We welcome the new artist in residence at Homesession during the months of March and April: Janosch Jauch
Janosch Jauch (*1985 Karlsruhe, Germany) lives and works in Düsseldorf, Germany. He graduated in sculpture and painting at the Kunstakademie Dusseldorf 2014, under the teaching of Georg Herold, Andreas Gursky and Ludger Schwarte He has shown his work at Galeria Joan Prats (2019, Barcelona), Kunsthaus Essen (2019), Bistrot21 (2018, Leipzig), Storage Capacité (2018, Berlin), Swab (2018, Barcelona), Espositivo (2018, Madrid), Museum Kunstpalast (2013, Düsseldorf), among other places.
Performance de Sergi Botella que une la oralidad y el esfuerzo físico a partir de un texto semi-autobiográfico, fragmentado y poliédrico.
Un crash pad es un colchón portátil para practicar escalada en bloque al aire libre, pero que, en la práctica, puede acoger cualquier otro tipo de caída, física o emocional. En este caso, también hace alusión a otras constantes en la obra de Sergi Botella: por un lado, a los accidentes de coche, las gafas rotas y las caídas en profundidad. Por el otro, el de los pads, la escritura o la música electrónica.
Con la colaboración de: Foment Excursionista de Barcelona, Caterina Almirall y Violeta Mayoral.
Actualmente el trabajo deSergi Botella (Terrassa, 1976) toma forma en presentaciones performáticas, texto y sonido. Un ejercicio a medio camino entre la electrónica sonora y la remezcla vivencial. Utiliza su entorno afectivo, así como lo próximo y cotidiano para provocar nuevas situaciones desde lo íntimo, reordenado el conjunto de posibilidades. Sus explicaciones ejemplificadas fluyen en una atmósfera cargada de mentiras autosugestionadas y de los relatos más honestos que se sujetan unos a otros.
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CRASH PAD
Performance de Sergi Botella que uneix l’oralitat i l’esforç físic a partir d’un text semi-autobiogràfic, fragmentat i polièdric.
Un crash pad és un matalàs portàtil per a practicar escalada en bloc a l’aire lliure, però que, a la pràctica, pot acollir qualsevol altre tipus de caiguda, física o emocional. En aquest cas, també fa al·lusió a altres constants en l’obra de Sergi Botella: per un costat, els accidents de cotxe, les ulleres trencades i les caigudes en profunditat. Per l’altre, el dels pads, l’escriptura o la música electrònica.
Amb la col·laboració de: Foment Excursionista de Barcelona, Caterina Almirall i Violeta Mayoral.
Actualment el treball deSergi Botella (Terrassa, 1976) pren forma en presentacions performàtiques, text i so. Un exercici a mig camí entre l’electrònica sonora i la remescla vivencial. Utilitza el seu entorn afectiu, així com el proper i quotidià per provocar noves situacions des de l’íntim, reordenat el conjunt de possibilitats. Les seves explicacions exemplificades flueixen en una atmosfera carregada de mentides autosugestionadas i dels relats més honestos que subjecten uns als altres.
En el primer momento, todo se mueve y el dibujo se hace. Se libera una determinada forma de pensar. Un tipo de pensamiento que quiere producir cosas ; y que existe efectivamente al producir algo.
Este objeto, una vez producido, parece a su vez transmitir siempre el mismo mensaje: perdurar. Por lo tanto, el movimiento cesa. Se sustituye el movimiento del primer momento por una constitución estable. En el lugar del trabajo, emerge una composición, un nuevo estado, un nuevo ser que debe asentarse en un tiempo sin limites.
En el intervalo, existe sin embargo un tercer momento que es tan fugaz que parece una simple puntuación. Algo que se sitúa exactamente entre aquello que se movía y esto que empieza a estabilizarse.
Poética y estética, ser y devenir, dibujo y dibujado : es
en este misterioso punto límite de superposición de los dos estados que
una composición surge, se posiciona y se defiende, tanteando el
equilibrio entre la vida y la materia.
La
composición es la decisión de extraer todo aquello que perdura en el
tiempo del movimiento y, a su vez, extraer el movimiento revolucionario
de lo que pretende permanecer intacto.
Justo allí, entre-estados, en ese preciso instante entre estos distintos momentos, un instante similar
al que une sueño y vigilia y que es a la vez límite y transición entre
el yo y el mundo, algo apunta a la forma que debe tener el dibujo,
aquella justa constitución que condensa en sí el flujo de la vida y la
integridad de todos los cuerpos.”
Carlos Issa
Carlos Issa nació en São Paulo, Brasil, donde vive y trabaja. Su investigación incorpora el dibujo abstracto, el arte sonoro, el diseño experimental y la fotografía. Ha publicado una serie de libros de artista que se pueden encontrar en instituciones como Printed Matter en Nueva York, Motto, en Berlín, así como Tijuana, en São Paulo.
Es muy conocido por su proyecto de música experimental fundado en 1999 llamado Objeto Amarelo que explora las diferentes capas de sonido tanto en el estudio como en el escenario y fue uno de los primeros grupos en presentarse en las galerías de arte de Brasil, cuenta con unos cuantos álbumes que dialogan con la performance en vivo sin reproducirla, y con colaboraciones con muchos nombres importantes de la música brasileña. Como Objeto Amarelo, Carlos Issa también desarrolló un lenguaje visual muy poderoso utilizado en las portadas y carteles de la banda.
Su práctica también opera dentro de un campo más amplio; ha organizado y participado en exposiciones independientes aplicando métodos de exhibición DIY que anticiparon, a finales de los años 90, la multiplicidad de medios y vehículos para la circulación del arte, tanto dentro como fuera del mercado. Ha trabajado como curador de eventos de música experimental y colectivos de arte como “Supercollina”, en la Galería Logo, y “Conversão”, en la Galería Sé, ambas en São Paulo, Brasil. Ha participado en exposiciones colectivas tanto en el Brasil como en el extranjero, como “Tropical Funk” en la Whitechapel Gallery de Londres y “Dobra”, en la Ferme du Buisson, en París. Tuvo una exposición individual que se celebró en 2017 en la NADA. Desde 2018 está representado por la Galeria Sé y tuvo su primera exposición individual completamente dedicada a su práctica visual contemporánea.
La residencia de Carlos Issa es fruto de la colaboración entre Homesession y la Galeria Sé de Sao Paolo.
Fito Conesa es el artista ganador de la convocatoria para la Beca de movilidad Exchange para una residencia de un mes en l´Écart (Quebec, Canada) en agosto 2020.
La colaboración entre Homesession y el centro de creación L´Écart de Quebec, empezada en 2019, tiene como objetivo apoyar la visibilidad y el crecimiento artístico tanto de artistas quebequenses como de artistas catalanes.
El jurado quiere agradecer a todxs lxs partipantes a la convocatoria y destaca la calidad de la spropuestas recibidas.
Fito Conesa, Artista y programador. Licenciado en Bellas Artes por la Universidad de Barcelona. Ha trabajado impartiendo y elaborando talleres para el departamento educativo de la Fundación “la Caixa”. Trabajó como director de arte de la campaña «Santo Domingo Verde» para el ayuntamiento de Santo Domingo (República Dominicana) y formó parte del equipo tutorial de la Sala d’Art Jove (2012). Sus trabajos han sido expuestos en diferentes museos y festivales como Oslo Screen Festival 2010, Barcelona Loop Fair 2009-2012, Festival Internacional de Poesía de Barcelona, Centro Cultural Español dela República Dominicana, Matadero Madrid, CaixaForum (Lleida, Tarragona, Barcelona). Ha participado en diversas publicaciones como Zeitgeist: Variations & Repetitions (Save as… publications, 2010), Unique Window Display (Loft Publications, 2009) y Suite for Ordinary Machinery (Save as… publications, 2008). Con esta última pasó a formar parte de los fondos de la biblioteca dela Tate Modern (Londres), el Museo de Arte Contemporáneo Reina Sofía y el MACBA. Desde 2014 hasta el otoño de 2017 dirigió y coordinó la Habitació 1418, el proyecto del CCCB y el MACBA para jóvenes de 14 a 18 años.
Homesession continues to collaborate with Galeria Sé in Brazil by receiving this year the artist Carlos Issa who will be a resident of Homesession during January and February, before leaving for the Feria Arco in Madrid.
Carlos Issa was born in São Paulo, Brazil, where he lives and works. His research incorporates abstract drawing , sound art, experimental design and photography. He has a published a series of artist’s books that can be found in institutions such as Printed Matter in New York, Motto, in Berlin, as well as Tijuana, in São Paulo.
He is well known by his experimental music project funded em 1999 called Objeto Amarelo that explores the various layers of sound either in the studio and in the stage and was one of the first groups to be presented in art galleries in Brazil, he has a few albums that dialogue with the live performance without reproducing it , they collaborate with many important names of Brazilian music. As Objeto Amarelo, Carlos Issa also developed a very powerful visual language used in the covers and posters of the band.
His practice also operates within a broader field; he has organized and participated in independent exhibitions applying DIY exhibition display methods which anticipated, at the end of the 1990’s, the multiplicity of means and vehicles for the circulation of art, both inside and outside of the market. He has worked as a curator of experimental music events and art collectives such as “Supercollina”, at Galeria Logo, and “Conversão”, at Galeria Sé, both in São Paulo, Brazil. He has participated in group exhibitions both in Brazil and abroad, such as “Tropical Funk” at Whitechapel Gallery in London and “Dobra”, at Ferme du Buisson, in Paris. He had a solo exhibition that was held in 2017 at NADA. Since 2018 he has being represented by Sé and had his first solo show fully dedicated to his contemporary visual practice.
“Mi proyecto inicial consistía en realizar concreciones de ciudades, es decir en reducir las fracturas estéticas que existen en el espacio urbano, entre las zonas turísticas, las comerciales, las zonas en desuso o las franjas intermedias, mediante la composición de un “objeto-souvenir total”. Es finalmente en el residuo, en todo aquello que los habitantes desechan o abandonan, que he hallado una porosidad. No se trata aquí de archivar estos fragmentos, sino de producir posibles relatos por la hibridación, el ensamblaje y la remezcla. “
T.L.
Thierry Liegeois es artista residente durante los meses de noviembre y diciembre, en el marco del programa de intercambio entre art3 (Valence France) y Homesession. El programa de intercambio cuenta con el apoyo del Institut Ramon Llull y de la Région Auvergne-Rhône-Alpes.
Thierry Liegeois nació en 1983 en Montbéliard (Francia). Después de mostrar su trabajo en los Módulos del Palais de Tokyo en 2012 y participar en el programa de IAC Villeurbanne Galeries Nomades, Liegeois fue invitado a exposiciones personales, incluyendo Le syndrôme Murray Futterman con el colectivo Or Nothing en Bruselas en 2013, Cacography en el Lab 47 en 2015 y Glitch City en el Unicorn Center For Art en Pekín, en el 2016, Wet Hill en la Fundación Renaud durante la Bienal de Lyon, y Off Cells en Le 19, Crac, Montbéliard en 2017. Participó en varias exposiciones colectivas, entre ellas Machination(s), Galerie Eric Mouchet, París, Les Hommes de la Mancha, Double V Gallery, Marsella, y Jörmungandr Hybraxxx, Wonder/Liebert, Bagnolet. Las investigaciones de Thierry Liegeois toman la forma de una reflexión sobre el presente como un entorno desordenado y no ideal. Sus piezas, que suelen basarse en una confrontación irinica de símbolos y referencias, están impregnadas de una postura crítica -a veces con humor- hacia las discrepancias de clase y las diferencias sociales y estéticas en las que vivimos. Los sitios que explora suelen estar asociados a géneros populares, vernáculos, los terrenos donde crecen las contraculturas y subculturas. Las instalaciones de Liegeois movilizan y mezclan la escultura, la escenografía, la diversión de los objetos, el vídeo y el sonido, buscando relacionar estrechamente la obra con su contexto de producción y exposición.
HOMESSION abre una convocatoria para ofrecer 1 beca para 1 artista catalan para una residencia artística de un mes en Rouyn-Noranda (Quebec) del 4 de agosto al 7 de septiembre de 2020.
La Convocatoria se enmarca dentro del programa de colaboración EXCHANGE entrel’Écart y Homesession in Barcelona. El objetivo de esta colaboración es impulsar la visibilidad y el crecimiento artístico tanto de artistas quebequenses como de artistas catalanes.
El jurado compuesto por miembros de l’Écart seleccionará un artista para pasar un mes de residencia + exposición en el centro artístico l’Écart.
La fecha límite de inscripción es el 30 de noviembre de 2019.
Destinatario/as:
Artistas catalanes (40 años como máximo):
El /la artista debe ser originario/a de Cataluña o vivir en ella en la actualidad. Se requiere un nivel de inglés o francés de trabajo.
La beca: El/la artista seleccionado recibirá de l’Écart: >Alojamiento gratuito (apartamento, estudio), >honorarios de residencia 1000$CAN, >gastos de manutención 500$CAN, >honorarios de la exposición 2000$CAN. Los gastos de viaje correrán a cargo del artista.
La artista balear Mari Jo Ribas becada con una residencia de dos meses en Belgrado (Serbia) presentará su trabajo el proximo 27 de noviembre en el Kulturni Centar Magasin.
La residencia es parte del programa de movilidad internacional de Homesession Exchange, y cuenta con el apoyo del Insititut Ramon Llull y del centro Belgrade Artist in Residence.
Azahara Cerezo, becada con una residencia de dos meses en Francia presenta su trabajo en art3 el próximo jueves 22 de noviembre.
La exposición “Homepage to labour” podrá verse hasta el 29 de noviembre.
“Homepage to labour” es un gesto inacabado a partir de una falla escultórica que se encuentra en Ivry sur Seine, a las puertas de París, una restitución simbólica de un monumento al trabajo desde las geografías laborales de lo inmaterial, la deslocalización, la competencia y la inmediatez.
El programa Exchange de movilidad internacional de Homesession cuenta con el apoyo de Région Auvergne-Rhône-Alpes e Institut Ramon Llull
El jurado formado por Roberta Bosco (periodista y comisaria), Jordi Garrido (comisario independiente ) Olivier Collet y Jérôme Lefaure (directores de Homesession) después de un intenso debate generado por la calidad de las propuestas recibidas, han seleccionado el proyecto de Helena Vinent : Hay una red muy basta, un océano de posibilidades, como ganador de la Beca Artes Visuales 2019 de la Fundació Güell.
El jurado ha valorado positivamente el planteamiento riguroso del proyecto presentado, la coherencia del proceso de investigación y de la propuesta de presentación pública que anticipa. Se ha destacado también la calidad del trabajo de la artista, su reflexión crítica acerca de temáticas actuales llevado a cabo a partir de la exploración y transformación de contenidos visuales y discursivos.
El
jurado quiere destacar la calidad de las 39 propuestas recibida a la
convocatoria y agradecer la participación y el compromiso de cada uno de
los artistas que nos han hecho llegar su proyecto.
Helena Vinent(Barcelona 1988) trabaja con múltiples contenidos visuales y discursivos que produce o de los que se apropia de distintos medios, para luego remezclarlos, postproducirlos y resignificarlos configurando un universo propio que muta en función de cada proyecto. Actúa sobre las significaciones universalmente reconocibles, y las desplaza con tal de cambiar ciertas lógicas de sentido para así señalar como nos construimos en el contexto de un capitalismo audiovisual donde la información no fluye en el vacío, sino que se presenta en un marco político y tecnológico de control que permanece supeditado a relaciones de poder. Disociación, subtítulos, ruido, no-sonido, espacio virtual, aceleración tecnológica, nueva carne, código, lenguaje, construcción de la verdad, error, traducción, políticas de control de los cuerpos, futuros especulativos e informaciones extremas son varias designaciones que pueden servir para definir sus líneas de investigación. Su práctica es fragmentaria y no se limita a una disciplina concreta. Explora los límites de los distintos lenguajes para configurar su obra, que puede materializarse mediante vídeos, fotocopias, esculturas, acumulación de archivos, prótesis, acciones, instalaciones, distribuciones expandidas o todas estas cosas a la vez. Actualmente su trabajo profundiza en aspectos de la construcción indentitaria de los cuerpos tullidos y monstruosos, en el sentido más amplio del término. Desde la reflexión crítica y su posicionamiento como sorda y como discapacitada pretende abordar los campos de la teoría cuir-queer / crip, proponiendo relatos que especulan sobre otras realidades, cuerpos y imaginarios que permiten desviar la atención sobre las normas imperantes, sobrepasando la idea de lo que significa ser humano.
Ha expuesto su obra en distintos espacios a lo largo de los últimos años. Entre ellos destacan la galería etHall dentro del marco de Art Nou, el Festival Embarrat, el Festival Loop, el espacio independiente Saliva, Sala d’Art Jove, el Festival Panoràmic, el premio Miquel Casablancas, el espacio de Sant Andreu Contemperani y el Arts Santa Mònica. Ha sido residente en Fabra i Coats bajo la beca per a Artistes Visuals SAC-FiC y actualmente es artista residente en Hangar. Este año anterior ha ganado la Beca de Creación Guasch Coranty y la Beca de producción de Hangar. Más allá de su práctica individual ha participado en la organización de distintas exposiciones, eventos y proyectos colectivos, como las Jornadas Mutantes, o la gestión del espacio Sala Usurpada.
