Muy contentos de recibir en Homesession Rémi Dal Negro y Romain Poirier, artistas seleccionados en el marco del programa de intercambio entre Homesession y Art3 (Valence, France)
Los artistas presentarán en homesession “3 transitions d’une même figure“, proyecto audiovisual que se expondrá en el marco del Festival Loop City Screen. (18-20 de noviembre)
Rémi Dal Negro, artista visual, y Romain Poirier, compositor, trabajan en torno a obras sonoras en su materialidad.En 2017, Rémi Dal Negro invitó a Romain Poirier a experimentar la amplificación y manipulación de las señales emitidas por su trampa ‘Etendoir’. Este encuentro produjo una actuación y la composición de la segunda parte del Quattro Stagioni, l’Estate. Creador de Couac et de Relief, Rémi Dal Negro está representado por la galería Eric Mouchet. Romain Poirier es miembro del grupo Uzhur, cofundador de los estudios Mer-Noir y del proyecto de radio Scalarstation. La residencia Homesession les permite escribir y desarrollar el proyecto de investigación CommentHabité Un Mur de Son ?
El artista balear Gabriel Llinàs al finalizar su residencia en Belgrade Air, en el marco del programa Exchange de Homesession, realizará una exposición titulada “Shades of White” en el espacio MKM de Belgrado del 21 al 26 denoviembre
Shades of White – Biel Llinàs
MKM – Belgrado
21-26 noviembre 2020
Shades of white presenta una investigación
artística sobre la evolución histórica de Belgrado (Serbia), centrándose
en su patrimonio arquitectónico como un dispositivo para comprender los
comportamientos, tradiciones y relaciones
de sus habitantes con el espacio urbano. El marco de la investigación
va desde la ocupación romana de
Singidunum en el siglo IV hasta hoy en día, prestando atención a
los episodios cruciales que subyacen en Belgrado, la ciudad bajo la cual
se han librado el mayor número de batallas, como afirma
The British Enciclopedia of Cities. Para profundizar en este trasfondo, el proyecto parte de una exploración especulativa del nombre eslavo de
Beograd (La Ciudad Blanca), que se remonta al siglo IX, a pesar de que no se han encontrado pruebas claras de su origen.
La incierta razón del nombre se convierte en una
excusa para explorar su identidad de una forma experimental en este
marco, entendiendo la ciudad como un crisol. En este sentido, el
proyecto es atravesado por una tensión entre el blanco,
concebido como un color pacífico y estable, y el interminable historial
de conflictos bélicos y enigmas que conforman la ciudad.
Así, la propuesta presentada en MKM Magacín Kulturni Centar
(Belgrado) se articula a través de dos ejes principales. Por un lado, a
partir de un trabajo de campo basado en varios recorridos a pie por la
ciudad. Esto ha permitido
un acercamiento directo y desde la propia subjetividad a los diferentes
barrios y puntos de referencia, así como a la oportunidad de difundir
el proyecto en una red más amplia, involucrando a sus habitantes y
compartiendo al mismo tiempo diferentes perspectivas
sobre la ciudad.
Por otra parte, estas observaciones han inspirado
un conjunto de obras (pinturas, fotografías, acciones y materiales
encontrados) que terminan por crear una cartografía rizomática de la
Belgrado actual, a partir del diálogo entre conceptos
como construcción-destrucción, visible-oculto, pasado-presente.
Este proyecto ha sido premiado con la Beca Exchange/Belgrade de Homesession (Barcelona) y Belgrade Artist in Residence (Serbia), con la colaboración de Institut Ramon Llull e Institut d’Estudis Balearics
ENG
Shades of White – Biel Llinàs
MKM – Belgrado
21-26 November 2020
Shades of white presents an artistic
research on the multilayered historical evolution of Belgrade, focusing
on its architectural heritage as a device to understand its inhabitants’
behaviors, traditions and relations with urban
space. The framework of the research goes from the Roman occupation of Singidunum
at the IV century to nowadays, paying attention to crutial episodes
underlying Belgrade, the city under which more battles have been waged,
as affirmed by
The British Encyclopedia of Cities. To deepen into this background, the project departs from an speculative exploration of the slavic name
Beograd (The White City), which dates back to the IX century, in spite that no clear evidence of its origin has been found.
The uncertain reason of the name becomes an excuse
to explore its identity in a wider and more experimental way,
understanding the city as a melting-pot. In this sense, the project
holds a tension between white, conceived as a peaceful
and stable colour, and the city’s endless history of conflicts and
enigmas.
Thus, the proposal presented at Magacin’s main
space has been developed through two main axes. On the one hand, a
fieldwork based on several walking drifts around the city has been
planned. This has enhanced a more personal and direct approach
to the different neighbourhoods and landmarks, as well as the
opportunity to spread the project in an expanded network, engaging its
inhabitants while sharing different perspectives about the city’s
landscape.
On the other hand, these observations have inspired
a body of works (paintings, photographies and found materials) which
end up creating a rhizomatic cartography of today’s Belgrade, from the
dialogue between such concepts as construction-destruction,
visible-hidden, past-present.
This project is supported by Homesession (Barcelona) and BAIR (Belgrade), throughout the Exchange / Belgrade residency grant, with the collabotation of Institut Ramon Llull and Institut d’Estudis Balearics
El evento programado el dia 5 de Azahara Cerezo y Jose Iglesias Gª Arenal ha sido aplazado a nueva fecha por confimar!
Azahara Cerezo y Jose Iglesias Gª Arenal
RE:
Los ordenadores están diseñados para dos ojos que miran y dos manos que teclean, un cuerpo individual que se sienta frente a la pantalla para tener acceso a parte de la infoesfera. ¿Cómo podemos imaginar y materializar otras relaciones corporales con la información digital? Partiendo de la pieza Servidor móvil, -actualmente expuesta en su exposición Illes d’arena–Re: explora otras formas arquitectónicas y de parentesco que cuestionen el régimen heterosexual de la propiedad privada que organiza la esfera virtual.
Re: es una colaboración con Homesession desde la exposición Illes d’arena (actualmente en el Bòlit Centre d’Art Contemporani, Girona) con el apoyo de Hangar.
Azahara Cerezo (Girona, 1988). Ha sido residente en Villa Belleville (París), Colegio de España (París), Casa de Velázquez (Madrid, intercambio con Hangar, Barcelona), art3 (Valence, Francia) Hangar (Barcelona) y 1646 (La Haya, Holanda), entre otros. Su trabajo se ha presentado de forma individual recientemente en MAL (Sevilla) bajo el título “Y en ese claroscuro surgen los monstruos”. Ha participado en exposiciones colectivas como “Un món paral·lel” en Arts Santa Mònica (Barcelona), “We are as Gods…” en Nieuwe Vide (Haarlem, Holanda), “Provincia 53” en MUSAC (León) y CDAN (Huesca), “Intervalo” en Casa Hoffmann (Bogotá, Colombia) o “Especies de Espacios” en MACBA (Barcelona).
Jose Iglesias Gª-Arenal (Madrid, 1991, actualmente reside en Los Santos de Maimona, Badajoz). Trabaja como artista y curador. Ha cursado MA en curaduría por la Whitechapel Gallery y London Metropolitan University y el Dutch Art Institute Roaming Academy. De forma individual o en colaboración ha expuesto en instituciones como el Complejo Cultural de Río Gallegos (Campamento, Santa Cruz, Argentina, 2019), Museo Nivola (Peekaboo. Looking askance at issues of childhood in connection with nation, Cerdeña, Italia, 2019), MUSAC (Provincia 53, León, 2017), CAAC (¿Qué sienten, qué piensan los artistas andaluces de ahora?, Sevilla, 2016) o Palazzo Lucarini (Facebook’s Pavilion, Umbria, Italia, 2014). Dirige la plataforma MAL (www.nosomosMAL.com).
CRISIS OF NOW – Proyecto de Taiwán: Exposición de Fotografía Asiática Contemporánea III (crisis de ahora) es una serie de exposiciones inéditas de fotografía asiática contemporánea que analiza la cultura y la práctica artística del arte contemporáneo desde la perspectiva de los creadores asiáticos.
Wei-Li Yeh Three places for Marguerite Duras, 2003.
Crisis of Now. Part III se estrena en Barcelona y reúne la obra de Wei-li Yeh, Liu Ho-Jang y Ting-Ting Cheng.
Crisis of Now. – CONTEMPORARY ASIAN PHOTOGRAPHY- Part III podrá verse en Barcelona, del 26 de octubre al 2 de noviembre de 2020. Está exposición inédita está comisariada por Chun-chi Wang y organizada por Idolon Studio, Idolon Lab,Homesession y la Oficina Económica y Cultural de Taipéi en España, cuenta con el apoyo del Ministerio de Cultura de Taiwán y el Buró de Asuntos Culturales del Gobierno de la Ciudad de Taipéi y la colaboración de Espronceda – Institute of Art & Culture.
Part I viajó en 2018 por diferentes ciudades de Alemania, donde se pudieron ver proyectos de Yao Jui-Chung, Yang Che-Yi y Yunyi Liu; y Part II se mostró en 2019 en Estados Unidos, con fotografías de Hou Lulu Shur-Tzy, Ting Chaong-Wen y I-Hsuen Chen. La serie Crisis of Now está comisarida por Chun-chi Wang, una comisaria taiwanesa afincada en Berlín. Su trabajo está centrado en la relación entre los seres humanos y la tecnología, y revela el exceso de mecanización y virtualización del mundo actual, donde la velocidad y el control juegan un papel crucial.
Crisis of Now. Part III reúne en Barcelona 45 obras, algunas de gran formato, que narran experiencias e historias de vida específicas, a la vez que permiten construir relaciones entre contextos históricos dispares desde diversas perspectivas. Algunas de las series muestran diferentes ubicaciones geográficas de manera sincrónica, mientras que otras se concentran en un mismo emplazamiento en diferentes momentos temporales. Las vivencias personales y la conciencia colectiva están ligadas a múltiples trayectorias históricas donde las vicisitudes políticas y sociales juegan un papel importante. La exposición reúne la obra de Wei-Li Yeh, Liu Ho-Jang y Ting-Ting Cheng.
ACERCA DE LA COMISARIA Chun-chi Wang. Nacida en Taipéi, vive en Berlín. donde trabaja como comisaria de arte y editora independiente. Se posgraduó en la New York University Tisch School of the Arts tras haber cursado el grado en el Instituto Pratt (EEUU).En 2011 colaboró con la red internacional de comisarios SYNAPSE, en el Haus der Kulturen der Welt (Casa de las Culturas del Mundo) de Berlín. En 2012 ejerció de comisaria adjunta del comisario alemán Anselm Franke en la Bienal de Taipéi, Modern Monsters / Death and Life of Fiction. A lo largo de los años, Wang ha comisariado muestras de arte contemporáneo en Berlín, Nueva York y Taipéi, entre otros lugares, con el objetivo de promover el arte de Taiwán en el extranjero. Su tema principal de investigación es la esfera pública y el arte, concretamente «la relación creativa de la intervención del arte en la esfera de lo público». Con el objetivo de estudiar el valor sociocultural del arte, entrevista a académicos, artistas y comisarios. Entre las exposiciones que ha comisariado destacan: No One River Flows (Kuandu Museum of Fine Arts (Taiwán), 2013), Urban Synesthesia (Kaohsiung Museum of Fine Arts (Taiwán), 2015), Hieroglyphic Memory: Surveying Bangka Through Narrative Trace (Bopiliao Historic Block Taipei, 2016), Crisis of Now: Contemporary Asian Photograph (Berlín, 2018; Nueva Orleans, 2019; Barcelona, 2020), Installation and Performance (Weimar E-Werk, 2019; Bauhaus-Museum, 2020; Goethepark Weimar, 2021). Uno de los proyectos de estudio de campo que ha organizado es Off-Site Project, que se ha llevado a cabo en Latinoamérica (Colombia, 2017; Perú, 2018; Argentina, 2019) y en Asia Oriental (Turquía, 2017; Líbano, 2021). Es la fundadora de IDOLONSTUDIO (Unión de Artistas Asiáticos Europeos), una organización interdisciplinaria sin fines de lucro que ofrece a los artistas innovadores que trabajan en los medios de comunicación, la literatura y las artes escénicas oportunidades de exposición y actuación para crear y presentar nuevas obras.
ACERCA DE LOS ARTISTAS DE CRISIS
OF NOW. PART III
Wei-Li Yeh nació en Taipei (Taiwán) en 1971 y emigró a los 11 años a EEUU con su
familia. Durante su adolescencia, en Tampa (Florida), se fascinó por la música heavy
metal y el rock’n’roll. Estudió fotografía en la University of South
Florida (1994) y en el Rhode Island School of Design (1997). Tras una visita en
1996 a Taiwán (la primera desde su emigración a EEUU), se sintió atraído por
los temas de desplazamiento, asimilación, identidad cultural y políticas
raciales. Yeh se trasladó entonces a Nueva York, mostrando su obra en la
Columbia University, el Bronx Museum of Art y el International Center of
Photography. En 2002 decidió regresar a Taiwán, convirtiéndose en un artista y
comisario muy activo. Su trabajo se exhibe o colecciona en todo el mundo, y sus
proyectos fotográficos o textuales exploran las dinámicas del ser humano como
individuo en relación con las prácticas colectivas. Actualmente vive y trabaja
en Yangmei (Taiwán).
Ting-Ting Cheng nació en 1985 en Taipei. Se graduó en Publicidad y Relaciones Públicas en la Fu-Jen University y se mudó a Londres, donde estudió fotografía en la University of Westminister (2009) y se graduó en Bellas Artes en el Goldsmiths College (2014). Su obra se ha espuesto en exposiciones individuales organizadas en el Taipei Fine Art Museum, la Grand Siècle Gallery (Taiwán), la Identity Art Gallery (Hong Kong), Gallery Nomart (Osaka, Japón), Addaya Palma y Galería Luis Adelantado, en España. También ha participado en exposiciones colectivas en ARCO Madrid, la Bi.City Biennale of Urbanism-Architecture de Shenzhen (República Popular China), III Moscow International Biennale for Youg Art, KuanDu Museum (Taipei), National Taiwan Museum of Fine Arts, National Art Museum of China (Beijing), Art 14 (Londres) y Art Stage Singapore, entre otros. En 2012 fue seleccionada entre los 40 artistas más relevantes de Asia por la Perspective Magazine de Hong Kong.
Liu Ho-Jang nació en 1972 en Taipei (Taiwán). Se graduó en 2002 en el Creative
Institute del Queen’s College de la City University of New York. Su trabajo reflexiona acerca de la identidad
fotográfica en el contexto de la sociedad contemporánea. En 2011, su obra se
publicó en Aster Magazine. Entre sus exposiciones destacan Sculpture Games,
Fields, en la Tapei University of Arts (2019); Super Daily, en la
Taipei Biennal (2018); Wuzhong Accounting Painting-Reality Virtual, en
el Taipei Fine Arts Museum (2017); Key Meditation, en la Asian Biennale
(2017); Public Spirit, en el Ujazdowski Castle – Centre for Contemporary
Art, en Varsovia (2016); City Charm, en el Kaohsiung Museum of Fine
Arts, en Taiwán (2015); y New York, en la Queens Internacional Biennale,
organizada por el Queens Museum de Nueva York (2013). El fotógrafo vive y
trabaja en Taipei y Tainan y es profesor a tiempo completo en el Institute of
Plastic Arts de la Tainan University of Fine Arts.
ACERCA DE ESPRONCEDA – INSTITUTE OF ART & CULTURE
Espronceda– fundado en 2013 en Barcelona – es un proyecto de arte innovador y contemporáneo, ofrece una plataforma internacional y un entorno multidisciplinario para artistas, comisarios y todos los que creen en la importancia del arte, la cultura y la educación para lograr una mayor creatividad y un mundo mejor. Espronceda fomenta artistas internacionales establecidos y aspirantes a desarrollar su trabajo y creatividad, y a difundir su inspiración más allá de su estancia física en el espacio.
CRISIS OF NOW – Proyecto de Taiwán: CONTEMPORARY ASIAN PHOTOGRAPHY PART 3
Del 26 de octubre al 2 de noviembre de 2020
Comisaria: CHUN-CHI WANG
Artistas: WEI-LI YEH LIU HO-JANG CHENG TING-TING
Organiza: IDOLON STUDIO (Union of European Asian Artists), IDOLON LAB
Co-organizadores: HOMESESSION, CULTURAL DIVISION OF THE TAIPEI ECONOMIC AND CULTURAL OFFICE IN SPAIN
Partners oficiales: MINISTRY OF CULTURE OF TAIWAN, DEPARTMENT OF CULTURAL AFFAIRS, TAIPEI CITY GOVERNMENT
Colaboración: ESPRONCEDA – INSTITUTE OF ART AND CULTURE
Is a series of unpublished photography exhibition that analyzes the culture and artistic practice of contemporary art from the perspective of Asian creators. Crisis of Now. Part III premieres in Barcelona and brings together the work of Wei-li Yeh, Liu Ho-Jang and Ting-Ting Chen. Part I traveled in 2018 to different cities in Germany, where you could see projects Yao Jui-Chung, Yang Che-Yi and Yunyi Liu; and Part II was shown in 2019 in the United States, with photographs by Hou Lulu Shur-Tzy, Ting Chaong-Wen and I-Hsuen Chen. The Crisis of Now series is curated by Chun-Chi Wang, a Taiwanese curator based in Berlin. Your job is focused on the relationship between humans and technology, and reveals the excess of mechanization and virtualization of today’s world, where speed and control play a role crucial.
Crisis of Now. Part III brings together 45 works in Barcelona, some
in a large format, that narrate specific experiences and life stories,
while allowing the building of relationships between disparate
historical contexts from different perspectives. Some of the series show
different geographic locations synchronously, while others focus on the
same location at different times. Personal experiences and collective
consciousness are linked to multiple historical trajectories where
political and social vicissitudes play an important role. The exhibition
brings together the work of Wei-Li Yeh, Liu Ho-Jang and Ting-Ting Chen.
The Artists
Wei-Li Yeh was born in Taipei (Taiwan) in 1971 and
emigrated to the United States at the age of 11 with his family. During
his adolescence, in Tampa (Florida), he became fascinated by heavy metal
music and the rock’n’roll. He studied photography at the University of
South Florida (1994) and in Rhode Island School of Design (1997).
Following a 1996 visit to Taiwan (his first since emigration to USA),
was drawn to the themes of displacement, assimilation, cultural identity
and racial politics. Yeh then moved to New York, showing his work at
Columbia University, the Bronx Museum of Art and the International
Center of Photography. In 2002 he decided return to Taiwan, becoming a
very active artist and curator. His work is exhibited o collects around
the world, and his photographic or textual projects explore the dynamics
of the human being as an individual in relation to collective
practices. Currently lives and works in Yangmei (Taiwan).
Ting-Ting Chen was born in 1985 in Taipei. She
graduated in Advertising and Public Relations at the Fu-Jen University
and moved to London where she studied photography at the University of
Westminister (2009) and graduated in Fine Arts from Goldsmiths College
(2014). Her work is has exhibited in solo exhibitions organized at the
Taipei Fine Art Museum, the Grand Siècle Gallery (Taiwan), Identity Art
Gallery (Hong Kong), Gallery Nomart (Osaka, Japan), Addaya Palma and
Luis Adelantado Gallery, in Spain. She has also participated in
exhibitions. Collectives at ARCO Madrid, the Bi.City Biennale of
Urbanism-Architecture in Shenzhen (People’s Republic of China), III
Moscow International Biennale for Youg Art, KuanDu Museum (Taipei),
National Taiwan Museum of Fine Arts, National Art Museum of China
(Beijing), Art 14 (London) and Art Stage Singapore, among others. In
2012 she was selected among the 40 artists Asia’s most relevant
publications by Hong Kong’s Perspective Magazine.
Liu Ho-Jang was born in 1972 in Taipei (Taiwan). He graduated in 2002 from the Creative Institute of the Queen’s College of the City University of New York. His work reflects on identity photographic in the context of contemporary society. In 2011, his work was published in Aster. Magazine. His exhibitions include Sculpture Games, Fields, at the Tapei University of. Arts (2019); Super Daily, at the Taipei Biennial (2018); Wuzhong Accounting Painting-Reality Virtual, at the Taipei Fine Arts Museum (2017); Key Meditation, at the Asian Biennale (2017); Public Spirit, at the Ujazdowski Castle – Center for Contemporary Art, in Warsaw (2016); City Charm, at the Kaohsiung Museum of Fine Arts, in Taiwan (2015); and New York, in Queens International Biennale, organized by the Queens Museum in New York (2013). The photographer lives and works in Taipei and Tainan and is a full-time professor at the Institute of Plastic Arts from the Tainan University of Fine Arts.
Curator: CHUN-CHI WANG
Artists: WEI-LI YEH LIU HO-JANG CHENG TING-TING
Organize: IDOLON STUDIO (Union of European Asian Artists), IDOLON LAB
Co-organizers: HOMESESSION, CULTURAL DIVISION OF THE TAIPEI ECONOMIC AND CULTURAL OFFICE IN SPAIN
Official Partners: MINISTRY OF CULTURE OF TAIWAN, DEPARTMENT OF CULTURAL AFFAIRS, TAIPEI CITY GOVERNMENT
Collaboration: ESPRONCEDA – INSTITUTE OF ART AND CULTURE
Cinco artistas taiwaneses que han pasado por la residencia artística Homesession, en Barcelona, durante los últimos cinco años, presentan de forma virtual el fruto artístico de su trabajo en España mediante una exposición virtual que se inaugura el próximo 8 de octubre y a la que se puede acceder a través de la web www.taiwan-artistinresidence.barcelona
La Oficina Económica y Cultural de Taipéi en España, en colaboración con Homesession Arts Space and Artist in Residence Barcelona, lanzan este proyecto virtual, titulado “Residencias de Artistas de Taiwán en Barcelona”, con la obra de estxs cinco taiwaneses, que han participado entre 2015 y 2019 en el proyecto de esta residencia, enfocado en la creación de artes visuales y la experimentación interdisciplinar.
La exposición refleja el trabajo en Barcelona de lxs artistas Yu-Hang Huang, Wei-Chia Wu (Veeeky), Shu-Jung Chao y lxs comisarios Shao-Hung Cheng y Chun-Chi Wang, y lo hace a través de textos, imágenes y entrevistas en las que comentan su experiencia artística, haciendo énfasis en la diversidad de prácticas artísticas en la escena actual del arte contemporáneo de Taiwán.
Este catálogo en línea es accesible al público nacional e internacional al estar traducido en tres idiomas: castellano, inglés y mandarín.
El proyecto cuenta con el apoyo del Ministerio de Cultura de Taiwán y la Oficina Económica y Cultural de Taipei.
ENG_
Five Taiwanese artists who have been in the Homesession artistic residence in Barcelona over the last five years, present the artistic fruit of their work in Spain in a virtual exhibition that opens on October 8 and can be accessed through the website www.taiwan-artistinresidence.barcelona
The Economic and Cultural Office of Taipei in Spain, in collaboration with Homesession Arts Space and Artist in Residence Barcelona, is launching this virtual project, entitled “Taiwan Artists in Residence in Barcelona”, with the work of five Taiwanese artists who have participated between 2015 and 2019 in this residency project, which focuses on the creation of visual arts and interdisciplinary experimentation.
The exhibition reflects the work in Barcelona of the artists Yu-Hang Huang, Wei-Chia Wu (Veeeky), Shu-Jung Chao and the curators Shao-Hung Cheng and Chun-Chi Wang, through texts, images and interviews in which they comment on their artistic experience, emphasizing the diversity of artistic practices in the current scene of contemporary art in Taiwan.
The project is supported by Ministry of Culture of Taiwan and Taipei Economic and Cultural Bureau.
El jurado ha decidido conceder la beca de artes visuales de la Fundación Güell al artista Aldo Urbano.
El jurado, compuesto por Martina Milla, jefa de exposiciones de la Fundación Joan Miró, Margot Cuevas, comisaria independiente, Olivier Collet y Jérôme Lefaure, codirectores de Homesession, destaca el gran potencial de su proyecto expositivo y editorial concebido como “una aproximación poética a la historia del arte”: el perfil propio y la trayectoria del artista ofrecen perspectivas prometedoras para las exposiciones previstas para el año que viene al Palau Güell y a Homesession.
Agradecemos el entusiasmo y los esfuerzos de todos/as los/las artistas que han enviado sus proyectos en el marco de la convocatoria de beca de la Fundación Güell.
Aldo Urbano (1991) Ha mostrado su trabajo individualmente en espacios como Bombon Projects (Barcelona, 2020), EtHall (Barcelona, 2018) o la Galería Balaguer (Barcelona, 2016), y ha colaborado en dúo en muestras como el programa Composiciones del Barcelona Gallery Weekend o “Assumpte: una forta intuïció” (MNAC, 2018). Ha expuesto en ferias como ARCO (Madrid), SWAB (Barcelona) o NADA (Miami). Recibió el premio GAC al artista emergente 2018, la beca Guasch Coranty 2014 y la beca de edición de la Sala d’Art Jove, con la cual publicó el cómic “Un bosque cuyo incendio se ha extinguido”. Actualmente es residente en Hangar (Barcelona).
Homesession es uno de los 11 espacios independientes invitados a partipar en la sessión Swab Seed que cuenta con el patrocinio de la Fundació Vila Casas. Homesession presenta en su stand virtual obras de lxs artistas Helena Vinenty Joan Pallé
Homesession is one of the 11 independent spaces invited to participate in the Swab Seed session sponsored by the Fundació Vila Casas. Homesession presents works by the artists Helena Vinentand Joan Pallé
Homesession y el MNAC Museo Nacional de Arte de Catalunya, colaboran por primera vez impulsando el proyecto TENORA del artista Fito Conesa que empezará en 2020 en el marco de MUSICA D’ACCIÓ(?) programado por ARTefACTe y seguirá su desarrollo en 2021. Esta inédita colaboración entre estas instituciones geograficamente vecinas pero profundamente diferentes – por un lado una entidad pública con más de 90 años de recorrido y dotada de la más importante colección de arte del País y por el otro un espacio independiente fundado en 2007 enfocado al apoyo de artistas emergentes, tanto nacionales como internacionales – responde a la vocación común a ambas entidades de de generar nuevos conocimientos a través de la práctica artística y ponerlos al al servicio del público.
Tenora, Fito Conesa, 2020
TENORA(hacia la patrimonialización de lo performativo) deFITO CONESA
Actividades en MNAC y Homesession 2020
30 de septiembre, Performance de Fito Conesa. MNAC, 18h
2 y 3 de octubre. Instalación de Fito Conesa, Homesession (de 17 a 20h)
TENORA abre un espacio al estudio y a la necesidad (o no) de concebir la performance y la música de acción como elementos del ecosistema de bienes culturales inherentes a lo humano, poniendo un especial interés en las performatividades o sonoridades perdidas en el transcurso de los siglos pasados y en la música de acción como detonador artístico en los movimientos culturales recientes.
Fito Conesa -Artista y programador – Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Ha trabajado impartiendo y elaborando talleres para el departamento educativo de la Fundación “la Caixa”. Trabajó como director de arte de la campaña «Santo Domingo Verde» para el ayuntamiento de Santo Domingo (República Dominicana) y formó parte del equipo tutorial de la Sala d’Art Jove (2012). Sus trabajos han sido expuestos en diferentes museos y festivales como Oslo Screen Festival 2010, Barcelona Loop Fair 2009-2012, Festival Internacional de Poesía de Barcelona, Centro Cultural Español de la República Dominicana, Matadero Madrid, CaixaForum (Lleida, Tarragona, Barcelona). Ha participado en diversas publicaciones como Zeitgeist: Variations & Repetitions (Save as… publications, 2010), Unique Window Display (Loft Publications, 2009) y Suite for Ordinary Machinery (Save as… publications, 2008). Con esta última pasó a formar parte de los fondos de la biblioteca de la Tate Modern (Londres), el Museo de Arte Contemporáneo Reina Sofía y el MACBA. Conesa es ganador de la Beca Exchange de Homesession para una residencia en l’Ecart (Quebec) en 2021. Desde 2014 hasta el otoño de 2017 dirigió y coordinó la Habitació 1418, el proyecto del CCCB y el MACBA para jóvenes de 14 a 18 años.
TENORA forma parte de la programación de MUSICA D’ACCIÓ impulsado por ARTefACTe.
Alba García i Allué, artista en residencia en Homesession en el mes de septiembre, presenta su instalación audiovisual: Filtrar lo sólido
Alba García i Allué – Filtrar lo Sólido, instalación audiovisual, 2020.
FILTRAR LO SÓLIDO
Opening: 17 de Septiembre de 17 a 21h. (Entrada por grupos de 5 personas.)
Exposición abierta del 18 al 20 de septiembre con reserva previa (escribir a albagarciallue@gmail.com)
Filtrar lo sólido es el resultado de una investigación artística que busca participar de la creación de un imaginario colectivo ecofeminista que replantee la percepción de los límites del propio cuerpo, para poder repensar nuevas formas más éticas de habitar y de relacionarnos con el entorno y con los organismos que lo conforman. El proyecto se centra en el medio tecnológico como ejemplo de corporalidad expandida, desterritorializada y descentralizada de un organismo principal, el cual teje una interconexión planetaria mediante el flujo de energía y de información. La intención plástica reside en encontrar una representación de la simbiosis entre máquina y humano fuera de los sistemas de producción. Tal cuestión obliga a retomar la perspectiva de género para repensar la relación que ha establecido el hombre con la corporalidad tecnológica en la era industrial, y como esa batalla para evitar la obsolescencia física en el sistema de producción se ha proyectado tanto en el cine de ciencia-ficción. Habitamos un mundo globalizado e interconectado donde Internet representa el gran cuerpo invertebrado y planetario que se autogestiona a partir de la subjetividad actual basada en los intereses del capital. La mujer cíborg puede devenir una poderosa subjetividad, feminista y ecológica, que trabaje en la reconstrucción de un imaginario basado en el equilibrio entre las diferentes corporalidades que conforman el ecosistema. Pretende así rehuir de todo sistema piramidal y competitivo y reconciliar la coexistencia entre comunidades. La búsqueda de una concepción rizomática e interespecie de la propia identidad se formaliza en una instalación audiovisual que recreau un escenario postapocalíptico de la rebelión de las máquinas, las cuales evidencian su presencia en el espacio expositivo mediante el recurso sonoro. Ordenadores, pantallas, altavoces y proyectores forman parte del gran organismo planetario de Internet, donde la información se transforma en el flujo interconector de los cuerpos. Los distintos aparatos maquínicos conforman Las voces sin cráneo, una pieza sonora en la cual participan cinco voces sintéticas que articulan un diálogo entre ellas de manera simultánea. Las voces explican al espectador el proceso de producción de la voz mediante movimientos mecánicos, desplazamientos de aire y su vibración en los huecos del cuerpo. Son las voces liberadas de los frágiles cuerpos humanos y de sus connotaciones sociales. La pieza sonora se articula con la obra visual Estoma. Un montaje que resulta de una serie de performances telemáticas, que surgen a partir de la acción colectiva de escaparse de sí mismo, fluir por el propio cuerpo, meterse dentro o sacarlo hacia afuera, como expresión de invertebrarse y abandonar el propio cuerpo.
BIOGRAFÍA
Habiendo finalizado una estancia en la Universidad Politécnica de Valencia, Alba García i Allué (Barcelona, 1997) se encuentra acabando el trabajo de fin de grado de Bellas Artes en la Universidad de Barcelona. Ha recibido becas de residencia artística en Ca la Dona y en La Escocesa (Barcelona). Ha impartido cursos de creación en OMV València, realizó un proyecto de memoria histórica con el Ayuntamiento de Tagamanent y participó en exposiciones colectivas en Can Ricart y Santa Eugènia del Congost (Barcelona). Centra su producción artística interdisciplinar en el imaginario que envuelve la crisis climática provocada por el contexto socioeconómico y su proyección en las nuevas subjetividades corpóreas. Este imaginario gira entorno a los límites físicos de la materia y a la interconectividad con el resto de organismos planetarios. Experimenta las fronteras del propio cuerpo estableciendo relaciones morfológicas y procesuales entre lo tecnológico, lo orgánico y lo arquitectónico en este sistema de engranajes afectivos el cual llamamos Naturaleza.
Stefan Lukić is the artist selected to carry out a residency in October in HOMESESSION within the framework of the collaboration agreement EXCHANGE with Belgrade Artist in Residence
Stefan Lukić (born 1985) is a Serbian visual artist whose vision is to record the universal state of being in transit, migration, and while on the road. He is intrigued by travellers and eyewitnesses and so he presents them through his art. Roads, distances, and we as travellers become the connection between places, ideas and people.
Paintings of Stefan
Lukić almost allways
speak about the proces of seraching, and tranistion points – expresing the
feelings of constant flux, moving that never ends. He reminds us that it is all
about the journey , and not about the destination. He values the wanderings on
the road, and less the final goal. In his paintings you’ll find how we are
seeking, and not what we are seeking.
Stefan Lukić graduated from the Faculty of Applied Arts in Belgrade in 2018. He spent his third year of Bachelor studies at the Academy of Fine Arts in Paris (ENSBA). He is currently a student of Master studies at the Faculty of Fine Arts in Belgrade. He attended the Masterclass at the Royal Academy in Amsterdam (Rijksakademie van beeldende kunsten) in 2019. He received the Award for Best Painter of the Year by the Faculty of Applied Arts in 2016. He has had several solo exhibitions, including: “Interspace” at U10 Art Space, YUGOnostalgia at the Užice National Theater, Obverse and Reverse at the National Museum in Kragujevac. He has exhibited in group shows in Paris, Belgrade, Novi Sad, Niš and Kragujevac amongst others. He’s currently living and working in Belgrade.
