Ya-Nung Huang, exposición y performance. 27 y 28 de octubre.

Ya-Nung Huang
QUARTET

Exposición: 27 y 28 octubre 2022
Horario: 18h a 21h.
Performance: 27.10.2022 a las 19h

La artista multidisciplinar actualmente en residencia en Homesession procedente de Taiwán -Ya-Nung Huang- , presenta el próximo 27 y 28 de octubre su último proyecto “Quartet”.

“Quartet” conforma un paisaje sonoro a través de instrumentos tradicionales (suona y gralla), grabaciones de campo y receptores de ondas de radio para explorar la comunicación interpersonal. La instalación es un ejercicio de experimentación estructurado en cuatro partes, cada una de ellas centrada en un aspecto relacional distinto: la relación de un territorio con las personas que lo recorren, la relación entre cuerpo y espacio, entre personas y el nexo entre sonido y música.

Se inaugura el 27 a las 19h con una performance sonora en colaboración con el artista Taiwanés Lai Tsung-Yun. Una pieza que mezclando métodos de ejecución musical tradicionales y contemporáneos explora las posibles conexiones entre la Suona (instrumento tradicional de viento), sintetizadores y grabaciones trabajadas electrónicamente. Una colaboración refrescante por su capacidad de armonizar elementos cultural y artificiosamente mantenidos distantes.

Ya- Nung crea sus piezas a través de una observación atenta y participativa que sea capaz de transformar la percepción de lo cotidiano; una mirada inquisitiva y disconforme que se impregna en todas sus obras. Dicha capacidad de observación es el motor de incansables colaboraciones con artistas de distintos ámbitos. En este caso, durante el proceso creativo de “Quartet”, ha participado en conciertos con músicos especializados en la Gralla (instrumento de viento de música tradicional catalana), ha explorado la sonoridad de objetos cotidianos con estudiantes universitarios y ha producido junto a artistas sonoros especializados en música electrónica.

Un tema recurrente en el trabajo de Ya-Nung Huang es la escucha. Trata de encontrar las múltiples posibilidades de escuchar, ya que es una acción primordial para la comprensión, y por lo tanto, para la comunicación. Haciendo hincapié en creaciones vinculadas con el entorno, usa su experiencia sensorial para observar y describir el espacio circundante, concentrándose en las cosas o las personas generalmente ignoradas. A la artista le interesa descubrir y recopilar algunos objetos discretos o incluso despreciados en forma de fragmentos, para luego desarmarlos, reconstruirlos y reinterpretarlos. Nacida en 1985 en Taipei (Taiwán) Huang Ya-Nung es una artista multidisciplinar que trabaja usualmente con vídeo, sonoridad, espacio y cuerpo. Con una formación en música tradicional china, está especializada en la “Suona”. En los últimos años, Ya-Nung se ha enfocado en temas sociales y pol´ticos, con la voluntad de acercar el arte a las comunidades y el territorio. Sus proyectos se rigen por el principio de “El arte está en todas partes, el arte es vida, el arte es de todas las personas” para reducir la brecha entre el arte y el público. El trabajo de video “Tsukigata Healthy Exercise” (2019) es un ejemplo de ello: el resultado de la residencia en un pueblo envejecido de Japón. En su proyecto más reciente se ha dirigido a la generación senior, así como a otras personas marginadas por la sociedad. La accesibilidad y el empoderamiento cultural del arte son los núcleos principales que marcan el camino de su carrera como artista.

Con la colaboración de: Oficina Económica y Cultural de Taipei, Ministry. of Culture of Taiwan.

Ya-Nung Huang
Quartet

Exhibition: 27 and 28 October 2022
Opening hours: 18h – 21h
Performance: 27 October at 19h

The multidisciplinary artist currently in residence at Homesession from Taiwan -Ya-Nung Huang-, will present her latest project “Quartet” on October 27 and 28.

“Quartet” forms a soundscape through traditional instruments (suona and gralla), field recordings and radio wave receivers to explore interpersonal communication. the installation is an experimental exercise structured in four parts, each one focused on a different relational aspect: the relationship between a territory and the people who travel through it, the relationship between body and space, between people and the link between sound and music.

It opens on the 27th at 7:00 p.m. with a sound performance in collaboration with the Taiwanese artist Lai Tsung-Yun. A piece that, mixing traditional and contemporary musical performance methods, explores the possible connections between the Suona (traditional wind instrument), synthesizers and recordings worked electronically. A refreshing collaboration for its ability to harmonize elements culturally and artificially kept distant.

Ya-Nung creates her pieces through attentive and participatory observation that is capable of transforming the perception of everyday life; an inquisitive and dissatisfied look that is impregnated in all her works. This ability to observe is the engine of tireless collaborations with artists from different fields. In this case, during the creative process of “Quartet”, he has participated in concerts with musicians specialized in the Galla (a wind instrument of traditional Catalan music), he has explored the sound of everyday objects with university students and he has produced together with sound artists specialized in electronic music.

A recurring theme in Ya-Nung Huang’s work is listening. She tries to find the multiple possibilities of listening, since it is an essential action for understanding, and therefore, for communication. Emphasizing creations linked to the environment, she uses her sensory experience to observe and describe the surrounding space, focusing on things or people usually ignored. The artist is interested in discovering and collecting some discrete or even neglected objects in the form of fragments, in order to later disassemble, reconstruct and reinterpret them.

Born in 1985 in Taipei (Taiwan), Huang Ya-Nung is a multidisciplinary artist who usually works with video, sound, space and body. With a background in traditional Chinese music, she is specialized in the “Suona”. In recent years, Ella Ya-Nung has focused on social and political issues, with the desire to bring art closer to the communities and the territory. Her projects are governed by the principle of “Art is everywhere, art is life, art belongs to all people” to bridge the gap between art and the public. Her video work “Tsukigata Healthy Exercise” (2019) is a case in point: the result of her residency in an aging village in Japan. In her most recent project she has targeted the senior generation as well as other people marginalized by society. The accessibility and cultural empowerment of art are the main nuclei that mark the path of her career as an artist.

In collaboration with: Oficina Económica y Cultural de Taipei, Ministry. of Culture of Taiwan.

Exposición de la artista Tinta Fina “Otro Paisaje en Crisis”

Del 16 al 18 de septiembre se podrá ver en Homesession la nueva instalación de dibujo y relato inmersivo de Tinta Fina.

(English bellow)

Otro paisaje en Crisis hace uso de la narración gráfica y el dibujo envolvente para establecer conexiones entre las historias y las personas que las observan. La artista Tinta Fina propone una instalación donde la narración gráfica funciona como un reflejo satírico de los espacios y experiencias inmersivas tan en boga en la Barcelona turística actualmente. Experiencias que pretenden interpelarnos con la insistencia de todos los estímulos que pueda recibir un cuerpo.

Una investigación gráfica hecha de estrategias caseras y a mano, una experiencia inmersiva a la que se le ve el cartón y que defiende la cultura DIY frente a la impersonal perfección de los entornos 3D. Desde el placer, el humor y la provocación nos pide un esfuerzo de lectura de texto, de imágenes y significados frente a un marketing de dobly surround que mastica los contenidos.

Tomando la sala como punto central, se despliegan en las paredes escenas de la ciudad de Barcelona llenas de sucesos codificados en ilustraciones y diálogo extraídas de conversaciones escuchadas (a veces a escondidas) a conocidas o artistas.

Previamente a la inauguración de Otro Paisaje en Crisis, Tinta Fina nos trae un taller para desarrollar colectivamente una “sala de espejos” a modo de fun museum. Para desarrollarlo nos enseñará cómo desarrollar vivencias concretas en escenas entrelazadas a través del lenguaje de la narración gráfica. Más información sobre el taller aquí.

Nuria Inés (Tinta Fina) trabaja desde el relato gráfico y el cómic expandido como herramientas generadoras de comunicación y conocimiento. En sus proyectos se acerca a las narrativas vitales y personales de las otras buscando oportunidades de transcribir, en la narración de la experiencia, lecturas críticas de los contextos cotidianos con los que conecta directamente. Es artista residente en la Escocesa y este curso iniciará uno de los programas“En residencia” en el Instituto Vall de Hebrón con Experimentem amb l’Art. Ha publicado como ilustradora la novela gráfica “Padrines” escrita por Mariona Visa y publicada por Pagés Editors. En 2019 participó en la bienal de arte joven de Buenos Aires en Argentina gracias a una residencia de dos meses en el centro de arte Recoleta en colaboración con Hangar. Ha sido premiada por la Sala d’ art Jove de la Generalitat por el proyecto “Canción para Consuelo” con el que fue residente en Corniolo art platform, en Florencia, Italia. Forma parte del colectivo Julio, con el que participaron de la exposición “el arte irreducible” en la prisión Modelo y en las jornadas de la universidad popular del CA2M de Madrid. Participa habitualmente en proyectos de otros artistas o colectivos como relatora gráfica: en el proyecto “médiums” del colectivo DU-DA o “els enemics del poble i l’infern” de Lluc Mayol, entre otros.

En colaboración con La Escocesa.

ENG

Tinta Fina / Exhibition
Another Landscape in Crisis

Exhibition: 16.09.2022 – 18.09.2022
Opening hours: friday and saturday from 18h to 21h; sunday from 12h to 15h
Vermut + Guided visit: sunday at 13h

Another Landscape in Crisis uses graphic storytelling and immersive drawing to make connections between the stories told and the people who observe them. The artist Tinta Fina proposes an installation where the graphic narration works as a satirical reflection of the spaces and immersive experiences in vogue in the tourist Barcelona today. Experiences that seek to challenge us with the insistence of all the stimuli that a body can receive.

A graphic investigation made of homemade strategies and with what is at hand, an immersive experience that looks like cardboard and that defends the DIY culture against the impersonal perfection of 3D environments. With humor and provocation, it asks us to make an effort to decode texts, images and meanings versus a doubly surround marketing that chews up all content.
Taking the sapce as the central point, scenes from the city of Barcelona are displayed on the walls, full of events codified in illustrations and dialogues extracted from conversations (sometimes overheard secretly) from friends and artists.

Nuria Inés (Tinta Fina) works from the graphic story and the expanded comic as tools that generate communication and knowledge. In her projects, she approaches the vital and personal narratives of the others, looking for opportunities to transcribe, in the narration of the experience, critical readings of the daily contexts with which she connects directly. She is an artist in residence at the Escocesa and this year she will start one of the “In residence” programs at the Vall de Hebrón Institute with Experimentem amb l’Art. As an illustrator, she has published the graphic novel “Padrines” written by Mariona Visa and published by Pagés Editors. In 2019 he participated in the Buenos Aires Young Art Biennale in Argentina thanks to a two-month residency at the Recoleta art center in collaboration with Hangar. She has been awarded by the Sala d’art Jove de la Generalitat for the project “Canción para Consuelo” with which she was a resident at the Corniolo art platform, in Florence, Italy. He is part of the Julio collective, with which they participated in the exhibition “el arte irreducible” in the Modelo prison and in the sessions of the popular university of CA2M in Madrid. She regularly participates in projects by other artists or groups as a graphic narrator: in the “mediums” project of the DU-DA collective or “els enemics del poble i l’infern” by Lluc Mayol, among others.

Project carried out in collaboration between Homesession and La Escocesa

Video entrevista a Geneviève & Matthieu

Charlamos con el dúo artístico en residencia durante junio en Homesession sobre el desarrollo de su último proyecto Mr.Gros

Geneviève & Matthieu

Mr. Gros

Performance: 22 junio de 19h a 20h en La Capella

Exposición: 22 junio a 30 junio en La Capella. M – V de 17 a 20 h; S y D de 12 a 20 h

Entrevista sobre procesos creativos al dúo artístico Geneviève & Matthieu en residencia durante junio en Homesession.
Charlamos sobre su proyecto actual Mr.Gros y de proyectos pasados; sobre la interdisciplinariedad como forma de dedicarse al arte; el desarrollo de proyectos visuales y performativos a partir de una idea o de una frase; así como la creación artística a cuatro manos.

Al finalizar su residencia realizarán una performance el 22 de junio a las 19h en La Capella para inaugurar la instalación performativa que podrá verse hasta el 30 de junio también en el mismo espacio.

Aquí la entrevista completa.

Organiza: Homesession
En colaboración con: L’Écart, La Capella, Bureau Québec- Barcelone.

Exposición de Marc-Olivier Hamelin en Homesession

El artista expondrá el avance de su proyecto “It’s Still Vivid – Vivid Like That Crushed Flower on the Street” el 27 de mayo de 18h a 21h

Marc-Olivier Hamelin

It’s Still Vivid – Vivid Like That Crushed Flower on the Street”

27 de mayo de 18h a 21h

English bellow

El artista en residencia en Homesession durante mayo – Marc-Olivier Hamelin – está realizando un proyecto de investigación artística de larga duración sobre el legado de la crisis del SIDA de finales del siglo XX en su obra artística y su vida personal.

En esta exposición, que estará abierta al público exclusivamente el 27 de mayo de 18h a 21h, podremos ver parte de su proceso y su metodología de investigación.
El proyecto “It’s Still Vivid – Vivid Like That Crushed Flower on the Street” parte tanto de texto como de imágenes para crear nuevos relatos, tanto íntimos como claramente políticos.

Mediante la lectura de textos y la observación de obras de este periodo (finales del s XX), busca construir una narrativa visual y literaria combinando las voces de los artistas queer con la suya propia. Se interesa por la amistad, la memoria, la pérdida y la colaboración entre amantes y enamorados. Mediante la recopilación de citas e imágenes de diarios y libros publicados, intenta visualizar y comprender la vida cotidiana de estos artistas. Esta exposición forma parte de sus reflexiones sobre la narración de sí mismo y lo que motiva y alimenta su voluntad de expresión.

Proyecto realizado en colaboración con: L’Écart, Bureau Québec- Barcelone.

ENG

The artist in residence at Homesession during May – Marc-Olivier Hamelin – is conducting a long-term artistic research project on the legacy of the AIDS crisis of the late 20th century on his own artistic work and personal life.

In his exhibition, which will be open to the public exclusively on 27 May from 6 p.m. to 9 p.m., we will be able to see part of his research process and methodology.
His project “It’s Still Vivid – Vivid Like That Crushed Flower on the Street” uses both text and images to create new narratives, both intimate and political.

Based on texts and artistic works from this period (late 20th century), he seeks to construct a visual and literary narrative by combining the voices of queer artists with his own. He is interested in friendship, memory, loss and collaboration between lovers. By collecting quotes and images from published diaries and books, she attempts to visualise and understand the everyday lives of these artists. This exhibition is part of his reflections on his self-narrative and what motivates and fuels his will to express himself.

Project carried out in collaboration with: LL’Écart, Bureau Québec- Barcelone.

Fito Conesa, Exposición en L’Écart-Quebec

Video-instalación “Rouyn-Noranda’s symphony”

Opening 05.05.2022

L’Écart- Rouyn-Noranda Quebec, Cánada

El artista Fito Conesa, en el marco de su residencia en L’Écart (Cánada) realizada gracias a la beca Exchange 2022, presenta su proyecto de arte sonoro y video instalación el 5 mayo de 2022.

El rastro de la actividad industrial en el paisaje cuenta una historia. Esta historia, escrita por los actores del mercado, es el eje en torno al cual giran los personajes y los acontecimientos constitutivos. Estos registros regulan nuestras decisiones, nuestras vidas. Bajo la superficie, hay historias paralelas, diferentes.
El planteamiento pretende reunirlas todas con la intención de anularse mutuamente sin negar los agujeros, montículos y ruinas inherentes a la extracción de recursos naturales.
“Un nuevo comienzo, eso es lo que busco.”(de Alexandre Castonguay)

Colaboración: L’Écart, Homesession, Departamento Relaciones Internacionales de Quebec.

“Looking for Zara” exposición de Floraine Sintès 26-27.04

Floraine Sintès

Looking for Zara

26 y 27 de abril, de 18 a 21h

Back, Scanner del revés de la etiqueta Zara, F. Sintès 2022

“Looking for Zara” es una exposición de investigación sobre la entidad corporativa homónima, propiedad del grupo español Inditex, cuarta empresa textil del mundo. Floraine Sintès se enfrenta a la figura de Zara en el marco de su serie e proyecto de investigación: “Les Doublures”, centrado en las marcas de ropa y lo que estas muestran de sí mismas (Chloé, Caroll, Jennyfer, Céline y Morgan). Con, entre otras cosas, ” MORE THAN A JOB, a Way of Life (MÁS QUE UN TRABAJO, una forma de vida)” como lema de contratación, Zara se sitúa en la línea de los grupos que pretenden “volver a poner a las personas en el centro de su empresa”.

Al diseccionar el vocabulario de marketing utilizado por la marca, el lenguaje y las estrategias directivas internas dirigidas a sus empleados, y los testimonios oficiales y extraoficiales, la artista elabora un retrato de la identidad ficticia que fabrica la entidad jurídica de la empresa, y pone en circulación otras narrativas. ¿Qué pretende ser?

Floraine Sintès (nacida en 1995) vive y trabaja en Lyon. Tras un breve paso por Olivier de Serre en comunicación de marca y diseño de envases, se incorporó a la Escuela Nacional Superior de Bellas Artes de Lyon, de la que se graduó en 2020. Forma el dúo Donnant-Donnant con Agathe Chevalier. Desde 2016 participa en varios colectivos y asociaciones: Maison de l’écologie en Lyon, Cybersistas (club feminista interseccional), Pôle Technique (creación de espacios de trabajo para artistas autogestionados) y en 2021 cofundó el espacio artístico Runspace Monopôle en Lyon. Ese mismo año presenta su obra en varias exposiciones colectivas La quatrième du trèfle ordinaire en la orangerie du Parc de la tête d’or, A Ciel ouvert comisariada por Studio Ganek así como Le début de la fin en el Institut d’Art Contemporain de Villeurbanne. En 2022 participará en Ce qui reste d’espoir pour mentir en la Brasserie Atlas de Bruselas, Zone grise en monopôle y super F97 y propondrá por invitación de BF15 “Acteur.ices Permanent.es” exposición in-situ en el Théâtre des Célestins.

ENG

“Looking for Zara” is a research-investigation exhibition on the eponymous corporate entity. Owned by the Spanish group Inditex, the world’s 4th largest textile company. Following on from her series and research “Les Doublures” on clothing brands and what they show about themselves (Chloé, Caroll, Jennyfer, Céline and Morgan), Floraine Sintès confronts the figure of Zara. With, among other things, “MORE THAN A JOB, a Way of Life” as its recruitment slogan, Zara is in line with groups that aim to “put people back at the heart of their company”.

By dissecting the marketing vocabulary used by the brand, the language and internal managerial strategies addressed to its employees, and the official and unofficial testimonies, it draws up a portrait of the fictitious identity that the company’s legal entity manufactures, and puts other narratives into circulation. What does it claim to be?

Floraine Sintès (born in 1995) lives and works in Lyon. After a brief stint at Olivier de Serre in brand communication and packaging design, she joined the Ecole Nationale Supérieure de Beaux Art de Lyon from which she graduated in 2020. She forms the duo Donnant-Donnant with Agathe Chevalier. Since 2016 she has been involved in several collectives and associations: Maison de l’écologie in Lyon, Cybersistas (intersectional feminist club), Pôle Technique (creation of workspaces for self-managed artists) and in 2021 she co-founded the artist Runspace Monopôle in Lyon. The same year she presents her work in several group exhibitions La quatrième du trèfle ordinaire at the orangerie du Parc de la tête d’or, A Ciel ouvert curated by Studio Ganek as well as Le début de la fin at the Institut d’Art Contemporain de Villeurbanne. In 2022 she will participate in Ce qui reste d’espoir pour mentir at the Brasserie Atlas in Brussels, Zone grise at monopôle and super F97 and will propose on an invitation from the BF15 “Acteur.ices Permanent.es” in-situ exhibition at the Théâtre des Célestins.

Residencia en colaboración con Art3, Valence, Francia

Tadáskía: Ocellets /17-19 Febrero.

Tadáskía: Ocellets

Exposición: 17-18 de febrero

17 de febero 18-21h

18 de febrero 17-20h

19 de enero 13h: aparición

La artista presenta el trabajo realizado durante su residencia los días 17 y 18 de febrero en formato expositivo.
El 19 de febrero a las 13h el publico podrá asistir a la “aparición” (acción performativa) que la artista realizará en el interior de la sala, pero sin que el público pueda acceder a la sala.

Ocellets

“Recuerdo a mi padre Aguinaldo Morais en mi infancia criando pájaros en su jaula – los cazaba cerca de su casa y también los compraba, intercambiaba o vendía en el mercado. Sin embargo, llegó un momento en que decidió: “sería mejor verlos libres”. Fue entonces cuando no volví a ver a mi padre cazando ningún pájaro.
Ocellets es una forma cariñosa de llamar a los pájaros en catalán. También es el nombre de la plaza que está cerca de mi lugar de residencia en Barcelona. Todo ello me hizo pensar en la gente y en la comida de la forma en que pienso en las aves que migran de un lugar a otro, cambiando de idioma y de connivencia.En la exposición, he reunido frutas, verduras y hortalizas para que la gente se las lleve, y que, al día siguiente, estos alimentos se vayan renovando. Y, en mi interés por adentrarme, por conocer una tierra y su lengua extranjera, pinté las paredes con óleos enunciando un diálogo entre fruta, flores y seres alados; dibujé también en papeles arrancados y diseminados, con trazos y colores llenos de juego, que ofrezco como imaginaciones de los Ocellets migrando y cruzando el océano.” Tadáskía

Tadáskía (Río de Janeiro, 1993) Anteriormente conocida como max wíllà morais, es artista, trans y escritora. Ya sea en dibujos, fotografías, instalaciones, apariciones, obras textiles establece una relación con la materia que puede surgir del encuentro, creando imaginarios afro-diaspóricos y espiritualidad sincrética a su alrededor. En sus dibujos de cualidades volátiles y sensibles, realizados a menudo con materiales sencillos, como esmalte de uñas y lápices de colores, viven agrupaciones a veces complementarias, a veces disidentes. En sus obras la artista sugiere otras nociones de tiempo y espacio frente a los binarismos, planteando también cuestiones en los campos de la forma, la línea y el color. Tadáskía, licenciada en artes visuales en la Universidad Estatal de Río de Janeiro, ha participado en varias exposiciones colectivas en Brasil, entre estas Hábito/Habitante (EAV Parque Lage, 2021), comisariada por Ulisses Carrilho; y Uma história natural das ruínas (Pivô, São Paulo, 2021), comisariada por Catalina Lozano. Su obra se presenta en Europa por primera vez.

Residencia en colaboración con Sé Galería (Brasil)

Emily Thomas: In the Melting Pot / 17-18 diciembre

Emily Thomas

In the Melting Pot

Vernissage: 17/12/2021 18:00 – 21:00

Horario : 18/12 17:00 – 20:00, y del 19 al 21 diciembre solo con reserva previa : emilythomasartist@gmail.com

En su exposición individual In the Melting Pot, Emily Thomas consolida su investigación sobre las fábricas creativas y los desarrollos urbanos en los barrios postindustriales de Barcelona, incluyendo El Poblenou, Sant Andreu, Sant Just Desvern y Cal Rosal (Berga). A través de un proceso de abstracción y metamorfosis, Emily ha traducido las características arquitectónicas encontradas en estos lugares en su obra escultórica, reflejando un sentido de lugar siempre cambiante.

La exposición es el resultado de un premio de intercambio internacional entre GlogauAIR Berlín & La Escocesa Barcelona, concedido por La Memoria Artística Chema Alvargonzalez y otorgado a Emily en 2019. Debido al COVID-19, el proyecto ha cumplido con su título al estar en el Melting Pot durante varios años. Mientras tanto, Emily ha realizado otras residencias en Konvent (Berga) y Homesession, para desarrollar su investigación, y finalmente realizar y presentar el proyecto.

Emily Thomas (1996, Reino Unido) es una artista visual emergente y una artesana de la madera afincada en Berlín. Desde que se graduó en el Chelsea College of Arts de Londres (2018), ha llevado a cabo proyectos en lugares notables como el Soulangh Cultural Park de Taiwán y la Oxo Tower de Londres. Ha recibido el apoyo del Arts Council England y de la Fundación Cultural Europea y ha sido recientemente nominada para el European Artist Award y el International André Evard Award.

www.ethomasart.com

Proyecto en colaboración: GlogauAIR- Berlín, La Escocesa-Barcelona, La Memoria Artística Chema Alvargonzalez

ENG

Vernissage: 17/12/2021 18:00 – 21:00

Open for visitation: 18/12 17:00 – 20:00, & 19/12 – 21/12 by appointment emilythomasartist@gmail.com

In her solo exhibition In the Melting Pot, Emily Thomas consolidates her research of creative factories & urban developments in post-industrial neighbourhoods within Barcelona, including El Poblenou, Sant Andreu, Sant Just Desvern & Cal Rosal (Berga). Through a process of abstraction & metamorphosis, Emily has translated architectural characteristics found in these places into her sculptural work, reflecting an ever-changing sense of place.

The exhibition is a result of an international exchange prize between GlogauAIR Berlin & La Escocesa Barcelona, granted by La Memoria Artística Chema Alvargonzalez & awarded to Emily in 2019. Due to COVID-19, the project has fulfilled its title by being In the Melting Pot for a number of years. Meanwhile, Emily has carried out further residencies at Konvent (Berga) & Homesession, to develop her research, & finally realise & present the project.

Emily Thomas (b. 1996, UK) is an emerging visual artist & woodworker based in Berlin. Since graduating from Chelsea College of Arts London (2018), she has carried out projects at notable venues including Soulangh Cultural Park Taiwan & the Oxo Tower London. She has been supported by the Arts Council England & the European Cultural Foundation & has recently been nominated for the European Artist Award, & International André Evard Award.

www.ethomasart.com

With the collaboration of: GlogauAIR- Berlín, La Escocesa-Barcelona, La Memoria Artística Chema Alvargonzalez

Aldo Urbano , exposición en Palau Güell

Aldo Urbano, artista ganador de la Beca Arts Visuals 2020 otorgada por la Fundación Güell con la colaboración de Homesession, presenta su obra en la sala Carboneria del Palau Güell de Barcelona.

Aldo Urbano, ganador de la beca arts visuals 2020

La exposición está abierta desde el 26 de noviembre 2021 hasta el 23 de enero 2022.

+ info: Nuvol entrevista a los becados Güell

Pedro Torres /exposición en Art3, Francia

Pedro Torres: Un trou dans le main

Exposición 25.11 > 17.12.2021

Art3, Valence, Francia

*Proyecto en el marco del intercambio de residencias entre Art3 y Homesession, con el apoyo de la Région Auvergne-Rhône-Alpes y el Institut Ramon Llull.

Un trou dans la main /Pedro Torres

¿Cómo captar la realidad? ¿Cómo podemos sentir literalmente lo que es real en nuestras manos? ¿Cómo podemos ver las transformaciones de la materia a lo largo del tiempo? ¿Durante largos períodos de tiempo? Un trou dans la main es una instalación que reúne varias materialidades –y sus temporalidades– en una especie de conglomerado. Partiendo de la idea de agujero negro, esa singularidad gravitacional que atrapa la materia, la instalación se concentra en el centro de la sala, atrayendo al público a descubrir cada elemento, sus historias y sus relación con los demás. Le interesa al artista pensar en las tensiones entre ellos y, sobre todo, en sus líneas de tiempo, su devenir, en cómo coinciden y conviven en este breve momento, pero que van mucho más allá del aquí-ahora, tanto hacia el pasado como hacia el futuro. Objetos y materialidades presentes en otras instalaciones vuelven a aparecer, en otro orden de configuración, en otro tiempo de aparición. Una pumita, una piedra obsidiana, una pantalla de móvil o una memoria interna de un ordenador se unen en una posible línea de interpretación, que enlaza el tiempo de los volcanes (y las erupciones para formar piedras vítreas) a nuestro primer reflejo en superficies pulidas, que perdura hasta hoy, y una cierta pérdida de memoria, teniendo la capacidad de guardarlo todo. En el centro de ese agujero negro de la instalación, un vídeo capta la mirada por el movimiento constante de unas manos que gesticulan sin parar. Un intento de explicar alguna cosa. De tocar para señalar la existencia de la realidad, hacerla visible. Aparecen varias imágenes que se funden entre ellas y con esa mano: la primera fotografía a color, los Pilares de la Creación captados por el telescopio Hubble, unas flores que se marchitan, gráficos científicos, una representación de la fluctuación cuántica, un cristal líquido, la primera imagen real de un agujero negro (tomada por científicos en 2019) y la primera imagen simulada de un agujero negro (realizada por el científico francés Jean-Pierre Luminet en 1979). De la efímera vida de una flor a tiempos cósmicos inconmensurables, pasando por nuestra existencia humana, que procura dar sentido a todo aquello que se nos atraviesa. Nuestro tiempo es breve. Y por tal experiencia temporal vemos las cosas como fijas, en estados separados de materia. Sin embargo, todo fluye. Todo es finito, pero inmerso en un flujo infinito de transformación. Es solo una cuestión de tiempo.

https://pedrotorres.net/