Jeanne Varaldi / artist in residency July 2021

Jeanne Varaldi / artist in residency July 2021

Jeanne Varaldi, a visual artist based in Paris, is the artist seleccionated for a 1 month residency during July 2021. She uses construction materials to challenge the urban fabric: pieces of plaster, granite, concrete or wood are collected and reassembled with pigmented cement, straps or coloured ropes. These installations enhance the texture and uneven shapes of urban fragments. The city becomes a playground for experimentation and regeneration. The viewer is confronted with new landscapes, in which construction materials become precious and secret resources. Jeanne Varaldi also creates murals that transform the public space through abstract patterns and pastel colors.

https://www.jeannevaraldi.com/

https://www.jeannevaraldi.com/
26-27 mayo / exposición/ UMWELT: Heather Zehren Albinson, Philipp Huber, Anais Delforge-Mistry

26-27 mayo / exposición/ UMWELT: Heather Zehren Albinson, Philipp Huber, Anais Delforge-Mistry

“Umwelt”

Heather Zehren Albinson, Philipp Huber, Anais Delforge-Mistry

26 de mayo 18-21h

27 de mayo 18-20h

Umwelt, palabra alemana que significa entorno, se refiere en etología al mundo tal y como lo experimenta un organismo concreto. La forma en que un individuo percibe el mundo se debe a un conjunto de factores absolutamente único, incluyendo la constitución física, la memoria y las influencias culturales, y por tanto ningún ser experimenta el mundo exactamente igual que otro. Todos operamos, esencialmente, en nuestros propios pequeños universos. Esta diferenciación tiene amplias implicaciones en la forma en que nos forjamos puntos de vista políticos y filosóficos, en cómo valoramos el arte y en cómo nos comportamos en las relaciones. Pero ¿cómo experimentan el mundo los seres no humanos – como los pulpos, que no tienen un sistema nervioso centralizado pero son increíblemente “inteligentes”? Si el panpsiquismo es correcto y los objetos inanimados experimentan la conciencia, ¿cómo lo hacen?

Heather Zehren Albinson creció en un rancho de caballos en las Montañas Rocosas de Estados Unidos, rodeada de naturaleza. Su práctica artística se basa en su formación en ciencias medioambientales y conservación y en sus continuas investigaciones sobre los patrones intrínsecos que guían el mundo natural. Su curiosidad por la neurobiología y la astrofísica la ha llevado a explorar cuestiones sobre la naturaleza de la materia y la conciencia, sobre la interdependencia universal y la naturaleza compuesta del mundo, y sobre lo que significa ser una planta.

PhIlipp Huber es un artista nacido en Austria que vive actualmente en Barcelona. Con una formación científica y terapéutica, licenciado en Ciencias de la Salud y con un máster en Fisioterapia, sus ideas parten de temas relacionados con la fisicalidad, las teorías de la mente y la participación humana en el entorno. Para conectar sus campos de práctica y dar forma a su discurso, utiliza diversos medios y técnicas artísticas

Anais Delforge-Mistry. Actualmente afincada en Barcelona, Anais es una artista multidisciplinar de Londres. Utiliza diversos medios para reflexionar sobre sus estados de ánimo pasados y presentes, ya que sus emociones e identidad fluctúan y se transforman constantemente. Así, Anais se esfuerza actualmente por encontrar un patrón entre todos sus escritos. El trabajo actual de Anais cuestiona la importancia del lenguaje y si las palabras tienen la posibilidad de manifestarse en una forma física. La filosofía, la literatura y la historia han influido en su metodologia e investigaciones artísticas.

Proyecto en colaboración con Metáfora, Studio Arts Program, y la tutoria de Marc Larré.

“Umwelt”

Heather Zehren Albinson, Philipp Huber, Anais Delforge-Mistry

26th May 18-21h

27th May 18-20h

Umwelt”, a German word for environment, refers in ethology to the world as it is experienced by a particular organism. The way an individual perceives the world is due to an absolutely unique set of factors, including physical makeup, memory, and cultural influences, and therefore no one being experiences the world exactly the same as another. We are all operating, essentially, in our own little universes.  This differentiation has extended implications for how we form political and philosophical viewpoints, how we value art, and how we behave in relationships. But how do nonhuman beings experience the world – like octopuses, who have no centralized nervous systems but are incredibly “intelligent”? If panpsychism is accurate, and inanimate objects experience consciousness, how do they do so? 

Heather Zehren Albinson grew up on a horse ranch in America’s Rocky Mountains, surrounded by wilderness. Her artistic practice is informed by her background in environmental science and conservation and by her continued investigations into intrinsic patterns guiding the natural world. Evolving curiosities about neurobiology and astrophysics have led her to explore questions about the nature of matter and consciousness, about universal interdependence and the composite nature of the world – and about what it is like to be a plant. 

PhIlipp Huber is an Austrian-born artist currentlyliving in Barcelona. He comes from a scientific andtherapeutic background, has a degree in HealthSciences and a Master in Physiotherapy.His ideas derive from themes related to physicality,theories of the mind and human participation in theenvironment. To connect his fields of practice and shape hisdiscourse, he uses various art media and techniques

Anais Delforge-Mistry. Currently based in Barcelona, Anais is a multidisciplinary artist from London. She uses various mediums to reflect on her past and present states of being, as her emotions and identity constantly fluctuates and transforms. Thus, Anais currently endeavours to find a pattern between all of her writings. Anais’ current work questions the importance of language and whether words have the possibility to manifest into a physical form. Philosophy, literature and history have all influenced Anais’ method of working, as she continues to explore her art work whilst referring to philosophers and authors.

Project in collaboration with Metáfora, Studio Arts Program, mentored by Marc Larré.

CRISIS OF NOW| Proyecto de Taiwán: Exposición de Fotografía Asiática Contemporánea III

CRISIS OF NOW| Proyecto de Taiwán: Exposición de Fotografía Asiática Contemporánea III

CRISIS OF NOW – Proyecto de Taiwán: Exposición de Fotografía Asiática Contemporánea III (crisis de ahora) es una serie de exposiciones inéditas de fotografía asiática contemporánea que analiza la cultura y la práctica artística del arte contemporáneo desde la perspectiva de los creadores asiáticos.

Wei-Li Yeh Three places for Marguerite Duras, 2003.

Crisis of Now. Part III se estrena en Barcelona y reúne la obra de Wei-li Yeh, Liu Ho-Jang y Ting-Ting Cheng.

Crisis of Now. – CONTEMPORARY ASIAN PHOTOGRAPHY- Part III podrá verse en Barcelona, del 26  de octubre al 2 de noviembre de 2020. Está exposición inédita está comisariada por Chun-chi Wang y organizada por Idolon Studio, Idolon Lab, Homesession y la Oficina Económica y Cultural de Taipéi en España, cuenta con el apoyo del Ministerio de Cultura de Taiwán y el Buró de Asuntos Culturales del Gobierno de la Ciudad de Taipéi y la colaboración de Espronceda – Institute of Art & Culture.

Part I viajó en 2018 por diferentes ciudades de Alemania, donde se pudieron ver proyectos de Yao Jui-Chung, Yang Che-Yi y Yunyi Liu; y Part II se mostró en 2019 en Estados Unidos, con fotografías de Hou Lulu Shur-Tzy, Ting Chaong-Wen y I-Hsuen Chen. La serie Crisis of Now está comisarida por Chun-chi Wang, una comisaria taiwanesa afincada en Berlín. Su trabajo está centrado en la relación entre los seres humanos y la tecnología, y revela el exceso de mecanización y virtualización del mundo actual, donde la velocidad y el control juegan un papel crucial.

Crisis of Now. Part III reúne en Barcelona 45 obras, algunas de gran formato, que narran experiencias e historias de vida específicas, a la vez que permiten construir relaciones entre contextos históricos dispares desde diversas perspectivas. Algunas de las series muestran diferentes ubicaciones geográficas de manera sincrónica, mientras que otras se concentran en un mismo emplazamiento en diferentes momentos temporales. Las vivencias personales y la conciencia colectiva están ligadas a múltiples trayectorias históricas donde las vicisitudes políticas y sociales juegan un papel importante. La exposición reúne la obra de Wei-Li Yeh, Liu Ho-Jang y Ting-Ting Cheng.

ACERCA DE LA COMISARIA Chun-chi Wang. Nacida en Taipéi, vive en Berlín. donde trabaja como comisaria de arte y editora independiente. Se posgraduó en la New York University Tisch School of the Arts tras haber cursado el grado en el Instituto Pratt (EEUU).En 2011 colaboró con la red internacional de comisarios SYNAPSE, en el Haus der Kulturen der Welt (Casa de las Culturas del Mundo) de Berlín. En 2012 ejerció de comisaria adjunta del comisario alemán Anselm Franke en la Bienal de Taipéi, Modern Monsters / Death and Life of Fiction. A lo largo de los años, Wang ha comisariado muestras de arte contemporáneo en Berlín, Nueva York y Taipéi, entre otros lugares, con el objetivo de promover el arte de Taiwán en el extranjero. Su tema principal de investigación es la esfera pública y el arte, concretamente «la relación creativa de la intervención del arte en la esfera de lo público». Con el objetivo de estudiar el valor sociocultural del arte, entrevista a académicos, artistas y comisarios. Entre las exposiciones que ha comisariado destacan: No One River Flows (Kuandu Museum of Fine Arts (Taiwán), 2013), Urban Synesthesia (Kaohsiung Museum of Fine  Arts (Taiwán), 2015), Hieroglyphic Memory: Surveying Bangka Through Narrative Trace (Bopiliao Historic Block Taipei, 2016), Crisis of Now: Contemporary Asian Photograph (Berlín, 2018; Nueva Orleans, 2019; Barcelona, 2020), Installation and Performance (Weimar E-Werk, 2019; Bauhaus-Museum, 2020; Goethepark Weimar, 2021). Uno de los proyectos de estudio de campo que ha organizado es Off-Site Project, que se ha llevado a cabo en Latinoamérica (Colombia, 2017; Perú, 2018; Argentina, 2019) y en Asia Oriental (Turquía, 2017; Líbano, 2021). Es la fundadora de IDOLONSTUDIO (Unión de Artistas Asiáticos Europeos), una organización interdisciplinaria sin fines de lucro que ofrece a los artistas innovadores que trabajan en los medios de comunicación, la literatura y las artes escénicas oportunidades de exposición y actuación para crear y presentar nuevas obras.  

ACERCA DE LOS ARTISTAS DE CRISIS OF NOW. PART III

Wei-Li Yeh nació en Taipei (Taiwán) en 1971 y emigró a los 11 años a EEUU con su familia. Durante su adolescencia, en Tampa (Florida), se fascinó por la música heavy metal y el rock’n’roll. Estudió fotografía en la University of South Florida (1994) y en el Rhode Island School of Design (1997). Tras una visita en 1996 a Taiwán (la primera desde su emigración a EEUU), se sintió atraído por los temas de desplazamiento, asimilación, identidad cultural y políticas raciales. Yeh se trasladó entonces a Nueva York, mostrando su obra en la Columbia University, el Bronx Museum of Art y el International Center of Photography. En 2002 decidió regresar a Taiwán, convirtiéndose en un artista y comisario muy activo. Su trabajo se exhibe o colecciona en todo el mundo, y sus proyectos fotográficos o textuales exploran las dinámicas del ser humano como individuo en relación con las prácticas colectivas. Actualmente vive y trabaja en Yangmei (Taiwán).

Ting-Ting Cheng nació en 1985 en Taipei. Se graduó en Publicidad y Relaciones Públicas en la Fu-Jen University y se mudó a Londres, donde estudió fotografía en la University of Westminister (2009) y se graduó en Bellas Artes en el Goldsmiths College (2014). Su obra se ha espuesto en exposiciones individuales organizadas en el Taipei Fine Art Museum, la Grand Siècle Gallery (Taiwán), la Identity Art Gallery (Hong Kong), Gallery Nomart (Osaka, Japón), Addaya Palma y Galería Luis Adelantado, en España. También ha participado en exposiciones colectivas en ARCO Madrid, la Bi.City Biennale of Urbanism-Architecture de Shenzhen (República Popular China), III Moscow International Biennale for Youg Art, KuanDu Museum (Taipei), National  Taiwan Museum of Fine Arts, National Art Museum of China (Beijing), Art 14 (Londres) y Art Stage Singapore, entre otros. En 2012 fue seleccionada entre los 40 artistas más relevantes de Asia por la Perspective Magazine de Hong Kong.  

Liu Ho-Jang nació en 1972 en Taipei (Taiwán). Se graduó en 2002 en el Creative Institute del Queen’s College de la City University of New York.  Su trabajo reflexiona acerca de la identidad fotográfica en el contexto de la sociedad contemporánea. En 2011, su obra se publicó en Aster Magazine. Entre sus exposiciones destacan Sculpture Games, Fields, en la Tapei University of Arts (2019); Super Daily, en la Taipei Biennal (2018); Wuzhong Accounting Painting-Reality Virtual, en el Taipei Fine Arts Museum (2017); Key Meditation, en la Asian Biennale (2017); Public Spirit, en el Ujazdowski Castle – Centre for Contemporary Art, en Varsovia (2016); City Charm, en el Kaohsiung Museum of Fine Arts, en Taiwán (2015); y New York, en la Queens Internacional Biennale, organizada por el Queens Museum de Nueva York (2013). El fotógrafo vive y trabaja en Taipei y Tainan y es profesor a tiempo completo en el Institute of Plastic Arts de la Tainan University of Fine Arts.    

ACERCA DE ESPRONCEDA – INSTITUTE OF ART & CULTURE

Espronceda – fundado en 2013 en Barcelona – es un proyecto de arte innovador y contemporáneo, ofrece una plataforma internacional y un entorno multidisciplinario para artistas, comisarios y todos los que creen en la importancia del arte, la cultura y la educación para lograr una mayor creatividad y un mundo mejor. Espronceda fomenta artistas internacionales establecidos y aspirantes a desarrollar su trabajo y creatividad, y a difundir su inspiración más allá de su estancia física en el espacio.  

CRISIS OF NOW – Proyecto de Taiwán: CONTEMPORARY ASIAN PHOTOGRAPHY  PART 3

Del 26 de octubre al 2 de noviembre de 2020

Comisaria: CHUN-CHI WANG

Artistas: WEI-LI YEH LIU HO-JANG CHENG TING-TING

Organiza: IDOLON STUDIO (Union of European Asian Artists), IDOLON LAB

Co-organizadores: HOMESESSION, CULTURAL DIVISION OF THE TAIPEI ECONOMIC AND CULTURAL OFFICE IN SPAIN

Partners oficiales: MINISTRY OF CULTURE OF TAIWAN, DEPARTMENT OF CULTURAL AFFAIRS, TAIPEI CITY GOVERNMENT

Colaboración: ESPRONCEDA – INSTITUTE OF ART AND CULTURE

Entrada Gratuita / reserva obligatoria : renata@espronceda.net

Opening + visita guiada con la comisaria 26 octubre 18-21,00h

Horario de visita: de martes a sábado de 16 a 20h

para visitas en otros horario escribir a: ovidu@espronceda.net

Dirección C. d’Espronceda, 326, nave 4 y 5, 08027 Barcelona, www.espronceda.net

Evento Facebook

Video entrevista Olivier Collet / Chun Chi Wang

ENG

Crisis of Now – TAIWAN PROJECT: CONTEMPORARY ASIAN PHOTOGRAPHY – Part III 

26 -10 / 02 – 11

INSTITUTE OF ART AND CULTURE

C. d’Espronceda, 326, nave 4 y 5, 08027 Barcelona, www.espronceda.net

Is a series of unpublished photography exhibition that analyzes the culture and artistic practice of contemporary art from the perspective of Asian creators. Crisis of Now. Part III premieres in Barcelona and brings together the work of Wei-li Yeh, Liu Ho-Jang and Ting-Ting Chen. Part I traveled in 2018 to different cities in Germany, where you could see projects Yao Jui-Chung, Yang Che-Yi and Yunyi Liu; and Part II was shown in 2019 in the United States, with photographs by Hou Lulu Shur-Tzy, Ting Chaong-Wen and I-Hsuen Chen. The Crisis of Now series is curated by Chun-Chi Wang, a Taiwanese curator based in Berlin. Your job is focused on the relationship between humans and technology, and reveals the excess of mechanization and virtualization of today’s world, where speed and control play a role crucial.

Crisis of Now. Part III brings together 45 works in Barcelona, some in a large format, that narrate specific experiences and life stories, while allowing the building of relationships between disparate historical contexts from different perspectives. Some of the series show different geographic locations synchronously, while others focus on the same location at different times. Personal experiences and collective consciousness are linked to multiple historical trajectories where political and social vicissitudes play an important role. The exhibition brings together the work of Wei-Li Yeh, Liu Ho-Jang and Ting-Ting Chen.

The Artists

Wei-Li Yeh was born in Taipei (Taiwan) in 1971 and emigrated to the United States at the age of 11 with his family. During his adolescence, in Tampa (Florida), he became fascinated by heavy metal music and the rock’n’roll. He studied photography at the University of South Florida (1994) and in Rhode Island School of Design (1997). Following a 1996 visit to Taiwan (his first since emigration to USA), was drawn to the themes of displacement, assimilation, cultural identity and racial politics. Yeh then moved to New York, showing his work at Columbia University, the Bronx Museum of Art and the International Center of Photography. In 2002 he decided return to Taiwan, becoming a very active artist and curator. His work is exhibited o collects around the world, and his photographic or textual projects explore the dynamics of the human being as an individual in relation to collective practices. Currently lives and works in Yangmei (Taiwan).

Ting-Ting Chen was born in 1985 in Taipei. She graduated in Advertising and Public Relations at the Fu-Jen University and moved to London where she studied photography at the University of Westminister (2009) and graduated in Fine Arts from Goldsmiths College (2014). Her work is has exhibited in solo exhibitions organized at the Taipei Fine Art Museum, the Grand Siècle Gallery (Taiwan), Identity Art Gallery (Hong Kong), Gallery Nomart (Osaka, Japan), Addaya Palma and Luis Adelantado Gallery, in Spain. She has also participated in exhibitions. Collectives at ARCO Madrid, the Bi.City Biennale of Urbanism-Architecture in Shenzhen (People’s Republic of China), III Moscow International Biennale for Youg Art, KuanDu Museum (Taipei), National Taiwan Museum of Fine Arts, National Art Museum of China (Beijing), Art 14 (London) and Art Stage Singapore, among others. In 2012 she was selected among the 40 artists Asia’s most relevant publications by Hong Kong’s Perspective Magazine.

Liu Ho-Jang was born in 1972 in Taipei (Taiwan). He graduated in 2002 from the Creative Institute of the Queen’s College of the City University of New York. His work reflects on identity
photographic in the context of contemporary society. In 2011, his work was published in Aster. Magazine. His exhibitions include Sculpture Games, Fields, at the Tapei University of.
Arts (2019); Super Daily, at the Taipei Biennial (2018); Wuzhong Accounting Painting-Reality Virtual, at the Taipei Fine Arts Museum (2017); Key Meditation, at the Asian Biennale (2017); Public Spirit, at the Ujazdowski Castle – Center for Contemporary Art, in Warsaw (2016); City Charm, at the Kaohsiung Museum of Fine Arts, in Taiwan (2015); and New York, in Queens
International Biennale, organized by the Queens Museum in New York (2013). The photographer lives and works in Taipei and Tainan and is a full-time professor at the Institute of Plastic Arts from the Tainan University of Fine Arts.

Curator: CHUN-CHI WANG

Artists: WEI-LI YEH LIU HO-JANG CHENG TING-TING

Organize: IDOLON STUDIO (Union of European Asian Artists), IDOLON LAB

Co-organizers: HOMESESSION, CULTURAL DIVISION OF THE TAIPEI ECONOMIC AND CULTURAL OFFICE IN SPAIN

Official Partners: MINISTRY OF CULTURE OF TAIWAN, DEPARTMENT OF CULTURAL AFFAIRS, TAIPEI CITY GOVERNMENT

Collaboration: ESPRONCEDA – INSTITUTE OF ART AND CULTURE

Carlos Issa / opening 20 de febrero

Carlos Issa / opening 20 de febrero

3 ESTADOS / Carlos Issa (Brasil)

OPENING 20 de febero de 2020, 19h

“El dibujo tiene dos momentos principales.

En el primer momento, todo se mueve y el dibujo se hace. Se libera una determinada forma de pensar. Un tipo de pensamiento que quiere producir cosas ; y que existe efectivamente al producir algo.

Este objeto, una vez producido, parece a su vez transmitir siempre el mismo mensaje: perdurar. Por lo tanto, el movimiento cesa. Se sustituye el movimiento del primer momento por una constitución estable. En el lugar del trabajo, emerge una composición, un nuevo estado, un nuevo ser que debe asentarse en un tiempo sin limites.

En el intervalo, existe sin embargo un tercer momento que es tan fugaz que parece una simple puntuación. Algo que se sitúa exactamente entre aquello que se movía y esto que empieza a estabilizarse.

Poética y estética, ser y devenir, dibujo y dibujado : es en este misterioso punto límite de superposición de los dos estados que una composición surge, se posiciona y se defiende, tanteando el equilibrio entre la vida y la materia.

La composición es la decisión de extraer todo aquello que perdura en el tiempo del movimiento y, a su vez, extraer  el movimiento revolucionario de lo que pretende permanecer intacto.

Justo allí, entre-estados, en ese preciso instante entre estos distintos momentos, un instante similar al que une sueño y vigilia y que es a la vez límite y transición entre el yo y el mundo, algo apunta a la forma que debe tener el dibujo, aquella justa constitución que condensa en sí el flujo de la vida y la integridad de todos los cuerpos.”

Carlos Issa

Carlos Issa nació en São Paulo, Brasil, donde vive y trabaja. Su investigación incorpora el dibujo abstracto, el arte sonoro, el diseño experimental y la fotografía. Ha publicado una serie de libros de artista que se pueden encontrar en instituciones como Printed Matter en Nueva York, Motto, en Berlín, así como Tijuana, en São Paulo.

Es muy conocido por su proyecto de música experimental fundado en 1999 llamado Objeto Amarelo que explora las diferentes capas de sonido tanto en el estudio como en el escenario y fue uno de los primeros grupos en presentarse en las galerías de arte de Brasil, cuenta con unos cuantos álbumes que dialogan con la performance en vivo sin reproducirla, y con colaboraciones con muchos nombres importantes de la música brasileña. Como Objeto Amarelo, Carlos Issa también desarrolló un lenguaje visual muy poderoso utilizado en las portadas y carteles de la banda.

Su práctica también opera dentro de un campo más amplio; ha organizado y participado en exposiciones independientes aplicando métodos de exhibición DIY que anticiparon, a finales de los años 90, la multiplicidad de medios y vehículos para la circulación del arte, tanto dentro como fuera del mercado. Ha trabajado como curador de eventos de música experimental y colectivos de arte como “Supercollina”, en la Galería Logo, y “Conversão”, en la Galería Sé, ambas en São Paulo, Brasil. Ha participado en exposiciones colectivas tanto en el Brasil como en el extranjero, como “Tropical Funk” en la Whitechapel Gallery de Londres y “Dobra”, en la Ferme du Buisson, en París. Tuvo una exposición individual que se celebró en 2017 en la NADA. Desde 2018 está representado por la Galeria Sé y tuvo su primera exposición individual completamente dedicada a su práctica visual contemporánea.

La residencia de Carlos Issa es fruto de la colaboración entre Homesession y la Galeria Sé de Sao Paolo.

Fito Conesa, ganador de la Beca Exchange para residencia en Quebec

Fito Conesa, ganador de la Beca Exchange para residencia en Quebec

Fito Conesa es el artista ganador de la convocatoria para la Beca de movilidad Exchange para una residencia de un mes en l´Écart (Quebec, Canada) en agosto 2020.

La colaboración entre Homesession y el centro de creación L´Écart de Quebec, empezada en 2019, tiene como objetivo apoyar la visibilidad y el crecimiento artístico tanto de artistas quebequenses como de artistas catalanes.

El jurado quiere agradecer a todxs lxs partipantes a la convocatoria y destaca la calidad de la spropuestas recibidas.

Fito Conesa, Artista y programador. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Ha trabajado impartiendo y elaborando talleres para el departamento educativo de la Fundación “la Caixa”. Trabajó como director de arte de la campaña «Santo Domingo Verde» para el ayuntamiento de Santo Domingo (República Dominicana) y formó parte del equipo tutorial de la Sala d’Art Jove (2012). Sus trabajos han sido expuestos en diferentes museos y festivales como Oslo Screen Festival 2010, Barcelona Loop Fair 2009-2012, Festival Internacional de Poesía de Barcelona, Centro Cultural Español dela República Dominicana, Matadero Madrid, CaixaForum (Lleida, Tarragona, Barcelona). Ha participado en diversas publicaciones como Zeitgeist: Variations & Repetitions (Save as… publications, 2010), Unique Window Display (Loft Publications, 2009) y Suite for Ordinary Machinery (Save as… publications, 2008). Con esta última pasó a formar parte de los fondos de la biblioteca dela Tate Modern (Londres), el Museo de Arte Contemporáneo Reina Sofía y el MACBA.
Desde 2014 hasta el otoño de 2017 dirigió y coordinó la Habitació 1418, el proyecto del CCCB y el MACBA para jóvenes de 14 a 18 años.

www.fitoconesa.org

@Foto: García-Santos

Carlos Issa (Brasil) artist in residence during January and February

Carlos Issa (Brasil) artist in residence during January and February

Homesession continues to collaborate with Galeria Sé in Brazil by receiving this year the artist Carlos Issa who will be a resident of Homesession during January and February, before leaving for the Feria Arco in Madrid.

 

Carlos Issa was born in São Paulo, Brazil, where he lives and works. His research incorporates abstract drawing , sound art, experimental design and photography.  He has a published a series of artist’s books that can be found in institutions such as Printed Matter in New York, Motto, in Berlin, as well as Tijuana, in São Paulo.

He is well known by his experimental music project funded em 1999 called Objeto Amarelo that explores the various layers of sound either in the studio and in the stage and was one of the first groups to be presented in art galleries in Brazil, he has a few albums that dialogue with the live performance without reproducing it , they collaborate with many important names of Brazilian music. As Objeto Amarelo, Carlos Issa also developed a very powerful visual language used in the covers and posters of the band.

His practice also operates within a broader field; he has organized and participated in independent exhibitions applying DIY exhibition display methods which anticipated, at the end of the 1990’s, the multiplicity of means  and vehicles for the circulation of art, both inside and outside of the market. He has worked as a curator of experimental music events and art collectives such as “Supercollina”, at Galeria Logo, and “Conversão”, at Galeria Sé, both in São Paulo, Brazil. He has participated in group exhibitions both in Brazil and abroad, such as “Tropical Funk” at Whitechapel Gallery in London and “Dobra”, at Ferme du Buisson, in Paris. He had a solo exhibition that was held in 2017 at NADA. Since 2018 he has being represented by Sé and had his first solo show fully dedicated to his contemporary visual practice.

Opening: 15.12 “Última mano” de Thierry Liegeois

Opening: 15.12 “Última mano” de Thierry Liegeois

Opening “Última mano” de Thierry Liegeois

Domingo 15 diciembre 2019

de 12.00 a 14,30h

*visitas con reserva previa hasta el día 20/12, enviando mail a danilo@homesession.org

“Mi proyecto inicial consistía en realizar concreciones de ciudades, es decir en reducir las fracturas estéticas que existen en el espacio urbano, entre las zonas turísticas, las comerciales, las zonas en desuso o las franjas intermedias, mediante la composición de un “objeto-souvenir total”. Es finalmente en el residuo, en todo aquello que los habitantes desechan o abandonan, que he hallado una porosidad. No se trata aquí de archivar estos fragmentos, sino de producir posibles relatos por la hibridación, el ensamblaje y la remezcla. “

T.L.

Thierry Liegeois es artista residente durante los meses de noviembre y diciembre, en el marco del programa de intercambio entre art3 (Valence France) y Homesession. El programa de intercambio cuenta con el apoyo del Institut Ramon Llull y de la Région Auvergne-Rhône-Alpes.

Thierry Liegeois nació en 1983 en Montbéliard (Francia).
Después de mostrar su trabajo en los Módulos del Palais de Tokyo en 2012 y participar en el programa de IAC Villeurbanne Galeries Nomades, Liegeois fue invitado a exposiciones personales, incluyendo Le syndrôme Murray Futterman con el colectivo Or Nothing en Bruselas en 2013, Cacography en el Lab 47 en 2015 y Glitch City en el Unicorn Center For Art en Pekín, en el
2016, Wet Hill en la Fundación Renaud durante la Bienal de Lyon, y Off Cells en Le 19, Crac, Montbéliard en 2017.
Participó en varias exposiciones colectivas, entre ellas Machination(s), Galerie Eric Mouchet, París, Les Hommes de la Mancha, Double V Gallery, Marsella, y Jörmungandr Hybraxxx, Wonder/Liebert, Bagnolet.
Las investigaciones de Thierry Liegeois toman la forma de una reflexión sobre el presente como un entorno desordenado y no ideal. Sus piezas, que suelen basarse en una confrontación irinica de símbolos y referencias, están impregnadas de una postura crítica -a veces con humor- hacia las discrepancias de clase y las diferencias sociales y estéticas en las que vivimos. Los sitios que explora suelen estar asociados a géneros populares, vernáculos, los terrenos donde crecen las contraculturas y subculturas. Las instalaciones de Liegeois movilizan y mezclan la escultura, la escenografía, la diversión de los objetos, el vídeo y el sonido, buscando relacionar estrechamente la obra con su contexto de producción y exposición.

www.thierryliegeois.com

Open Call: residencia de un mes en Quebec (Canadá)

Open Call: residencia de un mes en Quebec (Canadá)

HOMESSION abre una convocatoria para ofrecer 1 beca para 1 artista catalan para una residencia artística de un mes en Rouyn-Noranda (Quebec) del 4 de agosto al 7 de septiembre de 2020.

La Convocatoria se enmarca dentro del programa de colaboración EXCHANGE entre l’Écart y Homesession in Barcelona. El objetivo de esta colaboración es impulsar la visibilidad y el crecimiento artístico tanto de artistas quebequenses como de artistas catalanes.

El jurado compuesto por miembros de l’Écart seleccionará un artista para pasar un mes de residencia + exposición en el centro artístico l’Écart.

La fecha límite de inscripción es el 30 de noviembre de 2019.

Destinatario/as:

Artistas catalanes (40 años como máximo):

El /la artista debe ser originario/a de Cataluña o vivir en ella en la actualidad.
Se requiere un nivel de inglés o francés de trabajo.

La beca:
El/la artista seleccionado recibirá de l’Écart:
>Alojamiento gratuito (apartamento, estudio),
>honorarios de residencia 1000$CAN,
>gastos de manutención 500$CAN,
>honorarios de la exposición 2000$CAN.
Los gastos de viaje correrán a cargo del artista.

Consulta las Bases aqui.

Thierry Liegeois, artist in residency November and December

Thierry Liegeois, artist in residency November and December

Thierry Liegeois is the artist in residence during the months of November and December, as part of the Exchange program between art3 (Valence France) and Homesession. The Exchange program is supported by Institut Ramon Llull and the Région Auvergne-Rhône-Alpes.

Thierry Liegeois was born in 1983 in Montbéliard (France). He worked as a machine programmer and operator before joining the ENSBA Lyon where received a DNSEP in 2010.
After showing his work in the Modules of the Palais de Tokyo in 2012 and participating to the IAC Villeurbanne Galeries Nomades program, Liegeois was invited for personals exhibitions, including Le syndrôme Murray Futterman with the collective Or Nothing in Brussels in 2013, Cacography at Lab 47 in 2015 and Glitch City at Unicorn Center For Art in Beijing in
2016, Wet Hill at the Renaud Foundation during the Biennale de Lyon, and Off Cells at Le 19, Crac, Montbéliard in 2017.
He was included in various collective exhibitions, including Machination(s), Galerie Eric Mouchet, Paris, Les Hommes de la Mancha, Double V Gallery, Marseille, and Jörmungandr Hybraxxx, Wonder/Liebert, Bagnolet.
Thierry Liegeois’ researches take the form of a reflection on the present as a cluttering, non-ideal environment. His pieces, usually relying on a playful confrontation of symbols and references, are infused with a critical stance — sometimes with humor — toward class discrepancies and the social
and aesthetic divides in which we live. The sites he explores are usually associated to popular, vernacular genres, the terrains where counter and subcultures grow. Liegeois’s installations mobilize and blend sculpture, stage design, the diversion of objects, video and sound, seeking to closely relate the work to its context of production and exhibition.

www.thierryliegeois.com

Next opening: Carolina Bonfim 19 de septiembre

Next opening: Carolina Bonfim 19 de septiembre

Carolina Bonfim

Not himself, not herself, not itself

Opening: 19-09-2019

19h-21,30h

(exposición abierta el día 20 de septiembre con reserva previa enviando mail a danilo@homesession.org)

 

Not himself, not herself, not itself

20 personas. 20 personas encontradas al azar. 20 personas que tienen algo en común. Desean. Desean ser un otro. El otro puede ser un individuo, una especie, un colectivo, una invención, una entidad, una sensación. Ficticio, real o usted. 20 personas que desean imaginar, comprender, caminar, correr, leer, echar de menos, luchar, soñar, fumar, bailar, gritar, amar, conducir, rascarse, follar, cantar, respirar, silbar y tener las piernas, el aspecto, el pelo, las garras, la personalidad, el ritmo, el color, la voz, la fuerza, el sexo, el olor del otro. Desean serlo sólo por unas horas o un día entero. Y lo son. En la habitación, en el baño, en el pasillo, en el jardín, en público, en soledad, en colectivo, a escondidas o bajo un seudónimo. De lo contrario, desean. 20 personas que tienen algo en común. 20 personas encontradas al azar. 20 personas.

Not himself, not herself, not itself es el ultimo trabajo de Carolina Bonfim basado en una serie de entrevistas realizadas con personas que desean sentirse, temporalmente, un otro.

Carolina Bonfim (São Paulo, Brasil, 1982)

Vive y trabaja en Bruselas. Deseo, alteridad, cuerpo y archivo son algunos de los temas recurrentes en su trabajo. Investiga procesos de apropiación, incorporación y de transmisión del conocimiento inmaterial a través del cuerpo. En los últimos años he expuesto y presentado su trabajo en centros e instituciones tales como el 14º Salão Nacional de Arte de Itajaí (Brasil), Casa do Povo (Brasil), MARCO de Vigo (España), MACSur (Argentina), Centre national de danse contemporaine d’Angers (Francia), Lugar a dudas (Colombia), Galería A Gentil Carioca (Brasil) Arts Santa Mònica (España), Fundació Miró (España), La Capella (España), Centre d’art contemporani Fabra i Coats (España) y Can Xalant (España).