involucrados) hay algo mágico en el proceso de hacer que la imagen aparezca. La llegada de la fotografía digital ha cambiado por completo nuestra relación con la fotografía y, de hecho, ahora estamos revelando mucho más de nosotros mismos a través de las redes sociales y otras plataformas digitales.

2. En varios de tus proyectos artísticos la luz es un elemento determinante, ¿qué papel tiene este elemento en este proyecto en concreto? ¿encuentras alguna relación con otros de tus proyectos?

La luz juega un papel central en varios de mis proyectos, desde I Miei Anni Invisibili hasta a-ab-ana-anti-anto-bis-contra-contro-de-di-dis–il-in-ir-ob-opo-sotto-sub: un papel tanto conceptual como estético. Conceptualmente por lo que revelan las distintas luces, por ejemplo, la luz negra que revela la mano de obra indocumentada en la Italia contemporánea, impresa con tinta invisible; estéticamente, por hacer algo visible como en el origen de “estética” del griego aisthetikos “perceptible”. Se trata de cambiar de perspectiva, de percibir las cosas de manera diferente, bajo una luz diferente.

3. En el proyecto Revelando, ¿cómo entiendes la simbiosis entre revelar la imagen y la palabra, es decir, las vivencias de lxs participantes?

Para mí los talleres de fotografía experimental funcionaron como un pretexto para desarrollar y profundizar en los aspectos relacionales y críticos del proceso. Las personas participantes en los talleres pudieron producir imágenes fijas semi-estables en papel utilizando alimentos y material reciclado. Dados los tiempos de revelado fotográfico requeridos en el pequeño cuarto oscuro, terminó siendo un espacio donde se compartían historias y experiencias. La libertad y el juego de experimentar con los materiales, cuyas funciones fueron subvertidas (por ejemplo, haciendo una cámara estenopeica con una calabaza) dio lugar a una a formas de expresión más creativas. Algunos de las participantes estaban más familiarizados con los procesos artísticos, otras personas eran completamente ajenas a éstos, lo que también permitió compartir conocimientos entre los participantes. 

4. En este proyecto artístico comunitario utilizas elementos orgánicos para realizar cámaras oscuras, ¿qué relación puede tener la fotografía con la sostenibilidad?

La toxicidad siempre ha sido un elemento presente en el revelado fotográfico analógico. Los productos químicos cáusticos han sido un elemento básico en los laboratorios. Ahora la fotografía digital ha cambiado esto, aunque tampoco podemos ignorar las implicaciones dañinas de nuestros dispositivos digitales, específicamente en relación con la extracción de coltán. 

En este sentido, en los últimos años se ha desarrollado la ‘fotografía sostenible’, es decir, la fotografía analógica experimental que utiliza material orgánico para el procesamiento y, a veces, también como soporte. Aunque no estoy particularmente enfocada en la fotografía sostenible, sentí que sería un buen campo para explorar con las personas participantes ya que la mayoría estaban familiarizadas con la cocina del Centre Cívic El Sortidor debido a los proyectos entorno a la alimentación en los que están involucradas. Era una forma de experimentar con materiales familiares en un contexto familiar pero produciendo resultados inusuales, resultados que incluso en alguna ocasión acabábamos comiendo en un momento final de discusión/conversación. 

Se trataba de transformar un laboratorio (la cocina) en otro tipo de laboratorio (fotográfico) y viceversa. Además, existe una larga historia de representaciones visuales de la comida, especialmente en términos de bodegones, mosaicos, pintura, fotografía, etc., sin mencionar la explosión del “foodporn”.

5. ¿Qué ha supuesto para ti colaborar con entidades sociales del barrio de Poble-Sec?

Uno de los objetivos del proceso fue “desvelar” la presencia vital de las personas migrantes y otras personas en condiciones de vulnerabilidad que acceden al centro cívico como un espacio relacional, sobre todo considerando el aislamiento (y el miedo) que se nos generó a todos a lo largo la pandemia.

6. Para llevar a cabo Revelando has colaborado con la artista Núria Marquès, ¿qué aporta al proyecto realizar colaboraciones entre artistas?

He trabajado de forma colaborativa intermitentemente a lo largo de mi trayectoria. Aprecio las perspectivas y puntos de vista que otrxs artistas pueden aportar al trabajo. También me permite quitarme el foco como “artista”, posibilitando otras ideas y enfoques distintos, lo cual es muy útil en un proceso social dinámico.

7. ¿Qué es lo que más te gustaría revelar sobre ti?

Depende del contexto. También aprecio mucho los conceptos de ocultar, ofuscar, oscurecer. No creo que todo el mundo deba ser nítidamente percibido todo el tiempo, especialmente si hablamos en términos de intimidad o cuando la seguridad puede verse afectada. Hay muchos pros y contras en la in/visibilidad…ser invisible también puede ser un superpoder.

Giuliana Racco, artista visual con una gran experiencia en proyectos artísticos dialógicos que analizan las experiencias de migración y in/exclusión llevados a cabo con comunidades y colectivos artísticos y no artísticos en diferentes contextos y países.

En este proceso artístico participa también la artista Nuria Marqués invitada a enriquecer los laboratorios y a contribuir al diseño de la publicación final.

DOSSIER DEL PROYECTO

Con la colaboración de: Obra Social La Caixa, Centre cívic Sortidor, La Capella, Pla d’Acollida Poble-sec per a tothom (Coordinadora d’entitats del Poble-sec) , Centre Residencial d’Inclusió Creu dels Molers (Sant Joan de Déu Serveis Socials), Bac Cuinetes (BarcelonActua) i Tasta’m (Servei Solidari)

——- ENG ——-

We interview the artist Giuliana Racco, who has directed “Revealing”: a participatory artistic project that is developed through a series of practical workshops focused on identity, migration and social exclusion (or in/exclusion) and their relationship with food practices, through sustainable photography as a means of expression, creation and self-narration.

1.What does the word “reveal” mean to you? And its opposite: “hide”?

In my work, I focus on “revealing” in the sense of placing attention or framing existing realities, making things more visible, tangible, audible. In this workshop, I was curious about the play on the word “revealing” in Spanish that refers to photography, what is revealed in the dark room: an image that has been registered onto a photosensitive surface through the process of exposing it to light. Though it’s purely physics – it’s believed that the optics behind pinhole photography was first developed by the Arab scholar Ibn Al-Haytham (945-1040) – and chemistry – in terms of the chemical processes involved – in making the image actually appear there is still something magical about it. The advent of digital photography has completely changed our relationship to photography, and in fact we are now revealing much more of ourselves than ever before through social media and other digital platforms.

2. In several of your artistic projects, light is an important element, what role does light play in this particular project? Do you find relationships with any of your other projects?

Light plays a central role in several project, starting with I Miei Anni Invisibili through a-ab-ana-anti-anto-bis-contra-contro-de-di-dis–il-in-ir-ob-opo-sotto-sub: conceptually, for what the different lights reveal, for example, the black light revealing undocumented labour in contemporary Italy, printed with invisible ink; aesthetically, for making something visible as in the Greek sense of aisthetikos “perceptible”. It is always about shifting perspectives, perceiving things differently, under a different light.

3. In Revelando, how do you understand the symbiosis between developing the image and revealing the stories, that is, the experiences of the participants?

For me the experimental photography workshops functioned as a conceptual pretext for the relational and critical aspects of the process. Participants were able to produce semi-stable, fixed images on paper using recycled material and food. Given the developing times required in that small dark room, it wound up being a space where stories and experiences shared. The freedom and playfulness of experimenting with the materials, whose functions were subverted, i.e., making a pinhole camera out of a pumpkin, allowed for an openness to more creative forms of expression. Some of the participants are well versed in the arts, others were completely alien to these, which allowed for knowledge sharing amongst the participants.

4. In this community arts project you use organic elements to make pin-hole cameras and to develop the images, what is the relationship between photography and sustainability?

Toxicity has always been an element of analogue photo development; caustic chemicals were a staple in labs. Now digital photography has changed this, though we can’t ignore the harmful implications of our digital devices, specifically in relation to coltan mining. In recent years, there has been the development of ‘sustainable photography’, that is experimental, analogue photography which uses organic material for processing and sometimes as a support. Though I am not specifically interested in sustainable photography, I felt it would be a good field to explore with the participants who were already familiar with the Civic Centre Sortidor’s kitchen due to the food-related projects of social inclusion they are involved with. It was a way to experiment with familiar materials in a familiar context but producing unusual results, some of which we would eat in the end in a closing moment for discussion/conversation. It was about transforming a laboratory (the kitchen) into another kind of laboratory (photographic) and back again. Also, there is a long history of visual representations of food, especially in terms of the still life, in mosaics, painting, photography and so on, not to mention the explosion of “foodporn.” 

5. What has it meant for you to collaborate with social entities of the Poble-Sec neighbourhood? 

One of the aims of the process was to ‘reveal’ the vital presence of migrants and other people in conditions of vulnerability who access the civic centre as a relational space, especially considering the isolation (and fear) that was wreaked on all of us throughout the pandemic. 

6. To carry out Revelando you have collaborated with the artist Núria Marquès, what does collaboration between artists bring to the project?

I have worked collaboratively on and off throughout my trajectory. I appreciate the perspectives and insights other artists can contribute to the work. It also takes the focus off of me as an “artist”, opening up ideas and presenting different approaches, which is very useful in a dynamic, social process. 

7. What would you like to “reveal” about yourself?

It depends on the context. I’m also very keen on concepts of hiding, obfuscating, obscuring. I don’t think everything should be perceptible to everyone all the time, especially in terms of intimacy or when safety is concerned. There are pros and cons to in/visibility…being invisible can also be a superpower.

Giuliana Racco is a visual artist with extensive experience in collective artistic projects that analyze the experiences of migration and in/exclusion and that are carried out with artistic as well as non-artistic communities and collectives in different contexts and countries.

The artist Nuria Marqués also participates in this artistic process, invited to enrich the laboratories and contribute to the design of the final publication.

DOSSIER OF THE PROJECT

Carried out in collaboration with: Obra Social La Caixa, Centre cívic Sortidor, La Capella, Pla d’Acollida Poble-sec per a tothom, Centre Residencial d’Inclusió Creu dels Molers (Sant Joan de Déu Serveis Socials), Bac Cuinetes (BarcelonActua) i Tasta’m (Servei Solidari)

Revelando: fotografía y comida. Presentacion del proyecto y de la obra.

Revelando: fotografía y comida. Presentacion del proyecto y de la obra.

REVELANDO – ENCUENTRO CON LA ARTISTA Y PRESENTACIÓN DE LA OBRA

Centre Cívic Sortidor (Plaça del Sortidor 15, Poble-sec)

11/10/2022, 18,30

Gratuito

Revelando es un proyecto artístico y participativo impulsado por Homesession, liderado por Giuliana Racco y realizado con la colaboración de diferentes entidades del barrio.

Se centra en la identidad, la migración y la in/exclusión social utilizando la fotografía sostenible como a medio de expresión, de creación y de autonarración para explicar historias personales de las participantes, vinculando arte y comer.

La artista Giuliana Racco, desvelarà la obra fotográfica de gran formato «Revelando» donde se plasma la fase creativa comunitaria y de reflexión crítica de los participantes. También se presentará el proceso creativo del proyecto con una publicación diseñada por la artista Nuria Marqués.

Presentación del proyecto Revelando a cargo de Giuliana Racco y Homesession

Con la colaboración de: Obra Social La Caixa, Centre cívic Sortidor, La Capella, Pla d’Acollida Poble-sec per a tothom, Centre Residencial d’Inclusió Creu dels Molers (Sant Joan de Déu Serveis Socials), Bac Cuinetes (BarcelonActua) i Tasta’m (Servei Solidari)

REVELANDO – TROBADA AMB L’ARTISTA I PRESENTACIÓ DE L’OBRA

11/10/2022, 18,30h

Revelando és un projecte artístic i participatiu impulsat per Homesession, liderat per Giuliana Racco i realitzat amb la col·laboració de diferents entitats del barri. Es centra en la identitat, la migració i la in/exclusió social utilitzant la fotografia sostenible com a mitjà d’expressió, de creació i d’autonarració per explicar històries personals de les participants, tot vinculant art i menjar.

L’artista Giuliana Racco, desvelarà l’obra fotogràfica de gran format Revelando on es plasma la fase creativa comunitària i de reflexió crítica dels participants. També es presentarà el procés creatiu del projecte amb una publicació dissenyada per l’artista Nuria Marqués.

Presentació del projecte Revelando a càrrec de Giuliana Racco i Homesession

Amb la col·laboració de: Obra Social La Caixa,  Centre Cívic Sortidor, La Capella, Pla d’Acollida Poble-sec per a tothom, Centre Residencial d’Inclusió Creu dels Molers (Sant Joan de Déu Serveis Socials), Bac Cuinetes (BarcelonActua) i Tasta’m (Servei Solidari)

Revelando / arte y comunidad.

Revelando / arte y comunidad.

Muy contentos de anunciar un nuevo proyecto que nos ocupará durante los próximos meses: REVELANDO proyecto artístico comunitario sobre Sostenibilidad / Comida / Fotografía

Revelando es un proyecto artístico participativo liderado por la artista Giuliana Racco que se desarrolla a través de una serie de talleres prácticos centrados en la identidad, la migración y la integración y su relación con las prácticas alimentarias sostenibles, a través de la fotografía como medio de expresión, creación y auto-narración.

Revelando aborda la construcción de la comunidad y la carencia de recursos desde una metodología creativa que permita explorar nuevas formas de abastecerse, relacionarse y expresarse. A través del proyecto, se indagan políticas alimentarias basadas no sólo en el aprovechamiento de recursos disponibles sino también en nuevas formas de concebir la comunidad y el barrio. Explora también la sostenibilidad en el acto de producción artística  y la capacidad de reinvención personal y colectiva que puede catalizar un proyecto de transformación, que movilice procesos de cooperación y creación.

Revelando cuenta con la ayuda y colaboración de Obra Social La Caixa (Art For Change), Centre Cívic Sortidor y varias entidades del barrio del Poble-Sec

Opening: 28/09/2021 Anaëlle Vanel: Sol in leone

Opening: 28/09/2021 Anaëlle Vanel: Sol in leone

Anaëlle Vanel: Sol in leone

28/09/2021

18-21h

La fotógrafa Anaëlle Vanel presenta el proyecto realizado durante su residencia de dos meses en Homesession: Sol in leone, centrado en la figura de Gerda Taro. A través de ella y de sus fotografías se evoca la Batalla de Brunete (julio 1937), los lugares, las huellas y el recuerdo de este episodio de la Guerra Civil española en el que murió.

El conjunto es una edición (100 ejemplares, risografía) compuesta por un montaje de fotografías tomadas en Brunete y Villanueva de la Cañada (Madrid), Barcelona y París, documentos y textos.

ANAËLLE VANEL (Mende, France, 1991) Vive y trabaja en Lapeyrouse (FR).
Graduada en Ensba Lyon en 2014, Anaëlle Vanel trabaja principalmente con fotografía y texto.
Considerada como un acto, cada fotografía es el resultado de una sedimentación de experiencias e historias. El objetivo es preservar el misterio inicial del encuentro, no dañar el objeto fotografiado. Lo que se destaca no es la destrucción; el objeto no se exhibe. El texto ancla la fotografía en la duración de una narración, en un antes y un después. La historia y el mito son las capas sucesivas de un mismo palimpsesto. No hay serie, ni centro, ni principio ni fin. Cada conjunto se fija en el momento de la exposición. Así es como las imágenes se vuelven porosas, como surge la narrativa.
Su obra ha sido expuesta en Francia y en el extranjero en exposiciones colectivas (Villa Medicis, Roma; Centre de la Photographie, Ginebra; Kunsthalle der Sparkasse, Leipzig; Galerie Michèle Didier, París) y en exposiciones individuales Mac, Pérouges, Galeries nomades, IAC Villeurbanne; Museo de Historia Natural, Florencia. Su última exposición individual “Mais, dit-on, il y a des obscurités” tuvo lugar en 2021 en el marco de “La fabrique du nous” en el IAC. Sus obras también están presentes en las colecciones del CNAP, el IAC y el Museo del Gévaudan.

Residencia en colaboración con Art3 (Valence, Francia)

ANAËLLE VANEL, en residencia durante agosto y septiembre

ANAËLLE VANEL, en residencia durante agosto y septiembre

ANAËLLE VANEL (Mende, France, 1991) Vive y trabaja en Lapeyrouse (FR).
Graduada en Ensba Lyon en 2014, Anaëlle Vanel trabaja principalmente con fotografía y texto.
Considerada como un acto, cada fotografía es el resultado de una sedimentación de experiencias e historias. El objetivo es preservar el misterio inicial del encuentro, no dañar el objeto fotografiado. Lo que se destaca no es la destrucción; el objeto no se exhibe. El texto ancla la fotografía en la duración de una narración, en un antes y un después. La historia y el mito son las capas sucesivas de un mismo palimpsesto. No hay serie, ni centro, ni principio ni fin. Cada conjunto se fija en el momento de la exposición. Así es como las imágenes se vuelven porosas, como surge la narrativa.
Su obra ha sido expuesta en Francia y en el extranjero en exposiciones colectivas (Villa Medicis, Roma; Centre de la Photographie, Ginebra; Kunsthalle der Sparkasse, Leipzig; Galerie Michèle Didier, París) y en exposiciones individuales Mac, Pérouges, Galeries nomades, IAC Villeurbanne; Museo de Historia Natural, Florencia. Su última exposición individual “Mais, dit-on, il y a des obscurités” tuvo lugar en 2021 en el marco de “La fabrique du nous” en el IAC. Sus obras también están presentes en las colecciones del CNAP, el IAC y el Museo del Gévaudan.

Residencia en colaboración con Art3 (Valence, Francia)

CRISIS OF NOW| Proyecto de Taiwán: Exposición de Fotografía Asiática Contemporánea III

CRISIS OF NOW| Proyecto de Taiwán: Exposición de Fotografía Asiática Contemporánea III

CRISIS OF NOW – Proyecto de Taiwán: Exposición de Fotografía Asiática Contemporánea III (crisis de ahora) es una serie de exposiciones inéditas de fotografía asiática contemporánea que analiza la cultura y la práctica artística del arte contemporáneo desde la perspectiva de los creadores asiáticos.

Wei-Li Yeh Three places for Marguerite Duras, 2003.

Crisis of Now. Part III se estrena en Barcelona y reúne la obra de Wei-li Yeh, Liu Ho-Jang y Ting-Ting Cheng.

Crisis of Now. – CONTEMPORARY ASIAN PHOTOGRAPHY- Part III podrá verse en Barcelona, del 26  de octubre al 2 de noviembre de 2020. Está exposición inédita está comisariada por Chun-chi Wang y organizada por Idolon Studio, Idolon Lab, Homesession y la Oficina Económica y Cultural de Taipéi en España, cuenta con el apoyo del Ministerio de Cultura de Taiwán y el Buró de Asuntos Culturales del Gobierno de la Ciudad de Taipéi y la colaboración de Espronceda – Institute of Art & Culture.

Part I viajó en 2018 por diferentes ciudades de Alemania, donde se pudieron ver proyectos de Yao Jui-Chung, Yang Che-Yi y Yunyi Liu; y Part II se mostró en 2019 en Estados Unidos, con fotografías de Hou Lulu Shur-Tzy, Ting Chaong-Wen y I-Hsuen Chen. La serie Crisis of Now está comisarida por Chun-chi Wang, una comisaria taiwanesa afincada en Berlín. Su trabajo está centrado en la relación entre los seres humanos y la tecnología, y revela el exceso de mecanización y virtualización del mundo actual, donde la velocidad y el control juegan un papel crucial.

Crisis of Now. Part III reúne en Barcelona 45 obras, algunas de gran formato, que narran experiencias e historias de vida específicas, a la vez que permiten construir relaciones entre contextos históricos dispares desde diversas perspectivas. Algunas de las series muestran diferentes ubicaciones geográficas de manera sincrónica, mientras que otras se concentran en un mismo emplazamiento en diferentes momentos temporales. Las vivencias personales y la conciencia colectiva están ligadas a múltiples trayectorias históricas donde las vicisitudes políticas y sociales juegan un papel importante. La exposición reúne la obra de Wei-Li Yeh, Liu Ho-Jang y Ting-Ting Cheng.

ACERCA DE LA COMISARIA Chun-chi Wang. Nacida en Taipéi, vive en Berlín. donde trabaja como comisaria de arte y editora independiente. Se posgraduó en la New York University Tisch School of the Arts tras haber cursado el grado en el Instituto Pratt (EEUU).En 2011 colaboró con la red internacional de comisarios SYNAPSE, en el Haus der Kulturen der Welt (Casa de las Culturas del Mundo) de Berlín. En 2012 ejerció de comisaria adjunta del comisario alemán Anselm Franke en la Bienal de Taipéi, Modern Monsters / Death and Life of Fiction. A lo largo de los años, Wang ha comisariado muestras de arte contemporáneo en Berlín, Nueva York y Taipéi, entre otros lugares, con el objetivo de promover el arte de Taiwán en el extranjero. Su tema principal de investigación es la esfera pública y el arte, concretamente «la relación creativa de la intervención del arte en la esfera de lo público». Con el objetivo de estudiar el valor sociocultural del arte, entrevista a académicos, artistas y comisarios. Entre las exposiciones que ha comisariado destacan: No One River Flows (Kuandu Museum of Fine Arts (Taiwán), 2013), Urban Synesthesia (Kaohsiung Museum of Fine  Arts (Taiwán), 2015), Hieroglyphic Memory: Surveying Bangka Through Narrative Trace (Bopiliao Historic Block Taipei, 2016), Crisis of Now: Contemporary Asian Photograph (Berlín, 2018; Nueva Orleans, 2019; Barcelona, 2020), Installation and Performance (Weimar E-Werk, 2019; Bauhaus-Museum, 2020; Goethepark Weimar, 2021). Uno de los proyectos de estudio de campo que ha organizado es Off-Site Project, que se ha llevado a cabo en Latinoamérica (Colombia, 2017; Perú, 2018; Argentina, 2019) y en Asia Oriental (Turquía, 2017; Líbano, 2021). Es la fundadora de IDOLONSTUDIO (Unión de Artistas Asiáticos Europeos), una organización interdisciplinaria sin fines de lucro que ofrece a los artistas innovadores que trabajan en los medios de comunicación, la literatura y las artes escénicas oportunidades de exposición y actuación para crear y presentar nuevas obras.  

ACERCA DE LOS ARTISTAS DE CRISIS OF NOW. PART III

Wei-Li Yeh nació en Taipei (Taiwán) en 1971 y emigró a los 11 años a EEUU con su familia. Durante su adolescencia, en Tampa (Florida), se fascinó por la música heavy metal y el rock’n’roll. Estudió fotografía en la University of South Florida (1994) y en el Rhode Island School of Design (1997). Tras una visita en 1996 a Taiwán (la primera desde su emigración a EEUU), se sintió atraído por los temas de desplazamiento, asimilación, identidad cultural y políticas raciales. Yeh se trasladó entonces a Nueva York, mostrando su obra en la Columbia University, el Bronx Museum of Art y el International Center of Photography. En 2002 decidió regresar a Taiwán, convirtiéndose en un artista y comisario muy activo. Su trabajo se exhibe o colecciona en todo el mundo, y sus proyectos fotográficos o textuales exploran las dinámicas del ser humano como individuo en relación con las prácticas colectivas. Actualmente vive y trabaja en Yangmei (Taiwán).

Ting-Ting Cheng nació en 1985 en Taipei. Se graduó en Publicidad y Relaciones Públicas en la Fu-Jen University y se mudó a Londres, donde estudió fotografía en la University of Westminister (2009) y se graduó en Bellas Artes en el Goldsmiths College (2014). Su obra se ha espuesto en exposiciones individuales organizadas en el Taipei Fine Art Museum, la Grand Siècle Gallery (Taiwán), la Identity Art Gallery (Hong Kong), Gallery Nomart (Osaka, Japón), Addaya Palma y Galería Luis Adelantado, en España. También ha participado en exposiciones colectivas en ARCO Madrid, la Bi.City Biennale of Urbanism-Architecture de Shenzhen (República Popular China), III Moscow International Biennale for Youg Art, KuanDu Museum (Taipei), National  Taiwan Museum of Fine Arts, National Art Museum of China (Beijing), Art 14 (Londres) y Art Stage Singapore, entre otros. En 2012 fue seleccionada entre los 40 artistas más relevantes de Asia por la Perspective Magazine de Hong Kong.  

Liu Ho-Jang nació en 1972 en Taipei (Taiwán). Se graduó en 2002 en el Creative Institute del Queen’s College de la City University of New York.  Su trabajo reflexiona acerca de la identidad fotográfica en el contexto de la sociedad contemporánea. En 2011, su obra se publicó en Aster Magazine. Entre sus exposiciones destacan Sculpture Games, Fields, en la Tapei University of Arts (2019); Super Daily, en la Taipei Biennal (2018); Wuzhong Accounting Painting-Reality Virtual, en el Taipei Fine Arts Museum (2017); Key Meditation, en la Asian Biennale (2017); Public Spirit, en el Ujazdowski Castle – Centre for Contemporary Art, en Varsovia (2016); City Charm, en el Kaohsiung Museum of Fine Arts, en Taiwán (2015); y New York, en la Queens Internacional Biennale, organizada por el Queens Museum de Nueva York (2013). El fotógrafo vive y trabaja en Taipei y Tainan y es profesor a tiempo completo en el Institute of Plastic Arts de la Tainan University of Fine Arts.    

ACERCA DE ESPRONCEDA – INSTITUTE OF ART & CULTURE

Espronceda – fundado en 2013 en Barcelona – es un proyecto de arte innovador y contemporáneo, ofrece una plataforma internacional y un entorno multidisciplinario para artistas, comisarios y todos los que creen en la importancia del arte, la cultura y la educación para lograr una mayor creatividad y un mundo mejor. Espronceda fomenta artistas internacionales establecidos y aspirantes a desarrollar su trabajo y creatividad, y a difundir su inspiración más allá de su estancia física en el espacio.  

CRISIS OF NOW – Proyecto de Taiwán: CONTEMPORARY ASIAN PHOTOGRAPHY  PART 3

Del 26 de octubre al 2 de noviembre de 2020

Comisaria: CHUN-CHI WANG

Artistas: WEI-LI YEH LIU HO-JANG CHENG TING-TING

Organiza: IDOLON STUDIO (Union of European Asian Artists), IDOLON LAB

Co-organizadores: HOMESESSION, CULTURAL DIVISION OF THE TAIPEI ECONOMIC AND CULTURAL OFFICE IN SPAIN

Partners oficiales: MINISTRY OF CULTURE OF TAIWAN, DEPARTMENT OF CULTURAL AFFAIRS, TAIPEI CITY GOVERNMENT

Colaboración: ESPRONCEDA – INSTITUTE OF ART AND CULTURE

Entrada Gratuita / reserva obligatoria : renata@espronceda.net

Opening + visita guiada con la comisaria 26 octubre 18-21,00h

Horario de visita: de martes a sábado de 16 a 20h

para visitas en otros horario escribir a: ovidu@espronceda.net

Dirección C. d’Espronceda, 326, nave 4 y 5, 08027 Barcelona, www.espronceda.net

Evento Facebook

Video entrevista Olivier Collet / Chun Chi Wang

ENG

Crisis of Now – TAIWAN PROJECT: CONTEMPORARY ASIAN PHOTOGRAPHY – Part III 

26 -10 / 02 – 11

INSTITUTE OF ART AND CULTURE

C. d’Espronceda, 326, nave 4 y 5, 08027 Barcelona, www.espronceda.net

Is a series of unpublished photography exhibition that analyzes the culture and artistic practice of contemporary art from the perspective of Asian creators. Crisis of Now. Part III premieres in Barcelona and brings together the work of Wei-li Yeh, Liu Ho-Jang and Ting-Ting Chen. Part I traveled in 2018 to different cities in Germany, where you could see projects Yao Jui-Chung, Yang Che-Yi and Yunyi Liu; and Part II was shown in 2019 in the United States, with photographs by Hou Lulu Shur-Tzy, Ting Chaong-Wen and I-Hsuen Chen. The Crisis of Now series is curated by Chun-Chi Wang, a Taiwanese curator based in Berlin. Your job is focused on the relationship between humans and technology, and reveals the excess of mechanization and virtualization of today’s world, where speed and control play a role crucial.

Crisis of Now. Part III brings together 45 works in Barcelona, some in a large format, that narrate specific experiences and life stories, while allowing the building of relationships between disparate historical contexts from different perspectives. Some of the series show different geographic locations synchronously, while others focus on the same location at different times. Personal experiences and collective consciousness are linked to multiple historical trajectories where political and social vicissitudes play an important role. The exhibition brings together the work of Wei-Li Yeh, Liu Ho-Jang and Ting-Ting Chen.

The Artists

Wei-Li Yeh was born in Taipei (Taiwan) in 1971 and emigrated to the United States at the age of 11 with his family. During his adolescence, in Tampa (Florida), he became fascinated by heavy metal music and the rock’n’roll. He studied photography at the University of South Florida (1994) and in Rhode Island School of Design (1997). Following a 1996 visit to Taiwan (his first since emigration to USA), was drawn to the themes of displacement, assimilation, cultural identity and racial politics. Yeh then moved to New York, showing his work at Columbia University, the Bronx Museum of Art and the International Center of Photography. In 2002 he decided return to Taiwan, becoming a very active artist and curator. His work is exhibited o collects around the world, and his photographic or textual projects explore the dynamics of the human being as an individual in relation to collective practices. Currently lives and works in Yangmei (Taiwan).

Ting-Ting Chen was born in 1985 in Taipei. She graduated in Advertising and Public Relations at the Fu-Jen University and moved to London where she studied photography at the University of Westminister (2009) and graduated in Fine Arts from Goldsmiths College (2014). Her work is has exhibited in solo exhibitions organized at the Taipei Fine Art Museum, the Grand Siècle Gallery (Taiwan), Identity Art Gallery (Hong Kong), Gallery Nomart (Osaka, Japan), Addaya Palma and Luis Adelantado Gallery, in Spain. She has also participated in exhibitions. Collectives at ARCO Madrid, the Bi.City Biennale of Urbanism-Architecture in Shenzhen (People’s Republic of China), III Moscow International Biennale for Youg Art, KuanDu Museum (Taipei), National Taiwan Museum of Fine Arts, National Art Museum of China (Beijing), Art 14 (London) and Art Stage Singapore, among others. In 2012 she was selected among the 40 artists Asia’s most relevant publications by Hong Kong’s Perspective Magazine.

Liu Ho-Jang was born in 1972 in Taipei (Taiwan). He graduated in 2002 from the Creative Institute of the Queen’s College of the City University of New York. His work reflects on identity
photographic in the context of contemporary society. In 2011, his work was published in Aster. Magazine. His exhibitions include Sculpture Games, Fields, at the Tapei University of.
Arts (2019); Super Daily, at the Taipei Biennial (2018); Wuzhong Accounting Painting-Reality Virtual, at the Taipei Fine Arts Museum (2017); Key Meditation, at the Asian Biennale (2017); Public Spirit, at the Ujazdowski Castle – Center for Contemporary Art, in Warsaw (2016); City Charm, at the Kaohsiung Museum of Fine Arts, in Taiwan (2015); and New York, in Queens
International Biennale, organized by the Queens Museum in New York (2013). The photographer lives and works in Taipei and Tainan and is a full-time professor at the Institute of Plastic Arts from the Tainan University of Fine Arts.

Curator: CHUN-CHI WANG

Artists: WEI-LI YEH LIU HO-JANG CHENG TING-TING

Organize: IDOLON STUDIO (Union of European Asian Artists), IDOLON LAB

Co-organizers: HOMESESSION, CULTURAL DIVISION OF THE TAIPEI ECONOMIC AND CULTURAL OFFICE IN SPAIN

Official Partners: MINISTRY OF CULTURE OF TAIWAN, DEPARTMENT OF CULTURAL AFFAIRS, TAIPEI CITY GOVERNMENT

Collaboration: ESPRONCEDA – INSTITUTE OF ART AND CULTURE

Beca Arts Visuals Fundació Güell 2020

Beca Arts Visuals Fundació Güell 2020

Foto: Helena Vinent, ganadora Beca Arts Visuals 2019, “Otro especial de quinquis” (2017-2018)

La FUNDACIÓ GÜELL amb la col·laboració de l’Associació HOMESESSION convoca una beca per a joves artistes d’arts visuals (màxim 35 anys) nascuts o establerts en terres de parla catalana oberta a les disciplines de pintura, escultura, instal·lació, fotografia, dibuix i vídeo art.

La data límit d’enviament de les candidatures és el 20 de setembre de 2020.

Consulteu les bases de la convocatòria: Bases Beca Arts Visuals 2020

Per a demanar més informacions podeu escriure a info@homesession.org

https://fundacioguell.com/bases-beca-arts-visuals-2019/
29 August, opening Marko Stojanović: UNEARTHED

29 August, opening Marko Stojanović: UNEARTHED

Marko Stojanović: UNEARTHED

Opening 29.08-2019

19-21,30h

@Marko Stojanović, UNEARTHED; Barcelona, 2019

 

UNEARTHED

All homes in the world are interconnected through an electrical grid.This earthed system makes our appliances work: turning on and off, batteries charging, electrical shutters closing, alarms and microwaves beeping, shavers buzzing, lights flickering, air conditioners whooshing, refrigerators gurgling.

The wellbeing we enjoy comes into question whenever we notice an unusual act, an intervention such as a wallpaper print that simulates an open space, used as a mere decoration of a closed one.

In these eclectic moments, it appears to us that humanity, more than ever, needs earthing.

Marko Stojanović is the artist in residence at Homesession during July and August 2019, as part of the Exchange program with Belgrade Air (Serbia)

Marko Stojanović (1982) graduated from the Academy of Arts in Novi Sad. He held solo exhibitions in DeStil Tirana, Albania (2018), DOB Gallery, Belgrade (2016), Cultural Center Novi Sad (2016), U10 Art Space, Beograd (2016), Kino Šiška, Ljubljana, Slovenia (2011), Museum of Contemporary Art, Skopje, Macedonia (2007), Academy of Art Jalapa, University of Veracruz, Mexico (2007), Remont Gallery, Beograd (2006), etc. He was a participant of the 48th October Salon in Belgrade;Terminal00, Ljubljana; Grifon, Graphic Collective, Belgrade; BJCEM, Bari; Micronaratives, Musée Art Moderne, Saint-Etienne; Giovani Artisti Serbi, Galleria d’Arte Moderna, Palazzo Forti, Verona; Second hand, Cvijeta Zuzorić Pavillion, Belgrade etc.His work is part of collections of the City of Belgrade, Telenor Foundation, Museum of Contemporary Art Skopje, Lasalle-Sia College of the Arts Singapore and many others. For the last couple of years he is on a permanent travel. Officially, he lives in Belgrade.

With the collaboration of Belgrade Air (Serbia)


www.markostojan.com
www.instagram.com/markostojan

 

Ángela Bonadies

Artist Ángela Bonadies’s research and creative residency in Homesession

11 June-11 July 2016

EMERGENCY STRUCTURES second phase
In collaboration with Idensitat, Emergency Structures will continue the processes initiated during the previous year, involving several activities.

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