Ya-Nung Huang, exposición y performance. 27 y 28 de octubre.

Ya-Nung Huang, exposición y performance. 27 y 28 de octubre.

Ya-Nung Huang 
QUARTET

Exposición: 27 y 28 octubre 2022
Horario: 18h a 21h.
Performance: 27.10.2022 a las 19h


La artista multidisciplinar actualmente en residencia en Homesession procedente de Taiwán -Ya-Nung Huang- , presenta el próximo 27 y 28 de octubre su último proyecto “Quartet”.
 
“Quartet” conforma un paisaje sonoro a través de instrumentos tradicionales (suona y gralla), grabaciones de campo y receptores de ondas de radio para explorar la comunicación interpersonal. La instalación es un ejercicio de experimentación estructurado en cuatro partes, cada una de ellas centrada en un aspecto relacional distinto: la relación de un territorio con las personas que lo recorren, la relación entre cuerpo y espacio, entre personas y el nexo entre sonido y música.

Se inaugura el 27 a las 19h con una performance sonora en colaboración con el artista Taiwanés Lai Tsung-Yun. Una pieza que mezclando métodos de ejecución musical tradicionales y contemporáneos explora las posibles conexiones entre la Suona (instrumento tradicional de viento), sintetizadores y grabaciones trabajadas electrónicamente. Una colaboración refrescante por su capacidad de armonizar elementos cultural y artificiosamente mantenidos distantes.
 
Ya- Nung crea sus piezas a través de una observación atenta y participativa que sea capaz de transformar la percepción de lo cotidiano; una mirada inquisitiva y disconforme que se impregna en todas sus obras. Dicha capacidad de observación es el motor de incansables colaboraciones con artistas de distintos ámbitos. En este caso, durante el proceso creativo de “Quartet”, ha participado en conciertos con músicos especializados en la Gralla (instrumento de viento de música tradicional catalana), ha explorado la sonoridad de objetos cotidianos con estudiantes universitarios y ha producido junto a artistas sonoros especializados en música electrónica. 
  
Un tema recurrente en el trabajo de Ya-Nung Huang es la escucha. Trata de encontrar las múltiples posibilidades de escuchar, ya que es una acción primordial para la comprensión, y por lo tanto, para la comunicación. Haciendo hincapié en creaciones vinculadas con el entorno, usa su experiencia sensorial para observar y describir el espacio circundante, concentrándose en las cosas o las personas generalmente ignoradas. A la artista le interesa descubrir y recopilar algunos objetos discretos o incluso despreciados en forma de fragmentos, para luego desarmarlos, reconstruirlos y reinterpretarlos. Nacida en 1985 en Taipei (Taiwán) Huang Ya-Nung es una artista multidisciplinar que trabaja usualmente con vídeo, sonoridad, espacio y cuerpo. Con una formación en música tradicional china, está especializada en la “Suona”. En los últimos años, Ya-Nung se ha enfocado en temas sociales y pol´ticos, con la voluntad de acercar el arte a las comunidades y el territorio. Sus proyectos se rigen por el principio de “El arte está en todas partes, el arte es vida, el arte es de todas las personas” para reducir la brecha entre el arte y el público. El trabajo de video “Tsukigata Healthy Exercise” (2019) es un ejemplo de ello: el resultado de la residencia en un pueblo envejecido de Japón. En su proyecto más reciente se ha dirigido a la generación senior, así como a otras personas marginadas por la sociedad. La accesibilidad y el empoderamiento cultural del arte son los núcleos principales que marcan el camino de su carrera como artista.


Con la colaboración de: Oficina Económica y Cultural de Taipei, Ministry. of Culture of Taiwan. 

Ya-Nung Huang
Quartet

Exhibition: 27 and 28 October 2022
Opening hours: 18h – 21h
Performance: 27 October at 19h 

The multidisciplinary artist currently in residence at Homesession from Taiwan -Ya-Nung Huang-, will present her latest project “Quartet” on October 27 and 28.

“Quartet” forms a soundscape through traditional instruments (suona and gralla), field recordings and radio wave receivers to explore interpersonal communication. the installation is an experimental exercise structured in four parts, each one focused on a different relational aspect: the relationship between a territory and the people who travel through it, the relationship between body and space, between people and the link between sound and music.

It opens on the 27th at 7:00 p.m. with a sound performance in collaboration with the Taiwanese artist Lai Tsung-Yun. A piece that, mixing traditional and contemporary musical performance methods, explores the possible connections between the Suona (traditional wind instrument), synthesizers and recordings worked electronically. A refreshing collaboration for its ability to harmonize elements culturally and artificially kept distant.

Ya-Nung creates her pieces through attentive and participatory observation that is capable of transforming the perception of everyday life; an inquisitive and dissatisfied look that is impregnated in all her works. This ability to observe is the engine of tireless collaborations with artists from different fields. In this case, during the creative process of “Quartet”, he has participated in concerts with musicians specialized in the Galla (a wind instrument of traditional Catalan music), he has explored the sound of everyday objects with university students and he has produced together with sound artists specialized in electronic music.

A recurring theme in Ya-Nung Huang’s work is listening. She tries to find the multiple possibilities of listening, since it is an essential action for understanding, and therefore, for communication. Emphasizing creations linked to the environment, she uses her sensory experience to observe and describe the surrounding space, focusing on things or people usually ignored. The artist is interested in discovering and collecting some discrete or even neglected objects in the form of fragments, in order to later disassemble, reconstruct and reinterpret them.

Born in 1985 in Taipei (Taiwan), Huang Ya-Nung is a multidisciplinary artist who usually works with video, sound, space and body. With a background in traditional Chinese music, she is specialized in the “Suona”. In recent years, Ella Ya-Nung has focused on social and political issues, with the desire to bring art closer to the communities and the territory. Her projects are governed by the principle of “Art is everywhere, art is life, art belongs to all people” to bridge the gap between art and the public. Her video work “Tsukigata Healthy Exercise” (2019) is a case in point: the result of her residency in an aging village in Japan. In her most recent project she has targeted the senior generation as well as other people marginalized by society. The accessibility and cultural empowerment of art are the main nuclei that mark the path of her career as an artist.

In collaboration with: Oficina Económica y Cultural de Taipei, Ministry. of Culture of Taiwan. 


Jelena Andžić y Louise Franklin Wiberg: Muffled 5-6/10

Jelena Andžić y Louise Franklin Wiberg: Muffled 5-6/10

Jelena Andžić y Louise Franklin Wiberg

Muffled

5 de octubre 18-21h

6 de octubre 17-20h

Cuando se les pidió que imaginaran qué tipo de sonido podrían tener sus cuadros, tanto Jelena como Louise coincidieron en que sus cuadros tendrían un sonido “amortiguado” (muffled). Amortiguado como algo distinto de silencioso, una distinción importante ya que un sonido amortiguado sería fuerte, si no fuera por algún tipo de obstrucción: Algo está interfiriendo para que escuchemos el sonido correctamente. Creo que es esta idea de interferencia la que vincula sus cuadros, quieren transmitirnos una imagen, al espectador, o tal vez contarnos una historia. Pero primero esta imagen-historia debe pasar por el filtro que es la pintura. Un filtro que somete y distorsiona esta imagen-historia, de modo que cuando nos encontramos con el cuadro, vemos lo que queda; un recuerdo de lo que había, o un recuerdo de una sensación de lo que había; nunca podemos estar seguros, así que tenemos que juzgar el cuadro por lo que hay, por lo que queda, por lo que estamos viendo.

Michael Lawton

Jelena Andžić (Belgrado, 1993) nació y creció en Belgrado, Serbia, donde se licenció en la Facultad de Artes Aplicadas, tras lo cual obtuvo un máster en escenografía en la Universidad de Tennessee, Estados Unidos. Actualmente reside en Barcelona, donde cursa el Diploma en Artes de Estudio, el último año del programa Metàfora Studio Arts.

Louise Franklin Wiberg (1985, Dinamarca) vive y trabaja en Barcelona. Es licenciada en Literatura Comparada por la Universidad de Copenhague y realizó un máster en Cultura Moderna y Difusión Cultural en la Universidad de Copenhague y la Universidad de Liubliana. Actualmente está terminando su Diploma en Metàfora Studio Arts, Barcelona, y está trabajando en un libro de escritura (casi) invisible.

_ENG_

When asked to imagine what kind of sound their paintings might have, both Jelena and Louise agreed that their paintings would have a “muffled” sound. Muffled as distinct from quiet, an important distinction as a muffled sound would be loud, were it not for some sort of obstruction: Something is interfering with us hearing the sound properly. I think it is this idea of interference that links their paintings, they want to pass an image onto us, the viewer, or maybe tell us a story. But first this image-story must pass through the filter that is painting. A filter that both subdues and distorts this image-story so when we encounter the painting, we see what is left; a memory of what was there, or a memory of a sensation of what was there; we can never be sure so we have to judge the painting on what is there, what is left, what we are looking at.

Michael Lawton

Jelena Andžić (Belgrade, 1993) was born and raised in Belgrade, Serbia where she received her BA at the Faculty of Applied Arts, after which she obtained her MFA in Set Design at the University of Tennessee, USA. She is currently based in Barcelona where she is attending The Diploma in Studio Arts course – the final year at The Metàfora Studio Arts program.

Louise Franklin Wiberg (1985, Denmark) lives and works in Barcelona. She has a BA in Comparative Literature from The University of Copenhagen and did her MA-studies in Modern Culture and Cultural Dissemination at The University of Copenhagen and The University of Ljubljana. She is currently finishing her Diploma in Studio Arts at Metàfora, Barcelona, and is working on a book of (almost) invisible writing.

EN COLABORACIÓN CON METAFORA STUDIO ARTS PROGRAM

Exposición Jeanne Varaldi: URBAN TRACKS, 27.07

Exposición Jeanne Varaldi: URBAN TRACKS, 27.07

URBAN TRACKS

Jeanne Varaldi

27/07/2021 _ 18-21H

Urban Tracks

Urban lines are curved, straight, sinuous, perpendicular. They structure the plan and organize the space. They frame the itinerary. They measure, calculate and regulate. Urban exploration opens up a completely different path: when the city takes shape in front of our eyes, the itinerary is deviated and the experience is sensitive. The city comes to life and the plan is distorted. From these sensitive uses, new lines and paths are emerging.

A reflection on the map as well as a tribute to construction zones, Jeanne Varaldi’s installation reflects her urban exploration during her residency at Homesession. The materials used echo construction sites: tarp, spray paint and fiberglass. On the floor, pieces of walls that were collected directly from the city give an archaeological tone to the room. The installation plays on different scales: the macro scale of the map, which is hand-drawn on the tarp, and the scale of the construction site, which is one of continuous transformation. The fixed and organized image of the map is dropped to show a city in perpetual transformation.

Jeanne Varaldi, a visual artist based in Paris, is the artist seleccionated for a 1 month residency during July 2021. She uses construction materials to challenge the urban fabric: pieces of plaster, granite, concrete or wood are collected and reassembled with pigmented cement, straps or coloured ropes. These installations enhance the texture and uneven shapes of urban fragments. The city becomes a playground for experimentation and regeneration. The viewer is confronted with new landscapes, in which construction materials become precious and secret resources. Jeanne Varaldi also creates murals that transform the public space through abstract patterns and pastel colors.

First exibition in 2021: Daniel de la Barra

First exibition in 2021: Daniel de la Barra

Esto no es un paisaje. Episodio II: Real Expediciòn Botànica

Daniel De La Barra

8 – 10 de enero 2021

Horario:

viernes 8 y sabado 9 de 17-20h

domingo 10 de 12 a 15h


Esta segunda etapa del proyecto ESTO NO ES UN PAISAJE se plantea  como una reconstrucción a la narrativa del paisaje desde su representación pictórica que sostiene y perpetúa lógicas y prácticas extractivas a través de la imagen. 

Por medio de una reedición de los catálogos ilustrados de las Expediciones Botánicas y lapintura de los artistas viajeros en América Latina entre los siglos XVII y XIX, se establece una revisión de los conflictos sociales y ambientales actuales derivados del extractivismo.

Daniel De La Barra (Lima, Perú.1992) se mueve entre la pintura, la instalación y la intervención pública, centrando su trabajo en la re-construcción  de narrativas  en las  sociedades dentro de la homogeneización del paisaje público y   la imposición jerárquica de poderes de dominación en el marco del capitalismo colonial. Comienza sus estudios en 2012 la Escuela de Arte Contemporáneo Corriente Alterna (Lima,Perú) hasta 2014 que se traslada a Madrid a continuar sus estudios de pintura.

Ha realizado residencias artísticas en La Escocesa Fabrica de creaciò,  Piramidon Centre d’art Contemporani, Homesession y  The Nerdrum School (Suecia).  Desarrolla varios  proyectos expositivos e intervenciones como “Pròxima Obertura” en el Castillo de Montjuic , “Esc-Out” en Fabra i Coats Centre de Arte Contemporani, “Consideraciones de la Civdad Moderna” en la Sala d’Art Jove y en Lo Pati dentro de la Bienal de Amposta,  “Paisajes Deseados “ en Arts Santa Mónica, “Subversió: Habitando Ruinas” en El centro de la Memoria El Born CCM o “Invation 30230” en el Museo Central de Lima. En 2018 y 2019 ha recibido la Beca de Investigación y experimentación de La Escocesa, el Premio de Arte Joven de Cataluña 2019 (Sala d’Art Jove) y en 2021 para desarrollar su proyecto “Real Expedición Botánica” en colaboración con La Panera de Lleida y Lo Pati.

https://danieldelabarra.wixsite.com/work

Texto de presentación de Olivier Collet y Jérôme Lefaure

Albert Gironès, primer artista local en residencia

Albert Gironès, primer artista local en residencia

Homesession vuelve a acoger artistas en residencia! El programa de residencias internacionales está parado y durantes unos meses serán artistas locales los que podrán realizar estancias de un mes en Homesession.

El primer artista seleccionado a través de convocatoria es Albert Gironès, que se quedará en Homesession hasta finales de junio.

Albert Gironès (Valls, 1995) es graduado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona (2017) y máster en Producción y Comunicación Cultural por la Universidad Ramon Llull (2019). Ha obtenido becas de la Sala d’Art Jove (Barcelona, 2020 y 2017), del Bòlit Centre d’Art Contemporani (Girona, 2019), de UNZIP Arts Visuals (El Prat de Llobregat, 2018), y de Inund’Art y el Institut Balear de la Juventut (2018); y el segundo premio de Arte Contemporáneo de la Fundación Reddis (Reus, 2018). Ha realizado residencias artísticas en Rad’art project (San Romano, Italia, 2019), Plattform Kyrkslätt (Lappböle, Finlandia,2019), el Instituto Carles Rahola (Girona, 2018), y en Aquemarropa (Alicante, 2017), entre otras.

Su trabajo se ha mostrado en exposiciones colectivas en el Centro del Carmen Cultura Contemporánea (Valencia, 2020), el Casal Solleric (Palma de Mallorca, 2019), el Faces Festival (Karis, Finlandia. 2019), la Galería Santa Fe (Bogotá, Colombia. 2019), entre otros. Ha participado en conferencias en La Universidad Politécnica de Valencia (Valencia,

2020), en La Virreina Centre de la imatge (Barcelona, 2018), en el MACA (Alicante, 2017) y en el CED MACBA (Barcelona, 2016); y en publicaciones como “Destrucción: obras, proyectos” (San José, Costa Rica, 2019) y “Com les coses quan fallen: les falles, els fallos” (Milán, Italia. 2019).

Convocatòria de Residéncia a Art3/ artistes catalans

Convocatòria de Residéncia a Art3/ artistes catalans

Azahara Cerezo, art3, Valence, França, 2019

Homesession llança una convocatòria per la realització d’una residència artística a art3, Valence (França) durant els mesos de octubre i novembre 2020. La convocatòria s’emmarca en un intercanvi entre art3 i Homesession i té per objectiu impulsar la mobilitat d’artistes i promoure el coneixement i la interacció entre els agents del sector artístic d’ambdós contextos.

El programa d’intercanvi amb art3 es va iniciar el 2014. Des de llavors s’han beneficiat del projecte els artistes Lola González, Laura Llaneli, Julia Gorostidi, Juke James, Benjamin Collet, Antonin Horquin, Mario Santamaría, Joan Pallé, Adélaïde Feriot, Azahara Cerezo y Thierry Liegeois.

BASES CONVOCATÒRIA 2020

CONDICIONS GENERALS I DOCUMENTACIÓ

La convocatòria està destinada a artistes en actiu, residents (o que hagin realitzat els seus estudis superiors) a Catalunya.

Duració de la residència: 2 mesos, octubre i novembre de 2020. L’artista seleccionat/da en aquesta convocatòria presentarà el seu treball o investigació a art3 en format expositiu.

Els candidats entregaran un dossier pdf, en un sol arxiu, amb la informació següent:

– Carta de motivació i objectius de la residència (màxim 600 paraules)

-De 10 a 20 imatges de treballs recents, acompanyades de la corresponent fitxa tècnica

– Currículum artístic i statement

– Enllaços a pàgina web, vídeos i/o articles de premsa

DOTACIÓ

L’intercanvi cobreix l’allotjament a Valence en un apartament posat a disposició per art3.

L’artista rebrà de part de Homesession, prèvia presentació de factura corresponent, un import de 1.800€ bruts en concepte d’honoraris i viatge + 200€ en concepte de budget de producció), a més rebrà 300€ per part d’art3 per a la producció. (TOTAL BECA 2.300€)

CANDIDATURES

Les candidatures es tramitaran per e-mail amb l’assumpte: Candidatura art3 a: info@homesession.org

Pes màxim de 4MB per dossier. Els dossiers que no compleixin el requisit de pes de l’arxiu o que no tinguin tota la informació requerida seran desestimats.

Els dossiers poden ser enviats en català, castellà o anglès.

Data límit d’enviament de candidatures: 8 de maig de 2020

Resolució del jurat: 25 de maig de 2020

JURAT

Les candidatures seran revisades per una comissió formada per membres de les organitzacions implicades: Sylvie Vojik (directora art3), Olivier Collet (codirector de Homesession). Els detalls de l’intercanvi es regulen mitjançant un conveni de col·laboració que es firmarà abans de començar la producció i que es regirà pel codi de bones pràctiques professionals vigent a Catalunya.

Organitzen: Homesession i art3

Col·laboren: Institut Ramon Llull, Régión Auvergne-Rhôn-Alpes.

Fito Conesa, ganador de la Beca Exchange para residencia en Quebec

Fito Conesa, ganador de la Beca Exchange para residencia en Quebec

Fito Conesa es el artista ganador de la convocatoria para la Beca de movilidad Exchange para una residencia de un mes en l´Écart (Quebec, Canada) en agosto 2020.

La colaboración entre Homesession y el centro de creación L´Écart de Quebec, empezada en 2019, tiene como objetivo apoyar la visibilidad y el crecimiento artístico tanto de artistas quebequenses como de artistas catalanes.

El jurado quiere agradecer a todxs lxs partipantes a la convocatoria y destaca la calidad de la spropuestas recibidas.

Fito Conesa, Artista y programador. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Ha trabajado impartiendo y elaborando talleres para el departamento educativo de la Fundación “la Caixa”. Trabajó como director de arte de la campaña «Santo Domingo Verde» para el ayuntamiento de Santo Domingo (República Dominicana) y formó parte del equipo tutorial de la Sala d’Art Jove (2012). Sus trabajos han sido expuestos en diferentes museos y festivales como Oslo Screen Festival 2010, Barcelona Loop Fair 2009-2012, Festival Internacional de Poesía de Barcelona, Centro Cultural Español dela República Dominicana, Matadero Madrid, CaixaForum (Lleida, Tarragona, Barcelona). Ha participado en diversas publicaciones como Zeitgeist: Variations & Repetitions (Save as… publications, 2010), Unique Window Display (Loft Publications, 2009) y Suite for Ordinary Machinery (Save as… publications, 2008). Con esta última pasó a formar parte de los fondos de la biblioteca dela Tate Modern (Londres), el Museo de Arte Contemporáneo Reina Sofía y el MACBA.
Desde 2014 hasta el otoño de 2017 dirigió y coordinó la Habitació 1418, el proyecto del CCCB y el MACBA para jóvenes de 14 a 18 años.

www.fitoconesa.org

@Foto: García-Santos

“Resonancias” _ Christina Schultz,  Opening 13 noviembre

“Resonancias” _ Christina Schultz, Opening 13 noviembre

Resonancias
Un proyecto de Christina Schultz presentado en Homesession en el marco de Loop city screen.

@anke luckmann, Resonancias, el Graner, 2019,


>Inauguración: 13 de noviembre de 19:00 h – 21.30 h
>Horario: 14-16 de noviembre de 16 a 20 h
>Visionado del documental : 14 de noviembre a las 19h15
>Visita guiada con la artista: 16 de noviembre 18,30h

Para cita previa fuera de este horario escribir a info@homesession.org

Christina Schultz presenta en Homesession ‘Resonancias’. El proyecto expositivo surge a partir de material recopilado durante el proceso de realización de ‘Cuerpos de Resonacias’, un proyecto performativo y coral formado por un álbum de siete coreografías que hablan sobre experiencias íntimas en la homosexualidad, la inconformidad con los géneros, sentimientos de vacío, de soledades y abusos y del refugio encontrado en el tacto y en el cuerpo.
Tras una convocatoria pública con Stop SIDA la artista trabajó junto a 16 personas en la experimentación con narrativas colectivas desde la palabra, desde el movimiento y desde el cuerpo. Compartiendo nuestros tabúes, vergüenzas, conformidades y disconformidades y dándoles un lugar físico. Un lugar que se deja tocar y conmover entre múltiples cuerpos y que busca sintonía en la disonancia. En definitiva, un cuerpo resonante compuesto por 16 almas, bastidores, fajas y puentes que, al igual que un instrumento, espera ser tocado.
En julio 2019 la performance se mostró en Graner, centro de creación de danza y artes vivas, y en el auditorio del Museo de arte contemporáneo de Barcelona (MACBA).
Ahora se presenta el proyecto y sus resultados en Homessesion: una instalación textil, un documental del proceso, un audiovisual 3D, así como dibujos y retratos realizadas por la artista durante todo el proceso.

La exposición se podrá ver del 14 al 16 de noviembre de 2019.

Este proyecto ha sido impulsado por Homesession con la ayuda de la beca Art For Change de la Fundación la Caixa y ha contado con la colaboración de Stop Sida ONG, Graner, Macba, Can Serrat, Centre cívic Surtidor y Hangar.

Next opening: Carolina Bonfim 19 de septiembre

Next opening: Carolina Bonfim 19 de septiembre

Carolina Bonfim

Not himself, not herself, not itself

Opening: 19-09-2019

19h-21,30h

(exposición abierta el día 20 de septiembre con reserva previa enviando mail a danilo@homesession.org)

 

Not himself, not herself, not itself

20 personas. 20 personas encontradas al azar. 20 personas que tienen algo en común. Desean. Desean ser un otro. El otro puede ser un individuo, una especie, un colectivo, una invención, una entidad, una sensación. Ficticio, real o usted. 20 personas que desean imaginar, comprender, caminar, correr, leer, echar de menos, luchar, soñar, fumar, bailar, gritar, amar, conducir, rascarse, follar, cantar, respirar, silbar y tener las piernas, el aspecto, el pelo, las garras, la personalidad, el ritmo, el color, la voz, la fuerza, el sexo, el olor del otro. Desean serlo sólo por unas horas o un día entero. Y lo son. En la habitación, en el baño, en el pasillo, en el jardín, en público, en soledad, en colectivo, a escondidas o bajo un seudónimo. De lo contrario, desean. 20 personas que tienen algo en común. 20 personas encontradas al azar. 20 personas.

Not himself, not herself, not itself es el ultimo trabajo de Carolina Bonfim basado en una serie de entrevistas realizadas con personas que desean sentirse, temporalmente, un otro.

Carolina Bonfim (São Paulo, Brasil, 1982)

Vive y trabaja en Bruselas. Deseo, alteridad, cuerpo y archivo son algunos de los temas recurrentes en su trabajo. Investiga procesos de apropiación, incorporación y de transmisión del conocimiento inmaterial a través del cuerpo. En los últimos años he expuesto y presentado su trabajo en centros e instituciones tales como el 14º Salão Nacional de Arte de Itajaí (Brasil), Casa do Povo (Brasil), MARCO de Vigo (España), MACSur (Argentina), Centre national de danse contemporaine d’Angers (Francia), Lugar a dudas (Colombia), Galería A Gentil Carioca (Brasil) Arts Santa Mònica (España), Fundació Miró (España), La Capella (España), Centre d’art contemporani Fabra i Coats (España) y Can Xalant (España).