Horario : 18/12 17:00 – 20:00, y del 19 al 21 diciembre solo con reserva previa : emilythomasartist@gmail.com
En su exposición individual In the Melting Pot, Emily Thomas consolida su investigación sobre las fábricas creativas y los desarrollos urbanos en los barrios postindustriales de Barcelona, incluyendo El Poblenou, Sant Andreu, Sant Just Desvern y Cal Rosal (Berga). A través de un proceso de abstracción y metamorfosis, Emily ha traducido las características arquitectónicas encontradas en estos lugares en su obra escultórica, reflejando un sentido de lugar siempre cambiante.
La exposición es el
resultado de un premio de intercambio internacional entre GlogauAIR Berlín
& La Escocesa Barcelona, concedido por La Memoria Artística Chema
Alvargonzalez y otorgado a Emily en 2019. Debido al COVID-19, el proyecto ha
cumplido con su título al estar en el Melting Pot durante varios años.
Mientras tanto, Emily ha realizado otras residencias en Konvent (Berga) y
Homesession, para desarrollar su investigación, y finalmente realizar y
presentar el proyecto.
Emily Thomas (1996, Reino Unido) es una artista visual
emergente y una artesana de la madera afincada en Berlín. Desde que se graduó
en el Chelsea College of Arts de Londres (2018), ha llevado a cabo proyectos en
lugares notables como el Soulangh Cultural Park de Taiwán y la Oxo Tower de
Londres. Ha recibido el apoyo del Arts Council England y de la Fundación Cultural
Europea y ha sido recientemente nominada para el European Artist Award y el
International André Evard Award.
In her solo exhibition In the Melting Pot, Emily Thomas consolidates her research of creative factories & urban developments in post-industrial neighbourhoods within Barcelona, including El Poblenou, Sant Andreu, Sant Just Desvern & Cal Rosal (Berga). Through a process of abstraction & metamorphosis, Emily has translated architectural characteristics found in these places into her sculptural work, reflecting an ever-changing sense of place.
The exhibition is a result of an
international exchange prize between GlogauAIR Berlin & La Escocesa
Barcelona, granted by La Memoria Artística Chema Alvargonzalez & awarded to
Emily in 2019. Due to COVID-19, the project has fulfilled its title by being In the Melting Pot for a number of
years. Meanwhile, Emily has carried out further residencies at Konvent (Berga)
& Homesession, to develop her research, & finally realise & present
the project.
Emily Thomas (b. 1996, UK) is an emerging visual artist & woodworker based in Berlin. Since graduating from Chelsea College of Arts London (2018), she has carried out projects at notable venues including Soulangh Cultural Park Taiwan & the Oxo Tower London. She has been supported by the Arts Council England & the European Cultural Foundation & has recently been nominated for the European Artist Award, & International André Evard Award.
Aldo Urbano, artista ganador de la Beca Arts Visuals 2020 otorgada por la Fundación Güell con la colaboración de Homesession, presenta su obra en la sala Carboneria del Palau Güell de Barcelona.
Aldo Urbano, ganador de la beca arts visuals 2020
La exposición está abierta desde el 26 de noviembre 2021 hasta el 23 de enero 2022.
*Proyecto en el marco del intercambio de residencias entre Art3 y Homesession, con el apoyo de la Région Auvergne-Rhône-Alpes y el Institut Ramon Llull.
Un trou dans la main/Pedro Torres
¿Cómo captar la realidad? ¿Cómo podemos sentir literalmente lo que es real en nuestras manos? ¿Cómo podemos ver las transformaciones de la materia a lo largo del tiempo? ¿Durante largos períodos de tiempo? Un trou dans la main es una instalación que reúne varias materialidades –y sus temporalidades– en una especie de conglomerado. Partiendo de la idea de agujero negro, esa singularidad gravitacional que atrapa la materia, la instalación se concentra en el centro de la sala, atrayendo al público a descubrir cada elemento, sus historias y sus relación con los demás. Le interesa al artista pensar en las tensiones entre ellos y, sobre todo, en sus líneas de tiempo, su devenir, en cómo coinciden y conviven en este breve momento, pero que van mucho más allá del aquí-ahora, tanto hacia el pasado como hacia el futuro. Objetos y materialidades presentes en otras instalaciones vuelven a aparecer, en otro orden de configuración, en otro tiempo de aparición. Una pumita, una piedra obsidiana, una pantalla de móvil o una memoria interna de un ordenador se unen en una posible línea de interpretación, que enlaza el tiempo de los volcanes (y las erupciones para formar piedras vítreas) a nuestro primer reflejo en superficies pulidas, que perdura hasta hoy, y una cierta pérdida de memoria, teniendo la capacidad de guardarlo todo. En el centro de ese agujero negro de la instalación, un vídeo capta la mirada por el movimiento constante de unas manos que gesticulan sin parar. Un intento de explicar alguna cosa. De tocar para señalar la existencia de la realidad, hacerla visible. Aparecen varias imágenes que se funden entre ellas y con esa mano: la primera fotografía a color, los Pilares de la Creación captados por el telescopio Hubble, unas flores que se marchitan, gráficos científicos, una representación de la fluctuación cuántica, un cristal líquido, la primera imagen real de un agujero negro (tomada por científicos en 2019) y la primera imagen simulada de un agujero negro (realizada por el científico francés Jean-Pierre Luminet en 1979). De la efímera vida de una flor a tiempos cósmicos inconmensurables, pasando por nuestra existencia humana, que procura dar sentido a todo aquello que se nos atraviesa. Nuestro tiempo es breve. Y por tal experiencia temporal vemos las cosas como fijas, en estados separados de materia. Sin embargo, todo fluye. Todo es finito, pero inmerso en un flujo infinito de transformación. Es solo una cuestión de tiempo.
La fotógrafa Anaëlle Vanel presenta el proyecto realizado durante su residencia de dos meses en Homesession: Sol in leone, centrado en la figura de Gerda Taro. A través de ella y de sus fotografías se evoca la Batalla de Brunete (julio 1937), los lugares, las huellas y el recuerdo de este episodio de la Guerra Civil española en el que murió.
El conjunto es una edición (100 ejemplares, risografía) compuesta por un montaje de fotografías tomadas en Brunete y Villanueva de la Cañada (Madrid), Barcelona y París, documentos y textos.
ANAËLLE VANEL (Mende, France, 1991) Vive y trabaja en Lapeyrouse (FR). Graduada en Ensba Lyon en 2014, Anaëlle Vanel trabaja principalmente con fotografía y texto. Considerada
como un acto, cada fotografía es el resultado de una sedimentación de
experiencias e historias. El objetivo es preservar el misterio inicial
del encuentro, no dañar el objeto fotografiado. Lo que se destaca no es
la destrucción; el objeto no se exhibe. El texto ancla la fotografía en
la duración de una narración, en un antes y un después. La historia y el
mito son las capas sucesivas de un mismo palimpsesto. No hay serie, ni
centro, ni principio ni fin. Cada conjunto se fija en el momento de la
exposición. Así es como las imágenes se vuelven porosas, como surge la
narrativa. Su obra ha sido expuesta en Francia y en el extranjero en
exposiciones colectivas (Villa Medicis, Roma; Centre de la
Photographie, Ginebra; Kunsthalle der Sparkasse, Leipzig; Galerie
Michèle Didier, París) y en exposiciones individuales Mac, Pérouges,
Galeries nomades, IAC Villeurbanne; Museo de Historia Natural,
Florencia. Su última exposición individual “Mais, dit-on, il y a des
obscurités” tuvo lugar en 2021 en el marco de “La fabrique du nous” en
el IAC. Sus obras también están presentes en las colecciones del CNAP,
el IAC y el Museo del Gévaudan.
Residencia en colaboración con Art3 (Valence, Francia)
La arqueología como práctica obra una fisura extraña en la concepción lineal de la temporalidad de los hechos. Puede suceder que unos hipotéticos restos arqueológicos aparezcan en una realidad material del presente, afectando al futuro de este lugar, a la vez que reescriben su pasado. Podría pasar que aquello que se ha encontrado reescribe una historia que no querríamos vivir?
La actual transformación vertiginosa de la calle Pedro IV, donde se prevén varios hoteles de lujo y bloques de oficinas, alimenta unas proyecciones fatídicas entorno el futuro de La Escocesa. Que pasaría si fueran descubiertas sus ruinas años más tarde de ser soterrada por la actividad urbanística del 22@?
Joana Capella Buendia (Barcelona, 1990). Centrada principalmente en las cuestiones que rodean la producción artística y sus posibilidades de existencia. A través de la performance, la acción y la producción material, explora su relación con el contexto artístico y en como su cuerpo se relaciona con lo otro y lo performa. Actualmente es residente de La Escocesa, desde donde despliega su práctica entre la producción y la investigación. Ha realizado proyectos al marco de varias instituciones como Idensitat, Centro Huarte, Sala de Arte Joven, La Panera, Estruch, La Escocesa, Casa Tres Patios, entre otros. También ha desarrollado proyectos de comisariado en la periferia de la institución, como Fer foc Aprop. Más info a: joanacapellabuendia.hotglue.me
Proyecto realizado en colaboración La Escocesa
_ENG_
BARCELONA PRÓXIMAMENTE / Joana Capella Buendia
Exhibition 9-10 / September 2021 opening hours:
9 September 18-21h 10 September 17-20h
Archaeology as a practice creates a strange fissure in the linear conception of the temporality of events. It can happen that hypothetical archaeological remains appear in a material reality of the present, affecting the future of this place, at the same time as they rewrite its past. Could it happen that what has been found rewrites a history that we would not want to live?
The current dizzying transformation of Calle Pedro IV, where several luxury hotels and office blocks are planned, feeds fateful projections for the future of La Escocesa. What would happen if its ruins were discovered years after it had been buried by the urban development activity of 22@?
Joana Capella Buendia (Barcelona, 1990). Focuses mainly on the questions surrounding artistic production and its possibilities of existence. Through performance, action and material production, she explores her relationship with the artistic context and how her body relates to the other and performs it. She is currently a resident of La Escocesa, from where she deploys her practice between production and research. She has carried out projects within the framework of various institutions such as Idensitat, Centro Huarte, Sala de Arte Joven, La Panera, Estruch, La Escocesa, Casa Tres Patios, among others. He has also developed curatorial projects on the periphery of the institution, such as Fer foc Aprop. More info at: joanacapellabuendia.hotglue.me
Project carried out in collaboration with La Escocesa
Exposición:1st round in Barcelona – A streetcar named Desire
Sabado 19 de junio de 18 a 21h
1st round in Barcelona – A streetcar named Desire: ambos proyectos han sido creados en Barcelona, durante la residencia de Stefan Lukić en Homesession, enmarcada en el programa Exchange. Los dos proyectos están relacionados con la práctica e investigación actual del artista, sobre la relación entre arte, espacio público y fisicalidad: durante los dos últimos años, el artista ha desarrollado un cuerpo de obras performativas, que utilizan el acto de correr como metodología de investigación artística, para desafiar su propia práctica centrada en la pintura y el dibujo, a través de intervenciones en vivo en el espacio público.
1st round in Barcelona
13.6.2021.
Organizada en una pista
de atletismo, 1st round in Barcelona es el primer dibujo-evento de una
serie de 4 performances, que tendrán lugar en los próximos veinte días y
finalizarán el 5 de julio en Belgrado, explorando la repetición de eventos de
diseños idénticos en momentos y lugares diferentes.
A streetcar named Desire 10.6.2021.
A streetcar called desire es un dibujo-evento y
una intervención performativa en un espacio público, centrados en las nociones
de deseo y realización, que utilizan el accidente de tranvía más famoso de
Barcelona, el que involucró a Antoni Gaudí, como pretexto para explorar la
relación entre deseo y riesgo.
Los dos proyectos,
basados en la apropiación de obras artísticas reconocibles así como de las
reglas y cultural visual del deporte, serán presentados en Homesession a través
de una serie de registros materiales concebidos como un archivo en proceso.
Stefan Lukić es un artista visual y performer serbio. Su trabajo moviliza el dibujo, la pintura, la fotografía, el vídeo, la instalación, la intervención en espacios públicos y la performance. Se graduó en la Facultad de Artes Aplicadas de Belgrado en 2018 (con un año en la Escuela de Bellas Artes de París) y está actualmente cursando el Máster de Artes Aplicadas en Belgrado. Habiendo recibido el Premio de Pintura en su Facultad en 2016, mostró su trabajo en varias exposiciones individuales, entre ellas: “Interspace” en U10 Art Space, “YUGOostalgia” en el Teatro Nacional de Užice, “Obverse y Reverse” en el Museo Nacional de Kragujevac. Ha participado en exposiciones colectivas en París, Belgrado, Novi Sad, Nis y Kragujevac, entre otros lugares. Actualmente, vive y trabaja en Belgrado.
Proyecto en colaboración con Belgrade AIR (Serbia)
___ENG__
1st round in Barcelona – A streetcar named Desire
Both projects were created in Barcelona,
during Stefan Lukić’s residency at Homesession in the framework of our Exchange
program. The projects are related to the artist’s current artistic practice and
research on the relation between art, public space and physicality: during the
two last years, the artist has developed a body of performance works using
running as an artistic research methodology, to challenge his own practice,
centered on painting and drawing, through live interventions in public spaces.
1st round in Barcelona 13.6.2021.
Organized on an athletic track, 1st round in Barcelona is the first
drawing-event of a series of 4 performances. Those performance will take place
in the next twenty days, and will end on July 5th in Belgrade, exploring the
repetition of equally designed events in different times and places.
A streetcar named Desire 10.6.2021.
A streetcar named Desire is a drawing-event and a performative
intervention in a public space, focusing on the notions of wishes and
accomplishment, using Barcelona’s most famous streetcar accident, which
involved Antoni Gaudi, as a pretext to explore its relation to the notion of risk.
The two projects, based on the appropriation
of recognizable artistic works as well as sport’s rules and visual culture,
will be presented at Homesession through a series of documentation conceived as
an ongoing archive.
Stefan Lukić is a Serbian visual and performance artist who, using the mediums of drawing, painting, photography, video, installation, interventions in public space and performance. He graduated from the Faculty of Applied Arts in Belgrade in 2018 (with one year at Paris’ Fine Arts University), and is currently attending a Master’s degree in Applied Arts in Belgrad. Having won the Award of Painting at his Faculty in 2016, he has had several solo exhibitions, including: “Interspace” at U10 Art Space, “YUGOostalgia” at the Užice National Theater, “Obverse and Reverse” at the National Museum in Kragujevac. He has also exhibited in group shows in Paris, Belgrade, Novi Sad, Niš and Kragujevac amongst others. He currently lives and works in Belgrade.
“Hay una red inmensa, un océano de posibilidades” es un proyecto que se idea a partir de la apropiación de subtítulos de películas de ciencia ficción de distintas épocas. Los subtítulos decontextualizados y su tergiversación permiten a la artista generar un relato atravesado por la teoría crip-queer y su posicionamiento político como persona sorda. Se especula así sobre otras realidades, cuerpos e imaginarios que permiten desviar la atención sobre las normas imperantes. Se experimenta con la idea de lo que es o no es humano y las consecuencias de esta concepción, partiendo de la premisa de que en una sociedad capacitista como la que vivimos el cuerpo asignado como discapacitado no se lee como un cuerpo humano completo. La propuesta toma forma como un espacio inmersivo donde subtítulos, voces inteligibles y prótesis que rompen el cuerpo se entremezclan, creando un entorno de ciencia ficción donde lo órganico y lo biónico se funde, y las nociones binarias de capacidad y de discapacidad, presentadas como ficciones políticas, se diluyen.
La instalación propuesta para Homesession es una colaboración con Natalia García y Roger Serret i Ricou.
La música es de Carles Esteban, con su proyecto Astroonom.
Helena Vinent (Barcelona, 1988) ha expuesto su obra en distintos espacios, como La Casa Encendida (Madrid), Mécènes du Sud (Montpellier), el Museu de la Música (Barcelona), la Galería Fran Reus (Mallorca), el espacio Storm and Drunk (Madrid), el Festival Embarrat (Tàrrega), el Loop Festival (Barcelona), la Fabra i Coats (Barcelona), o el Arts Santa Mònica (Barcelona). Ha sido artista residente en Fabra i Coats, en Hangar i en La Escocesa y ha ganado el Premio de Creación de Sala d’Art Jove, la Beca de Creación Guasch Coranty, la Beca de Producción de Hangar, la Beca de Producción de Baumanlab, la Beca Creació i Museus del ICUB, la Beca Generaciones de la Fundación Montemadrid y la Beca para la Investigación y la innovación en el ámbito de las Artes Visuales de la Generalitat de Catalunya.
Proyecto realizado gracias a la Beca Arts Visuals de la Fundació Güell.
Esto no es un paisaje. Episodio II: Real Expediciòn Botànica
Daniel De La Barra
8 – 10 de enero 2021
Horario:
viernes 8 y sabado 9 de 17-20h
domingo 10 de 12 a 15h
Esta segunda etapa del proyecto ESTO NO ES UN PAISAJE se plantea como una reconstrucción a la narrativa del paisaje desde su representación pictórica que sostiene y perpetúa lógicas y prácticas extractivas a través de la imagen.
Por medio de una reedición de los catálogos ilustrados de las Expediciones Botánicas y lapintura de los artistas viajeros en América Latina entre los siglos XVII y XIX, se establece una revisión de los conflictos sociales y ambientales actuales derivados del extractivismo.
Daniel De La Barra (Lima, Perú.1992) se mueve entre la pintura, la instalación y la intervención pública, centrando su trabajo en la re-construcción de narrativas en las sociedades dentro de la homogeneización del paisaje público y la imposición jerárquica de poderes de dominación en el marco del capitalismo colonial. Comienza sus estudios en 2012 la Escuela de Arte Contemporáneo Corriente Alterna (Lima,Perú) hasta 2014 que se traslada a Madrid a continuar sus estudios de pintura.
Ha realizado residencias artísticas en La Escocesa Fabrica de creaciò, Piramidon Centre d’art Contemporani, Homesession y The Nerdrum School (Suecia). Desarrolla varios proyectos expositivos e intervenciones como “Pròxima Obertura” en el Castillo de Montjuic , “Esc-Out” en Fabra i Coats Centre de Arte Contemporani, “Consideraciones de la Civdad Moderna” en la Sala d’Art Jove y en Lo Pati dentro de la Bienal de Amposta, “Paisajes Deseados “ en Arts Santa Mónica, “Subversió: Habitando Ruinas” en El centro de la Memoria El Born CCM o “Invation 30230” en el Museo Central de Lima. En 2018 y 2019 ha recibido la Beca de Investigación y experimentación de La Escocesa, el Premio de Arte Joven de Cataluña 2019 (Sala d’Art Jove) y en 2021 para desarrollar su proyecto “Real Expedición Botánica” en colaboración con La Panera de Lleida y Lo Pati.
CRISIS OF NOW – Proyecto de Taiwán: Exposición de Fotografía Asiática Contemporánea III (crisis de ahora) es una serie de exposiciones inéditas de fotografía asiática contemporánea que analiza la cultura y la práctica artística del arte contemporáneo desde la perspectiva de los creadores asiáticos.
Wei-Li Yeh Three places for Marguerite Duras, 2003.
Crisis of Now. Part III se estrena en Barcelona y reúne la obra de Wei-li Yeh, Liu Ho-Jang y Ting-Ting Cheng.
Crisis of Now. – CONTEMPORARY ASIAN PHOTOGRAPHY- Part III podrá verse en Barcelona, del 26 de octubre al 2 de noviembre de 2020. Está exposición inédita está comisariada por Chun-chi Wang y organizada por Idolon Studio, Idolon Lab,Homesession y la Oficina Económica y Cultural de Taipéi en España, cuenta con el apoyo del Ministerio de Cultura de Taiwán y el Buró de Asuntos Culturales del Gobierno de la Ciudad de Taipéi y la colaboración de Espronceda – Institute of Art & Culture.
Part I viajó en 2018 por diferentes ciudades de Alemania, donde se pudieron ver proyectos de Yao Jui-Chung, Yang Che-Yi y Yunyi Liu; y Part II se mostró en 2019 en Estados Unidos, con fotografías de Hou Lulu Shur-Tzy, Ting Chaong-Wen y I-Hsuen Chen. La serie Crisis of Now está comisarida por Chun-chi Wang, una comisaria taiwanesa afincada en Berlín. Su trabajo está centrado en la relación entre los seres humanos y la tecnología, y revela el exceso de mecanización y virtualización del mundo actual, donde la velocidad y el control juegan un papel crucial.
Crisis of Now. Part III reúne en Barcelona 45 obras, algunas de gran formato, que narran experiencias e historias de vida específicas, a la vez que permiten construir relaciones entre contextos históricos dispares desde diversas perspectivas. Algunas de las series muestran diferentes ubicaciones geográficas de manera sincrónica, mientras que otras se concentran en un mismo emplazamiento en diferentes momentos temporales. Las vivencias personales y la conciencia colectiva están ligadas a múltiples trayectorias históricas donde las vicisitudes políticas y sociales juegan un papel importante. La exposición reúne la obra de Wei-Li Yeh, Liu Ho-Jang y Ting-Ting Cheng.
ACERCA DE LA COMISARIA Chun-chi Wang. Nacida en Taipéi, vive en Berlín. donde trabaja como comisaria de arte y editora independiente. Se posgraduó en la New York University Tisch School of the Arts tras haber cursado el grado en el Instituto Pratt (EEUU).En 2011 colaboró con la red internacional de comisarios SYNAPSE, en el Haus der Kulturen der Welt (Casa de las Culturas del Mundo) de Berlín. En 2012 ejerció de comisaria adjunta del comisario alemán Anselm Franke en la Bienal de Taipéi, Modern Monsters / Death and Life of Fiction. A lo largo de los años, Wang ha comisariado muestras de arte contemporáneo en Berlín, Nueva York y Taipéi, entre otros lugares, con el objetivo de promover el arte de Taiwán en el extranjero. Su tema principal de investigación es la esfera pública y el arte, concretamente «la relación creativa de la intervención del arte en la esfera de lo público». Con el objetivo de estudiar el valor sociocultural del arte, entrevista a académicos, artistas y comisarios. Entre las exposiciones que ha comisariado destacan: No One River Flows (Kuandu Museum of Fine Arts (Taiwán), 2013), Urban Synesthesia (Kaohsiung Museum of Fine Arts (Taiwán), 2015), Hieroglyphic Memory: Surveying Bangka Through Narrative Trace (Bopiliao Historic Block Taipei, 2016), Crisis of Now: Contemporary Asian Photograph (Berlín, 2018; Nueva Orleans, 2019; Barcelona, 2020), Installation and Performance (Weimar E-Werk, 2019; Bauhaus-Museum, 2020; Goethepark Weimar, 2021). Uno de los proyectos de estudio de campo que ha organizado es Off-Site Project, que se ha llevado a cabo en Latinoamérica (Colombia, 2017; Perú, 2018; Argentina, 2019) y en Asia Oriental (Turquía, 2017; Líbano, 2021). Es la fundadora de IDOLONSTUDIO (Unión de Artistas Asiáticos Europeos), una organización interdisciplinaria sin fines de lucro que ofrece a los artistas innovadores que trabajan en los medios de comunicación, la literatura y las artes escénicas oportunidades de exposición y actuación para crear y presentar nuevas obras.
ACERCA DE LOS ARTISTAS DE CRISIS
OF NOW. PART III
Wei-Li Yeh nació en Taipei (Taiwán) en 1971 y emigró a los 11 años a EEUU con su
familia. Durante su adolescencia, en Tampa (Florida), se fascinó por la música heavy
metal y el rock’n’roll. Estudió fotografía en la University of South
Florida (1994) y en el Rhode Island School of Design (1997). Tras una visita en
1996 a Taiwán (la primera desde su emigración a EEUU), se sintió atraído por
los temas de desplazamiento, asimilación, identidad cultural y políticas
raciales. Yeh se trasladó entonces a Nueva York, mostrando su obra en la
Columbia University, el Bronx Museum of Art y el International Center of
Photography. En 2002 decidió regresar a Taiwán, convirtiéndose en un artista y
comisario muy activo. Su trabajo se exhibe o colecciona en todo el mundo, y sus
proyectos fotográficos o textuales exploran las dinámicas del ser humano como
individuo en relación con las prácticas colectivas. Actualmente vive y trabaja
en Yangmei (Taiwán).
Ting-Ting Cheng nació en 1985 en Taipei. Se graduó en Publicidad y Relaciones Públicas en la Fu-Jen University y se mudó a Londres, donde estudió fotografía en la University of Westminister (2009) y se graduó en Bellas Artes en el Goldsmiths College (2014). Su obra se ha espuesto en exposiciones individuales organizadas en el Taipei Fine Art Museum, la Grand Siècle Gallery (Taiwán), la Identity Art Gallery (Hong Kong), Gallery Nomart (Osaka, Japón), Addaya Palma y Galería Luis Adelantado, en España. También ha participado en exposiciones colectivas en ARCO Madrid, la Bi.City Biennale of Urbanism-Architecture de Shenzhen (República Popular China), III Moscow International Biennale for Youg Art, KuanDu Museum (Taipei), National Taiwan Museum of Fine Arts, National Art Museum of China (Beijing), Art 14 (Londres) y Art Stage Singapore, entre otros. En 2012 fue seleccionada entre los 40 artistas más relevantes de Asia por la Perspective Magazine de Hong Kong.
Liu Ho-Jang nació en 1972 en Taipei (Taiwán). Se graduó en 2002 en el Creative
Institute del Queen’s College de la City University of New York. Su trabajo reflexiona acerca de la identidad
fotográfica en el contexto de la sociedad contemporánea. En 2011, su obra se
publicó en Aster Magazine. Entre sus exposiciones destacan Sculpture Games,
Fields, en la Tapei University of Arts (2019); Super Daily, en la
Taipei Biennal (2018); Wuzhong Accounting Painting-Reality Virtual, en
el Taipei Fine Arts Museum (2017); Key Meditation, en la Asian Biennale
(2017); Public Spirit, en el Ujazdowski Castle – Centre for Contemporary
Art, en Varsovia (2016); City Charm, en el Kaohsiung Museum of Fine
Arts, en Taiwán (2015); y New York, en la Queens Internacional Biennale,
organizada por el Queens Museum de Nueva York (2013). El fotógrafo vive y
trabaja en Taipei y Tainan y es profesor a tiempo completo en el Institute of
Plastic Arts de la Tainan University of Fine Arts.
ACERCA DE ESPRONCEDA – INSTITUTE OF ART & CULTURE
Espronceda– fundado en 2013 en Barcelona – es un proyecto de arte innovador y contemporáneo, ofrece una plataforma internacional y un entorno multidisciplinario para artistas, comisarios y todos los que creen en la importancia del arte, la cultura y la educación para lograr una mayor creatividad y un mundo mejor. Espronceda fomenta artistas internacionales establecidos y aspirantes a desarrollar su trabajo y creatividad, y a difundir su inspiración más allá de su estancia física en el espacio.
CRISIS OF NOW – Proyecto de Taiwán: CONTEMPORARY ASIAN PHOTOGRAPHY PART 3
Del 26 de octubre al 2 de noviembre de 2020
Comisaria: CHUN-CHI WANG
Artistas: WEI-LI YEH LIU HO-JANG CHENG TING-TING
Organiza: IDOLON STUDIO (Union of European Asian Artists), IDOLON LAB
Co-organizadores: HOMESESSION, CULTURAL DIVISION OF THE TAIPEI ECONOMIC AND CULTURAL OFFICE IN SPAIN
Partners oficiales: MINISTRY OF CULTURE OF TAIWAN, DEPARTMENT OF CULTURAL AFFAIRS, TAIPEI CITY GOVERNMENT
Colaboración: ESPRONCEDA – INSTITUTE OF ART AND CULTURE
Is a series of unpublished photography exhibition that analyzes the culture and artistic practice of contemporary art from the perspective of Asian creators. Crisis of Now. Part III premieres in Barcelona and brings together the work of Wei-li Yeh, Liu Ho-Jang and Ting-Ting Chen. Part I traveled in 2018 to different cities in Germany, where you could see projects Yao Jui-Chung, Yang Che-Yi and Yunyi Liu; and Part II was shown in 2019 in the United States, with photographs by Hou Lulu Shur-Tzy, Ting Chaong-Wen and I-Hsuen Chen. The Crisis of Now series is curated by Chun-Chi Wang, a Taiwanese curator based in Berlin. Your job is focused on the relationship between humans and technology, and reveals the excess of mechanization and virtualization of today’s world, where speed and control play a role crucial.
Crisis of Now. Part III brings together 45 works in Barcelona, some
in a large format, that narrate specific experiences and life stories,
while allowing the building of relationships between disparate
historical contexts from different perspectives. Some of the series show
different geographic locations synchronously, while others focus on the
same location at different times. Personal experiences and collective
consciousness are linked to multiple historical trajectories where
political and social vicissitudes play an important role. The exhibition
brings together the work of Wei-Li Yeh, Liu Ho-Jang and Ting-Ting Chen.
The Artists
Wei-Li Yeh was born in Taipei (Taiwan) in 1971 and
emigrated to the United States at the age of 11 with his family. During
his adolescence, in Tampa (Florida), he became fascinated by heavy metal
music and the rock’n’roll. He studied photography at the University of
South Florida (1994) and in Rhode Island School of Design (1997).
Following a 1996 visit to Taiwan (his first since emigration to USA),
was drawn to the themes of displacement, assimilation, cultural identity
and racial politics. Yeh then moved to New York, showing his work at
Columbia University, the Bronx Museum of Art and the International
Center of Photography. In 2002 he decided return to Taiwan, becoming a
very active artist and curator. His work is exhibited o collects around
the world, and his photographic or textual projects explore the dynamics
of the human being as an individual in relation to collective
practices. Currently lives and works in Yangmei (Taiwan).
Ting-Ting Chen was born in 1985 in Taipei. She
graduated in Advertising and Public Relations at the Fu-Jen University
and moved to London where she studied photography at the University of
Westminister (2009) and graduated in Fine Arts from Goldsmiths College
(2014). Her work is has exhibited in solo exhibitions organized at the
Taipei Fine Art Museum, the Grand Siècle Gallery (Taiwan), Identity Art
Gallery (Hong Kong), Gallery Nomart (Osaka, Japan), Addaya Palma and
Luis Adelantado Gallery, in Spain. She has also participated in
exhibitions. Collectives at ARCO Madrid, the Bi.City Biennale of
Urbanism-Architecture in Shenzhen (People’s Republic of China), III
Moscow International Biennale for Youg Art, KuanDu Museum (Taipei),
National Taiwan Museum of Fine Arts, National Art Museum of China
(Beijing), Art 14 (London) and Art Stage Singapore, among others. In
2012 she was selected among the 40 artists Asia’s most relevant
publications by Hong Kong’s Perspective Magazine.
Liu Ho-Jang was born in 1972 in Taipei (Taiwan). He graduated in 2002 from the Creative Institute of the Queen’s College of the City University of New York. His work reflects on identity photographic in the context of contemporary society. In 2011, his work was published in Aster. Magazine. His exhibitions include Sculpture Games, Fields, at the Tapei University of. Arts (2019); Super Daily, at the Taipei Biennial (2018); Wuzhong Accounting Painting-Reality Virtual, at the Taipei Fine Arts Museum (2017); Key Meditation, at the Asian Biennale (2017); Public Spirit, at the Ujazdowski Castle – Center for Contemporary Art, in Warsaw (2016); City Charm, at the Kaohsiung Museum of Fine Arts, in Taiwan (2015); and New York, in Queens International Biennale, organized by the Queens Museum in New York (2013). The photographer lives and works in Taipei and Tainan and is a full-time professor at the Institute of Plastic Arts from the Tainan University of Fine Arts.
Curator: CHUN-CHI WANG
Artists: WEI-LI YEH LIU HO-JANG CHENG TING-TING
Organize: IDOLON STUDIO (Union of European Asian Artists), IDOLON LAB
Co-organizers: HOMESESSION, CULTURAL DIVISION OF THE TAIPEI ECONOMIC AND CULTURAL OFFICE IN SPAIN
Official Partners: MINISTRY OF CULTURE OF TAIWAN, DEPARTMENT OF CULTURAL AFFAIRS, TAIPEI CITY GOVERNMENT
Collaboration: ESPRONCEDA – INSTITUTE OF ART AND CULTURE
Exposición > 26 de abril al 08 de junio de 2019
de jueves a sábado de 16h-20h
Inauguración > jueves 25 de abril a las 19h
Homesession c/ Creu dels Molers, 15, Barcelona
Nos complace presentar la exposición Irina Ionesco,fruto de la colaboración con esta gran figura de la fotografía. La muestra estará formada por una selección ideada por la propia fotógrafa, junto con Olivier Collet & Isabelle Dodat, comisarios de la muestra.
Podremos ver ediciones originales de series icónicas de la artista, incluyendo retratos de Fafa, su modelo fetiche, de la actriz Sylvia Kristel y también fotografías de moda, modelos para Playboy y modelos masculinos, hasta ahora menos vistos, de las series sobre los Dracula.
Comisariado > Olivier Collet & Isabelle Dodat
Para la ocasión, se ha publicado un catálogo de 40 páginas, firmado por la artista e impreso en 150 copias.
Irina Ionesco(París, 1930) es una fotógrafa francesa de origen rumano, país donde residió hasta 1946, año en que regresa a París. Tras trabajar como bailarina y pintora por toda Europa, en 1964, el pintor Corneille le regaló una cámara Nikon F, con la que descubrió las posibilidades de la fotografía. Pronto empezó a realizar retratos, en blanco y negro, a mujeres que conocía; la mayoría de estas modelos trabajaron asiduamente con Ionesco, por lo que formarán parte del imaginario de la artista e irán apareciendo en sus fotografías a lo largo de los años.
La obra de Irina Ionesco se caracteriza por la puesta en escena de los modelos gracias a decorados y atrezzos que nos trasladan a un universo de palacios orientales de marcado ambiente teatral y onírico, un universo habitado por mujeres que bien podrían ser encarnaciones de heroínas sagradas. Estas figuras, adornadas con joyas, guantes y objetos simbólicos o fetichistas, se muestran en poses provocativas que juegan con su propio estatuto de objeto del deseo.
Ionesco muestra a la vez una sensibilidad extrema a lo que supone el posado desnudo, a la vez revelación y disimulo, y un gran carisma en sus mises en scène: a lo largo de más de cincuenta años de carrera, ha ideado un mundo singular donde el erotismo convive con la muerte, una frágil y peligrosa relación que Ionesco desarrolla en toda su potencia.
La moda, la estética del cine mudo, la precariedad de la existencia y un imaginario marcado por la noción de trascendencia, son los elementos que acompañan al espectador en la propuesta estética y vital de Irina Ionesco.
“La fotografía es para mí un elemento esencialmente poético, lo considero una escritura teatral, donde plasmo todas mis fantasías en un obsesivo e incesante despliegue. Cada sesión, puesta en escena, se concibe como una secuencia teatral, integra a la mujer en un mundo de sueños, donde ella misma es mítica, múltiple, inventada y viste las facetas de los mil espejos en los que se sumerge la artista. Solo concibo el erotismo a través de una dimensión metafísica. Me gusta el exceso, la fantasía, lo inusual. Además, hago mía la frase de Baudelaire “en el arte, lo bello siempre es bizarro”. Irina Ionesco
