Entrevista a la artista Giuliana Racco

Entrevista a la artista Giuliana Racco

Giuliana Racco ha llevado a cabo los talleres Revelando dentro del programa En col·lectiu de Homesession

(English bellow)

Entrevistamos a la artista Giuliana Racco, la cual ha dirigido “Revelando”: un proyecto artístico participativo que se desarrolla a través de una serie de talleres prácticos centrados en la identidad, la migración y la exclusión social (o in/exclusión) y su relación con las prácticas alimentarias, a través de la fotografía sostenible como medio de expresión, creación y auto-narración.

1.  ¿Qué significado tiene para ti la palabra “revelar”? ¿Y su contrario: “ocultar”?

En mi trabajo, me enfoco en “revelar” en el sentido de poner atención o enmarcar ciertas realidades ya existentes para hacerlas visibles, tangibles, audibles. 

En este taller me interesó el juego de la palabra “revelar” en español que se refiere a la fotografía, lo que se revela en el cuarto oscuro: una imagen que ha sido registrada en una superficie fotosensible a través del proceso de exposición a la luz. Aunque es puramente física (se cree que la óptica detrás de la fotografía estenopeica fue desarrollada por primera vez por el erudito árabe Ibn Al-Haytham [945-1040]) y química (en términos de los procesos químicos involucrados) hay algo mágico en el proceso de hacer que la imagen aparezca. La llegada de la fotografía digital ha cambiado por completo nuestra relación con la fotografía y, de hecho, ahora estamos revelando mucho más de nosotros mismos a través de las redes sociales y otras plataformas digitales.

2. En varios de tus proyectos artísticos la luz es un elemento determinante, ¿qué papel tiene este elemento en este proyecto en concreto? ¿encuentras alguna relación con otros de tus proyectos?

La luz juega un papel central en varios de mis proyectos, desde I Miei Anni Invisibili hasta a-ab-ana-anti-anto-bis-contra-contro-de-di-dis–il-in-ir-ob-opo-sotto-sub: un papel tanto conceptual como estético. Conceptualmente por lo que revelan las distintas luces, por ejemplo, la luz negra que revela la mano de obra indocumentada en la Italia contemporánea, impresa con tinta invisible; estéticamente, por hacer algo visible como en el origen de “estética” del griego aisthetikos “perceptible”. Se trata de cambiar de perspectiva, de percibir las cosas de manera diferente, bajo una luz diferente.

3. En el proyecto Revelando, ¿cómo entiendes la simbiosis entre revelar la imagen y la palabra, es decir, las vivencias de lxs participantes?

Para mí los talleres de fotografía experimental funcionaron como un pretexto para desarrollar y profundizar en los aspectos relacionales y críticos del proceso. Las personas participantes en los talleres pudieron producir imágenes fijas semi-estables en papel utilizando alimentos y material reciclado. Dados los tiempos de revelado fotográfico requeridos en el pequeño cuarto oscuro, terminó siendo un espacio donde se compartían historias y experiencias. La libertad y el juego de experimentar con los materiales, cuyas funciones fueron subvertidas (por ejemplo, haciendo una cámara estenopeica con una calabaza) dio lugar a una a formas de expresión más creativas. Algunos de las participantes estaban más familiarizados con los procesos artísticos, otras personas eran completamente ajenas a éstos, lo que también permitió compartir conocimientos entre los participantes. 

4. En este proyecto artístico comunitario utilizas elementos orgánicos para realizar cámaras oscuras, ¿qué relación puede tener la fotografía con la sostenibilidad?

La toxicidad siempre ha sido un elemento presente en el revelado fotográfico analógico. Los productos químicos cáusticos han sido un elemento básico en los laboratorios. Ahora la fotografía digital ha cambiado esto, aunque tampoco podemos ignorar las implicaciones dañinas de nuestros dispositivos digitales, específicamente en relación con la extracción de coltán. 

En este sentido, en los últimos años se ha desarrollado la ‘fotografía sostenible’, es decir, la fotografía analógica experimental que utiliza material orgánico para el procesamiento y, a veces, también como soporte. Aunque no estoy particularmente enfocada en la fotografía sostenible, sentí que sería un buen campo para explorar con las personas participantes ya que la mayoría estaban familiarizadas con la cocina del Centre Cívic El Sortidor debido a los proyectos entorno a la alimentación en los que están involucradas. Era una forma de experimentar con materiales familiares en un contexto familiar pero produciendo resultados inusuales, resultados que incluso en alguna ocasión acabábamos comiendo en un momento final de discusión/conversación. 

Se trataba de transformar un laboratorio (la cocina) en otro tipo de laboratorio (fotográfico) y viceversa. Además, existe una larga historia de representaciones visuales de la comida, especialmente en términos de bodegones, mosaicos, pintura, fotografía, etc., sin mencionar la explosión del “foodporn”.

5. ¿Qué ha supuesto para ti colaborar con entidades sociales del barrio de Poble-Sec?

Uno de los objetivos del proceso fue “desvelar” la presencia vital de las personas migrantes y otras personas en condiciones de vulnerabilidad que acceden al centro cívico como un espacio relacional, sobre todo considerando el aislamiento (y el miedo) que se nos generó a todos a lo largo la pandemia.

6. Para llevar a cabo Revelando has colaborado con la artista Núria Marquès, ¿qué aporta al proyecto realizar colaboraciones entre artistas?

He trabajado de forma colaborativa intermitentemente a lo largo de mi trayectoria. Aprecio las perspectivas y puntos de vista que otrxs artistas pueden aportar al trabajo. También me permite quitarme el foco como “artista”, posibilitando otras ideas y enfoques distintos, lo cual es muy útil en un proceso social dinámico.

7. ¿Qué es lo que más te gustaría revelar sobre ti?

Depende del contexto. También aprecio mucho los conceptos de ocultar, ofuscar, oscurecer. No creo que todo el mundo deba ser nítidamente percibido todo el tiempo, especialmente si hablamos en términos de intimidad o cuando la seguridad puede verse afectada. Hay muchos pros y contras en la in/visibilidad…ser invisible también puede ser un superpoder.

Giuliana Racco, artista visual con una gran experiencia en proyectos artísticos dialógicos que analizan las experiencias de migración y in/exclusión llevados a cabo con comunidades y colectivos artísticos y no artísticos en diferentes contextos y países.

En este proceso artístico participa también la artista Nuria Marqués invitada a enriquecer los laboratorios y a contribuir al diseño de la publicación final.

DOSSIER DEL PROYECTO

Con la colaboración de: Obra Social La Caixa, Centre cívic Sortidor, La Capella, Pla d’Acollida Poble-sec per a tothom (Coordinadora d’entitats del Poble-sec) , Centre Residencial d’Inclusió Creu dels Molers (Sant Joan de Déu Serveis Socials), Bac Cuinetes (BarcelonActua) i Tasta’m (Servei Solidari)

——- ENG ——-

We interview the artist Giuliana Racco, who has directed “Revealing”: a participatory artistic project that is developed through a series of practical workshops focused on identity, migration and social exclusion (or in/exclusion) and their relationship with food practices, through sustainable photography as a means of expression, creation and self-narration.

1.What does the word “reveal” mean to you? And its opposite: “hide”?

In my work, I focus on “revealing” in the sense of placing attention or framing existing realities, making things more visible, tangible, audible. In this workshop, I was curious about the play on the word “revealing” in Spanish that refers to photography, what is revealed in the dark room: an image that has been registered onto a photosensitive surface through the process of exposing it to light. Though it’s purely physics – it’s believed that the optics behind pinhole photography was first developed by the Arab scholar Ibn Al-Haytham (945-1040) – and chemistry – in terms of the chemical processes involved – in making the image actually appear there is still something magical about it. The advent of digital photography has completely changed our relationship to photography, and in fact we are now revealing much more of ourselves than ever before through social media and other digital platforms.

2. In several of your artistic projects, light is an important element, what role does light play in this particular project? Do you find relationships with any of your other projects?

Light plays a central role in several project, starting with I Miei Anni Invisibili through a-ab-ana-anti-anto-bis-contra-contro-de-di-dis–il-in-ir-ob-opo-sotto-sub: conceptually, for what the different lights reveal, for example, the black light revealing undocumented labour in contemporary Italy, printed with invisible ink; aesthetically, for making something visible as in the Greek sense of aisthetikos “perceptible”. It is always about shifting perspectives, perceiving things differently, under a different light.

3. In Revelando, how do you understand the symbiosis between developing the image and revealing the stories, that is, the experiences of the participants?

For me the experimental photography workshops functioned as a conceptual pretext for the relational and critical aspects of the process. Participants were able to produce semi-stable, fixed images on paper using recycled material and food. Given the developing times required in that small dark room, it wound up being a space where stories and experiences shared. The freedom and playfulness of experimenting with the materials, whose functions were subverted, i.e., making a pinhole camera out of a pumpkin, allowed for an openness to more creative forms of expression. Some of the participants are well versed in the arts, others were completely alien to these, which allowed for knowledge sharing amongst the participants.

4. In this community arts project you use organic elements to make pin-hole cameras and to develop the images, what is the relationship between photography and sustainability?

Toxicity has always been an element of analogue photo development; caustic chemicals were a staple in labs. Now digital photography has changed this, though we can’t ignore the harmful implications of our digital devices, specifically in relation to coltan mining. In recent years, there has been the development of ‘sustainable photography’, that is experimental, analogue photography which uses organic material for processing and sometimes as a support. Though I am not specifically interested in sustainable photography, I felt it would be a good field to explore with the participants who were already familiar with the Civic Centre Sortidor’s kitchen due to the food-related projects of social inclusion they are involved with. It was a way to experiment with familiar materials in a familiar context but producing unusual results, some of which we would eat in the end in a closing moment for discussion/conversation. It was about transforming a laboratory (the kitchen) into another kind of laboratory (photographic) and back again. Also, there is a long history of visual representations of food, especially in terms of the still life, in mosaics, painting, photography and so on, not to mention the explosion of “foodporn.” 

5. What has it meant for you to collaborate with social entities of the Poble-Sec neighbourhood? 

One of the aims of the process was to ‘reveal’ the vital presence of migrants and other people in conditions of vulnerability who access the civic centre as a relational space, especially considering the isolation (and fear) that was wreaked on all of us throughout the pandemic. 

6. To carry out Revelando you have collaborated with the artist Núria Marquès, what does collaboration between artists bring to the project?

I have worked collaboratively on and off throughout my trajectory. I appreciate the perspectives and insights other artists can contribute to the work. It also takes the focus off of me as an “artist”, opening up ideas and presenting different approaches, which is very useful in a dynamic, social process. 

7. What would you like to “reveal” about yourself?

It depends on the context. I’m also very keen on concepts of hiding, obfuscating, obscuring. I don’t think everything should be perceptible to everyone all the time, especially in terms of intimacy or when safety is concerned. There are pros and cons to in/visibility…being invisible can also be a superpower.

Giuliana Racco is a visual artist with extensive experience in collective artistic projects that analyze the experiences of migration and in/exclusion and that are carried out with artistic as well as non-artistic communities and collectives in different contexts and countries.

The artist Nuria Marqués also participates in this artistic process, invited to enrich the laboratories and contribute to the design of the final publication.

DOSSIER OF THE PROJECT

Carried out in collaboration with: Obra Social La Caixa, Centre cívic Sortidor, La Capella, Pla d’Acollida Poble-sec per a tothom, Centre Residencial d’Inclusió Creu dels Molers (Sant Joan de Déu Serveis Socials), Bac Cuinetes (BarcelonActua) i Tasta’m (Servei Solidari)

Revelando: fotografía y comida. Presentacion del proyecto y de la obra.

Revelando: fotografía y comida. Presentacion del proyecto y de la obra.

REVELANDO – ENCUENTRO CON LA ARTISTA Y PRESENTACIÓN DE LA OBRA

Centre Cívic Sortidor (Plaça del Sortidor 15, Poble-sec)

11/10/2022, 18,30

Gratuito

Revelando es un proyecto artístico y participativo impulsado por Homesession, liderado por Giuliana Racco y realizado con la colaboración de diferentes entidades del barrio.

Se centra en la identidad, la migración y la in/exclusión social utilizando la fotografía sostenible como a medio de expresión, de creación y de autonarración para explicar historias personales de las participantes, vinculando arte y comer.

La artista Giuliana Racco, desvelarà la obra fotográfica de gran formato «Revelando» donde se plasma la fase creativa comunitaria y de reflexión crítica de los participantes. También se presentará el proceso creativo del proyecto con una publicación diseñada por la artista Nuria Marqués.

Presentación del proyecto Revelando a cargo de Giuliana Racco y Homesession

Con la colaboración de: Obra Social La Caixa, Centre cívic Sortidor, La Capella, Pla d’Acollida Poble-sec per a tothom, Centre Residencial d’Inclusió Creu dels Molers (Sant Joan de Déu Serveis Socials), Bac Cuinetes (BarcelonActua) i Tasta’m (Servei Solidari)

REVELANDO – TROBADA AMB L’ARTISTA I PRESENTACIÓ DE L’OBRA

11/10/2022, 18,30h

Revelando és un projecte artístic i participatiu impulsat per Homesession, liderat per Giuliana Racco i realitzat amb la col·laboració de diferents entitats del barri. Es centra en la identitat, la migració i la in/exclusió social utilitzant la fotografia sostenible com a mitjà d’expressió, de creació i d’autonarració per explicar històries personals de les participants, tot vinculant art i menjar.

L’artista Giuliana Racco, desvelarà l’obra fotogràfica de gran format Revelando on es plasma la fase creativa comunitària i de reflexió crítica dels participants. També es presentarà el procés creatiu del projecte amb una publicació dissenyada per l’artista Nuria Marqués.

Presentació del projecte Revelando a càrrec de Giuliana Racco i Homesession

Amb la col·laboració de: Obra Social La Caixa,  Centre Cívic Sortidor, La Capella, Pla d’Acollida Poble-sec per a tothom, Centre Residencial d’Inclusió Creu dels Molers (Sant Joan de Déu Serveis Socials), Bac Cuinetes (BarcelonActua) i Tasta’m (Servei Solidari)

Open Call / Residencia en Quebec- Canada / 2023

Open Call / Residencia en Quebec- Canada / 2023

Anna Irina Russell, « Lo que digo nunca es lo que digo sino otra cosa », ÉCART, 2022

HOMESESSION invites Catalan artists to apply for a 1 month artist residency in Rouyn-Noranda (Quebec) from August 1st until August 31th, 2023.

The Open Call is part of the Exchange collaboration program between l’Écart and Homesession in Barcelona. The goal of this collaboration is to increase the awareness, visibility, and artistic growth for both Quebecois and Catalan artists.

The jury composed by artists (members from l’Écart) will select one artist to spend a 1 month residency + exhibition at the artist-run center l’Écart.

Deadline for application is: October 10th, 2022.

>>CONDITIONS

Applicants will be notified via e-mail.

> Catalan Artists (40 years max): the artist must be originally from Catalunya or currently live there.

Applications should be sent to info@homesession.orgindicating Open Call Canada in the subject of the mail

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HOMESESSION invita a los artistas catalanes a solicitar una residencia artística de 1 mes en Rouyn-Noranda (Quebec) desde el 1 hasta el 31 de agosto de 2023.

La convocatoria forma parte del programa de colaboración de intercambio entre l’Écart y Homesession en Barcelona. El objetivo de esta colaboración es aumentar el conocimiento, la visibilidad y el crecimiento artístico de los artistas quebequenses y catalanes.

El jurado compuesto por artistas (miembros de l’Écart) seleccionará a un artista para que pase una residencia de 1 mes + exposición en el centro gestionado por artistas l’Écart.

La fecha límite para presentar la solicitud es el 10 de octubre de 2021.

>>BASES

>Dirigida a artistas catalanes (40 años como máximo): el artista debe ser originario de Cataluña o vivir actualmente allí.

Exposición de la artista Tinta Fina “Otro Paisaje en Crisis”

Exposición de la artista Tinta Fina “Otro Paisaje en Crisis”

Del 16 al 18 de septiembre se podrá ver en Homesession la nueva instalación de dibujo y relato inmersivo de Tinta Fina.

(English bellow)

Otro paisaje en Crisis hace uso de la narración gráfica y el dibujo envolvente para establecer conexiones entre las historias y las personas que las observan. La artista Tinta Fina propone una instalación donde la narración gráfica funciona como un reflejo satírico de los espacios y experiencias inmersivas tan en boga en la Barcelona turística actualmente. Experiencias que pretenden interpelarnos con la insistencia de todos los estímulos que pueda recibir un cuerpo.

Una investigación gráfica hecha de estrategias caseras y a mano, una experiencia inmersiva a la que se le ve el cartón y que defiende la cultura DIY frente a la impersonal perfección de los entornos 3D. Desde el placer, el humor y la provocación nos pide un esfuerzo de lectura de texto, de imágenes y significados frente a un marketing de dobly surround que mastica los contenidos.

Tomando la sala como punto central, se despliegan en las paredes escenas de la ciudad de Barcelona llenas de sucesos codificados en ilustraciones y diálogo extraídas de conversaciones escuchadas (a veces a escondidas) a conocidas o artistas.

Previamente a la inauguración de Otro Paisaje en Crisis, Tinta Fina nos trae un taller para desarrollar colectivamente una “sala de espejos” a modo de fun museum. Para desarrollarlo nos enseñará cómo desarrollar vivencias concretas en escenas entrelazadas a través del lenguaje de la narración gráfica. Más información sobre el taller aquí.

Nuria Inés (Tinta Fina) trabaja desde el relato gráfico y el cómic expandido como herramientas generadoras de comunicación y conocimiento. En sus proyectos se acerca a las narrativas vitales y personales de las otras buscando oportunidades de transcribir, en la narración de la experiencia, lecturas críticas de los contextos cotidianos con los que conecta directamente. Es artista residente en la Escocesa y este curso iniciará uno de los programas“En residencia” en el Instituto Vall de Hebrón con Experimentem amb l’Art. Ha publicado como ilustradora la novela gráfica “Padrines” escrita por Mariona Visa y publicada por Pagés Editors. En 2019 participó en la bienal de arte joven de Buenos Aires en Argentina gracias a una residencia de dos meses en el centro de arte Recoleta en colaboración con Hangar. Ha sido premiada por la Sala d’ art Jove de la Generalitat por el proyecto “Canción para Consuelo” con el que fue residente en Corniolo art platform, en Florencia, Italia. Forma parte del colectivo Julio, con el que participaron de la exposición “el arte irreducible” en la prisión Modelo y en las jornadas de la universidad popular del CA2M de Madrid. Participa habitualmente en proyectos de otros artistas o colectivos como relatora gráfica: en el proyecto “médiums” del colectivo DU-DA o “els enemics del poble i l’infern” de Lluc Mayol, entre otros.

En colaboración con La Escocesa.

ENG

Tinta Fina / Exhibition
Another Landscape in Crisis

Exhibition: 16.09.2022 – 18.09.2022
Opening hours: friday and saturday from 18h to 21h; sunday from 12h to 15h
Vermut + Guided visit: sunday at 13h

Another Landscape in Crisis uses graphic storytelling and immersive drawing to make connections between the stories told and the people who observe them. The artist Tinta Fina proposes an installation where the graphic narration works as a satirical reflection of the spaces and immersive experiences in vogue in the tourist Barcelona today. Experiences that seek to challenge us with the insistence of all the stimuli that a body can receive.

A graphic investigation made of homemade strategies and with what is at hand, an immersive experience that looks like cardboard and that defends the DIY culture against the impersonal perfection of 3D environments. With humor and provocation, it asks us to make an effort to decode texts, images and meanings versus a doubly surround marketing that chews up all content.
Taking the sapce as the central point, scenes from the city of Barcelona are displayed on the walls, full of events codified in illustrations and dialogues extracted from conversations (sometimes overheard secretly) from friends and artists.

Nuria Inés (Tinta Fina) works from the graphic story and the expanded comic as tools that generate communication and knowledge. In her projects, she approaches the vital and personal narratives of the others, looking for opportunities to transcribe, in the narration of the experience, critical readings of the daily contexts with which she connects directly. She is an artist in residence at the Escocesa and this year she will start one of the “In residence” programs at the Vall de Hebrón Institute with Experimentem amb l’Art. As an illustrator, she has published the graphic novel “Padrines” written by Mariona Visa and published by Pagés Editors. In 2019 he participated in the Buenos Aires Young Art Biennale in Argentina thanks to a two-month residency at the Recoleta art center in collaboration with Hangar. She has been awarded by the Sala d’art Jove de la Generalitat for the project “Canción para Consuelo” with which she was a resident at the Corniolo art platform, in Florence, Italy. He is part of the Julio collective, with which they participated in the exhibition “el arte irreducible” in the Modelo prison and in the sessions of the popular university of CA2M in Madrid. She regularly participates in projects by other artists or groups as a graphic narrator: in the “mediums” project of the DU-DA collective or “els enemics del poble i l’infern” by Lluc Mayol, among others.

Project carried out in collaboration between Homesession and La Escocesa   

Taller de dibujo inmersivo con Tinta Fina

Taller de dibujo inmersivo con Tinta Fina

Taller “Immersive Paper Mirror” con la artista Tinta Fina

Taller Paper Immersive Mirror

14.09.2022 de 19h a 20.30h

En La Capella (reservar plaza)

Dos días antes de su exposición “Otro paisaje en Crisis” en Homesession, la artista Tinta Fina nos trae esta propuesta de taller para explorar las infinitas posibilidades de la narración gráfica. Generaremos de forma colectiva una “sala de espejos” de papel y dibujo, donde las personas participantes se autorretratarán usando sus propias opiniones e ideas. Para ello, primero aprenderemos diversas estrategias y técnicas para convertir vivencias concretas  en escenas entrelazadas a través del lenguaje de la narración gráfica. Un entorno envolvente de imágenes dibujadas y celulosa flasheante, de paisajes y de formas cambiantes con las que después jugaremos performativamente: posando y haciéndonos selfies a modo de “fun museum”.

¡No es necesario saber dibujar para dibujar!

Las plazas son limitadas. Reserva la tuya escribiendo a lacapella@bcn.cat especificando en asunto Taller Tinta Fina.

Nuria Inés (Tinta Fina) trabaja desde el relato gráfico y el cómic expandido como herramientas generadoras de comunicación y conocimiento. En sus proyectos se acerca alas narrativas vitales y personales de las otras buscando oportunidades de transcribir, en la narración de la experiencia, lecturas críticas de los contextos cotidianos con los que conecta directamente. Es artista residente en la Escocesa y este curso iniciará uno de los programas “En residencia” en el Instituto Vall de Hebrón con Experimentem amb l’Art. Ha publicado como ilustradora la novela gráfica “Padrines” escrita por Mariona Visa y publicada por Pagés Editors. En 2019 participó en la bienal de arte joven de Buenos Aires en Argentina gracias a una residencia de dos meses en el centro de arte Recoleta en colaboración con Hangar. Ha sido premiada por la Sala d’ art Jove de la Generalitat por el proyecto “Canción para Consuelo” con el que fue residente en Corniolo art platform, en Florencia, Italia. Forma parte del colectivo Julio, con el que participaron de la exposición “el arte irreducible” en la prisión Modelo y en las jornadas de la universidad popular del CA2M de Madrid. Participa habitualmente en proyectos de otros artistas o colectivos como relatora gráfica: en el proyecto “médiums” del colectivo DU-DA o “els enemics del poble i l’infern” de Lluc Mayol, entre otros.

Actividad en colaboración con La Capella

Ya-Nung Huang, la artista residente de Taiwán ha llegado a Homesession

Ya-Nung Huang, la artista residente de Taiwán ha llegado a Homesession

Ya-Nung Huang desarrollará su proyecto “City Notation” durante su residencia de septiembre y octubre de 2022

(Scroll down for english)

City Notation es un proyecto de investigación y arte sonoro en relación con el paisaje.

Recolectando sonidos orgánicos cotidianos, excavando símbolos particulares en el paisaje de la ciudad, la artista va a transformar lo visual
símbolos visuales en ritmos, en mezclas de materiales sonoros cotidianos e instrumentales para crear una pieza sonora que represente para ella Barcelona. Posteriormente, la pieza sonora va a ser visualizada y analizada nuevamente mediante una “notación gráfica”. De lo visual al audio y de nuevo a lo visual. Del mundo real a la imaginación sonora y al paisaje en un papel en blanco: de este modo la práctica se extiende y inicia un viaje de imaginación ilimitada. En la línea de temporal del sonido, el proceso de traducción es un ciclo que nunca cesa.

Nacida en 1985 en Taipei, Taiwán, Huang Ya-Nung es un artista multidisciplinaria especializada en diseño gráfico, ilustración, fotografía y video. También es músico, especializada en la “Suona”, un instrumento de viento de música tradicional china.

En los últimos años, Ya-Nung se ha enfocado en temas sociales y pol´ticos, con la voluntad de acercar el arte a las comunidades y el territorio. Sus proyectos se rigen por el principio de “El arte está en todas partes, el arte es vida, el arte es de todas las personas” para reducir la brecha entre el arte y el público. El trabajo de video “Tsukigata Healthy Exercise” (2019) es un ejemplo de ello: el resultado de la residencia en un pueblo envejecido de Japón. En su proyecto más reciente se ha dirigido a la generación senior, así como a otras personas marginadas por la sociedad. La accesibilidad y el empoderamiento cultural del arte son los núcleos principales que marcan el camino de su carrera como artista.

En colaboración con Ministry of Culture of Taiwan, Department of Cultural Affairs, Tapei City Government

ENG

City Notation is a sound and research project in relation with space and landscape.

By collecting daily organic sounds, digging particular symbols in the city landscape, the artist is going to transform visual symbols into audio rhythm, and mix the daily sound materials to create a sound piece of Barcelona. Afterwards, the sound piece is going to be visualized and analyzed again by means of “graphical notation”. From visual, audio then back to visual; from real world, sound imagination to the landscape on a piece of white paper; the practice extends and starts a journey of unlimited imagination. With the timeline of sounds, the translation process is a cycle and will never cease. 

Born in 1985 Taipei Taiwan, Huang Ya-Nung is a multi-discipline artist specializing in graphic design, illustration, photography and video. She’s also a musician playing “Suona”, a traditional Chinese music wind instrument. Possess sensitivity of social awareness, Ya-Nung has dived into art field since graduate school and interested in power relationship between human being and space. Supported by social theories, she has gradually developed her artistic approach: integrating video, sound, body movement and installation in order to research “interaction of people and space” and create dialogue in between them.
In recent years, Ya-Nung focus on responding to social issues, bringing art into community. She’s carrying out the principle of “Art is everywhere, art is life, art belongs to everyone” in order to reduce the gap between art and public. The video work ”Tsukigata Healthy Exercise” (2019) is just outcome of residency in a Japan aging village. Senior generation has been addressed in her recent project, as well as other society outsiders. Art cultural accessibility and empowerment are main cores embed the way of her artist career.

In collaboration with Ministry of Culture of Taiwan, Department of Cultural Affairs, Tapei City Government

Video entrevista a Nikola Radosavljević

Video entrevista a Nikola Radosavljević

Charlamos con el artista en residencia durante agosto sobre su proceso creativo de cara a su exposición Seven Nights.

Seven Nights es una instalación de sonido/texto ambiental con objetos ready-made, que combina formas del mundo virtual y del contexto real. 

Expone transiciones entre dimensiones y mundos paralelos a través de siete relatos acompañados de materiales ready-made y de métodos para transitar o sobrevivir en un espacio liminal. La obra es una composición de texto, audio, objetos, entorno a un libro de artista, que aborda cuestiones de estabilidad, oportunidad y supervivencia. Inscribiéndose en el contexto histórico actual de pandemia así como en imaginarios entorno al colapso, busca una posible transgresión entre el espacio de la vida y de la muerte.

La narrativa del libro de artista que presenta Nikola Radosavljevic combina rituales tradicionales, folclóricos y culturales del último despido a seres queridos: relata, con ello, esas batallas que libramos en momentos determinados y que actúan como paradigmas de una respuesta individual y colectiva para transitar hacia un nuevo yo, después de traumas generacionales y sociales.

Residencia en colaboración con: Belgrade Artist in Residence

Seven Nights: la exposición de Nikola Radosavljevic

Seven Nights: la exposición de Nikola Radosavljevic

El residente Nikola Radosavljevic presenta su instalación site-specific “Seven Nights” el 26 de agosto

Lighting Strike at Open Sea, fotograma, 2019.

Nikola Radosavljevic

Seven Nights

Exposición: 26 de agosto de 18h a 21h en Homesession

(English bellow)

Nikola Radosavljevic es el artista residente durante agosto procedente de Serbia. Con formación académica en grabado y dibujo, actualmente realiza instalaciones site-specific combinando video, audio, texto y ready-made art.

Seven Nights es una instalación de sonido/texto ambiental con objetos ready-made, que combina formas del mundo virtual y del contexto real. 

Expone transiciones entre dimensiones y mundos paralelos a través de siete relatos acompañados de métodos para transitar o sobrevivir en un espacio liminal. La obra es una composición de texto, audio, objetos, entorno a un libro de artista, que aborda cuestiones de estabilidad, oportunidad y supervivencia. Inscribiéndose en el contexto histórico actual de pandemia así como en imaginarios entorno al colapso, busca una posible transgresión entre el espacio de la vida y de la muerte.

La narrativa del libro de artista que presenta Nikola Radosavljevic combina rituales tradicionales, folclóricos y culturales del último despido a seres queridos: relata, con ello, esas batallas que libramos en momentos determinados y que actúan como paradigmas de una respuesta individual y colectiva para transitar hacia un nuevo yo, después de traumas generacionales y sociales.

Nikola Radosavljevic es doctorado de la Facultad de Artes Aplicadas de Belgrado, Departamento de Artes Aplicadas y Diseño en 2020, sobre el tema de los libros de artista y las prácticas gráficas de los nuevos medios.
Ha ganado más de una veintena de premios y reconocimientos diferentes en el ámbito del dibujo y la gráfica, entre ellos el Premio Compra del Ministerio de Cultura de la República de Serbia, 2019; el Primer premio de la Bienal Internacional de Gráfica de Skopje, 2020; el Premio representante de Serbia en la Trienal Internacional de Gráficos en Cracovia, Polonia, y en la Trienal de Gráficos en Ekaterimburgo, 2020.

En colaboración con Belgrade Artist in Residence.

Resolución de la Beca en Arte y Tecnología

Resolución de la Beca en Arte y Tecnología

El ganador de la primera edición 2022 es Carlos Monleón

Esta primera edición se han presentado 60 candidaturas de artistas de todo el mundo, de Europa (Estado Español, Austria, Inglaterra, Alemania Francia, Portugal), pero también de América (USA, Chile, Argentina), Australia o Asia (Corea del Sur).

Los cuatro finalistas han sido Carlos Monleón (SP), Libby Heaney (UK), Patrícia Echeverría (SP-UK) y Stéphane Bissières(FR), por este orden según mayor puntuación.

El jurado, después de una larga deliberación por la calidad de los proyectos ha optado por declarar ganador a Carlos Monleón (Madrid, 1983), graduado en Bellas Artes por el Chelsea College of Art and Design, UAL (Londres) y Máster en Diseño por el Royal College of Art de Londres, con el proyecto Wetcoin.eth un proyecto sobre métodos de reparación del agua que propone modelos de distribución, organización y generación de capital social en torno a su cuidado utilizando tecnologías y principios del blockchain y del web3.

Wetcoin.eth cuestiona las actuales lógicas del water management para proponer modelos de custodia de los bienes comunes tanto físicos como digitales, alineados con los ciclos de vida planetarios. El proyecto ganador interesó especialmente al jurado por su tratamiento innovador de la web.3 y la tecnología blockchain para tratar aspectos relacionados con ecología y nuestra relación con el agua. Valorando su incidencia e impacto en el imaginario colectivo, el interés del tema de investigación, el valor artístico y la singularidad de la creación que propone, así como su significativa aportación en el contexto de crisis climática.

En sus fases de investigación y producción se integran corrientes de pensamiento en torno al agua, investigaciones científicas en torno a sus propiedades y capacidades así como avances tecnológicos tanto en computación física distribuida como en la creación de activos digitales.

Wetcoin.eth propone como resultado del proyecto, un circuito de reparación de un caudal de agua, cuyo tratamiento sea documentado mediante procesos de la imagen experimentales para su seguimiento y registro de sus distintas fases mediante tecnologías del blockchain con el fin de generar un “token” que incentive y genere valor en torno al cuidado de los bienes comunes y ambientales.

Esta beca es fruto de la creación de un nuevo circuito para el arte digital entre Barcelona, Lleida y Zaragoza dónde intervienen desde  universidades a diferentes instituciones culturales cómo son la Escuela Politécnica Superior de la UdL, Homesession Arts Visuals (Barcelona), Centro de Arte la Panera (Lleida), Etopía Centro de Arte y Tecnología a través de la Fundación Zaragoza Ciudad Conocimiento y del Ayuntamiento de Zaragoza.

La Escuela Politécnica Superior, Universidad de Lleida, es una universidad pública ubicada en la ciudad de Lleida, cuenta con diversos campus: medicina, agrónomos, de tecnología y rectorado. Es una universidad pequeña que busca diferenciarse y crear tendencias.

El Centre d’Art la Panera es una plataforma de producción y difusión de las artes visuales contemporáneas que desborda el hecho expositivo, se posiciona en la intersección de la investigación y la creación con la educación y los programas públicos, y produce proyectos artísticos en contextos tan variados como escuelas, centros de salud o servicios comunitarios. Es un equipamiento público, fruto de la cooperación entre el Ayuntamiento de Lleida y el Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya, que se integra en la Xarxa de Centres d’Arts Visuals de Catalunya

Homesession Barcelona, es una entidad sin ánimo de lucro, fomenta la creación en el campo de las artes visuales: articula una residencia abierta a artistas internacionales, becas de producción de proyectos destinadas a los artistas españoles y un programa educativo: Polaritats. Con su esfuerzo continuo de apoyo a los artistas y de difusión, Homesession acoge propuestas que recurren a medios y prácticas muy diversas, favoreciendo siempre la experimentación interdisciplinaria.

Fundación Zaragoza Ciudad Conocimiento FZC es una organización de naturaleza fundacional, sin ánimo de lucro, cuyos campos de actuación habituales son el fomento a los proyectos de base tecnológica, la educación en tecnologías creativas; difusión de la cultura de la ciencia y la tecnología y la creatividad asociada a la interacción de arte, ciencia y tecnología. FZC, gestiona parte de la programación de ETOPIA Centro de Arte y Tecnología, equipamiento público del Ayuntamiento de Zaragoza, centro de cultura contemporánea, taller para creadores y tecnólogos, espacio de formación especializado en la intersección del arte y la tecnología, laboratorio de ideas para la ciudad digital e incubadora de empresas.

El objetivo principal de esta beca es fomentar proyectos artísticos innovadores en los que confluyen la tecnología y el arte, que impulsen la transferencia de saberes (artísticos, tecnológicos y humanísticos), desde un punto de vista creativo, reflexivo y crítico y con una voluntad de impacto social, especialmente des del compromiso de la responsabilidad social, los cuidados y la sostenibilidad ambiental y de proyecto.

Se trata de una beca de 8000 euros distribuidos en dos entregas de 4000 euros durante 2 años con el alojamiento cubierto, a fin de llevar a cabo un proyecto de investigación y producción con el asesoramiento y formación por parte de investigadores y docentes especializados de la Universidad de Lleida, desde el punto de vista científico y tecnológico, ofreciendo la posibilidad de esta tutorización durante todo el proceso de producción.

Por otra parte, en el Centro de Arte la Panera, Etopía Centro de Arte y Tecnología y Homesession, también acompañarán en el proceso de investigación artística, producción de obra, exposición y restitución.

CAT

En aquesta primera edició s’hi han presentat 60 candidatures d’artistes d’arreu del món, d’Europa (Estat Espanyol, Àustria, Anglaterra, Alemanya, França, Portugal), però també d’Amèrica (USA, Xile, Argentina), Austràlia o Àsia (Corea del Sud).

Els quatre finalistes han sigut Carlos Monleón (SP), Libby Heaney (UK), Patrícia Echeverría (SP-UK) i Stéphane Bissières (FR), seguint aquest ordre segons la major puntuació.

El jurat, després d’una llarga deliberació degut a l’alta qualitat dels projectes, ha optat per declarar guanyador a Carlos Monleón (Madrid, 1983), graduat en Belles Arts pel Chelsea College of Art and Design, UAL (Londres) i del Màster en Disseny pel Royal College of Art de Londres, amb la proposta Wetcoin.eth, un projecte sobre mètodes de reparació i manteniment de l’aigua que proposa models de distribució, organització i generació de capital social a través de tecnologies i principis del blockchain i del web3.

Wetcoin.eth qüestiona les lògiques actuals del water management per proposar models de custòdia dels béns comuns tant físics com digitals, alineats amb els cicles de vida planetaris. En les seves fases d’investigació i producció s’integren corrents de pensament al voltant de l’aigua i investigacions científiques sobre les seves propietats i capacitats, així com avenços tecnològics tant en computació física distribuïda com en la creació d’actius digitals.

Com a resultat del projecte, Wetcoin.eth proposa un circuit de reparació d’un cabdal d’aigua, el tractament del qual és documentarà mitjançant processos experimentals de la imatge per al seguiment i registre de les seves diferents fases a través del blockchain amb la finalitat de generar un “token” que incentivi i generi valor en referència a la cura dels béns comuns i ambientals. Aquesta beca és fruit de la creació d’un nou circuit per l’art digital entre Barcelona, Lleida i Saragossa, en el qual hi intervenen des d’universitats fins a diferents institucions culturals, com són l’Escola Politècnica Superior de la UdL, el Homesession Arts Visuals (Barcelona), el Centre d’Art la Panera (Lleida) i l’Etopía Centro de Arte y Tecnología a través de la Fundación Zaragoza Ciudad Conocimiento i de l’Ajuntament de Saragossa.

L’Escola Politècnica Superior, Universitat de Lleida, és una universitat pública ubicada a la ciutat de Lleida, la qual compta amb diversos campus: medicina, agrònoms, tecnologia i rectorat. Es caracteritza per ser una universitat petita que busca diferenciar-se i crear tendències.

El Centre d’Art la Panera és una plataforma de producció i difusió de les arts visuals contemporànies que desborda el fet expositiu, es posiciona en la intersecció de la investigació i la creació a través de l’educació i els programes públic i produeix projectes artístics en contextos tan variats com escoles, centres de salut o serveis comunitaris. Alhora, és un equipament públic, fruit de la cooperació entre l’Ajuntament de Lleida i el Departament de Cultura de la Generalitat de Catalunya, que s’integra en la Xarxa de Centres d’Arts Visuals de Catalunya.

Homesession Barcelona és una entitat sense ànim de lucre que fomenta la creació en el camp de les arts visuals: articula una residència oberta a artistes internacionals, beques de producció de projectes destinats als artistes espanyols i un programa educatiu: Polaritats. Amb el seu esforç continu de recolzament a artistes i de difusió, Homesession acull propostes que recorren a mitjans i pràctiques molt diverses, afavorint sempre l’experimentació interdisciplinària.

Fundación Zaragoza Ciudad Conocimiento (FZC) és una organització de naturalesa fundacional, sense ànim de lucre, essent els seus camps d’actuació habituals el foment de projectes de base tecnològica, l’educació en tecnologies creatives, la difusió de la cultura de la ciència i la tecnologia i la creativitat associada a la interacció entre art, ciència i tecnologia. FZC també gestiona part de la programació de l’ETOPIA Centro de Arte i Tecnología, equipament públic de l’Ajuntament de Saragossa, centre de cultura contemporània, taller per a creadors i tecnòlegs, espai de formació especialitzat en la intersecció entre art i tecnologia, laboratori d’idees per la ciutat digital i incubador d’empreses.

L’objectiu principal d’aquesta beca és fomentar projectes artístics innovadors en els quals conflueixin la tecnologia i l’art, tot impulsant, així, la transferència de sabers (artístics, tecnològics i humanístics) des d’un punt de vista creatiu, reflexiu i crític, i amb una voluntat d’impacte cívic, especialment centrada en el compromís i la responsabilitat social i el manteniment i la sostenibilitat ambiental i de projecte.

Es tracta d’una beca de 8000 euros distribuïts en dues entregues de 4000 euros durant dos anys amb allotjament cobert. La finalitat és dur a terme un projecte d’investigació i producció amb l’assessorament i formació per part d’investigadors i docents especialitzats de la Universitat de Lleida, tant des d’un punt de vista científic com tecnològic, oferint la possibilitat de tutorització durant tot el procés de producció.

Per altra banda, el Centre d’Art la Panera, Etopía Centro de Arte i Tecnología i Homesession també acompanyaran l’artista durant el procés d’investigació artística, producció de l’obra, exposició i restitució.

ENG

This first edition has received 60 applications from artists from all over the world, from Europe (Spain, Austria, England, Germany, France, Portugal), but also America (USA, Chile, Argentina), Australia and Asia (South Korea).

The four finalists were Carlos Monleón (SP), Libby Heaney (UK), Patrícia Echeverría (SP-UK) and Stéphane Bissières (FR), in that order according to their highest scores.

The jury, after a long deliberation due to the quality of the projects, decided to declare Carlos Monleón (Madrid, 1983). A graduate in Fine Arts from Chelsea College of Art and Design, UAL (London) and Master in Design from the Royal College of Art in London. He won with the project Wetcoin.eth. His project on water remedy methods proposes models of distribution, organisation and generation of social capital around water care using blockchain and web3 technologies and principles.

Wetcoin.eth questions the current logic of water management to propose stewardship models of the physical and digital commons aligned with planetary life cycles.

The research and production phases integrate currents of thinking about water, scientific research into its properties and capabilities, and technological advances in both distributed physical computing and the creation of digital assets.

Wetcoin.eth proposes a water flow repair circuit as a result of the project. The treatment is documented through experimental image processes to monitoring and recording its different phases through blockchain technologies to generate a “token” that encourages and generates value around the care of common and environmental goods.

This grant is the result of the creation of a new circuit for digital art between Barcelona, Lleida and Zaragoza, involving universities and different cultural institutions such as the Escuela Politécnica Superior de la UdL, Homesession Arts Visuals (Barcelona), Centro de Arte la Panera (Lleida), Etopía Centro de Arte y Tecnología through the Fundación Zaragoza Ciudad Conocimiento and Zaragoza City Council.

The Higher Polytechnic School, University of Lleida, is a public university located in the city of Lleida, with several campuses: medicine, agronomy, technology and rectorate. It is a small university that seeks to differentiate itself and create trends.

The Centre d’Art la Panera is a platform for producing and disseminating contemporary visual arts that goes beyond the exhibition, positioning itself at the intersection of research and creation with education and public programmes. It produces artistic projects in contexts as varied as schools, health centres and community services. It is a public facility, the result of cooperation between Lleida City Council and the Department of Culture of the Generalitat de Catalunya, which is part of the Xarxa de Centres d’Arts Visuals de Catalunya (Network of Visual Arts Centres of Catalonia).

Homesession Barcelona, is a non-profit organisation promoting creation in the field of visual arts. It organises residencies open to international artists, production grants for Spanish artists and an educational programme: Polaritats. Through its ongoing efforts to support artists and disseminate their work, Homesession welcomes proposals that draw on a wide range of media and practices, always favouring interdisciplinary experimentation.

Zaragoza City of Knowledge Foundation FZC is a non-profit organisation whose fields of action are: the promotion of technology-based projects, education in creative technologies, dissemination of the culture of science and technology and creativity associated with the interaction of art, science and technology. FZC manages part of the programming of ETOPIA Centro de Arte y Tecnología, a public facility of the Zaragoza City Council, a centre for contemporary culture, a workshop for creators and technologists, a training space specialising in the intersection of art and technology, a laboratory of ideas for the digital city and a business incubator.

The main objective of this grant is to promote innovative artistic projects in which technology and art converge, which promote the transfer of knowledge (artistic, technological and humanistic), from a creative, reflective and critical point of view and with a desire for social impact, especially from the commitment to social responsibility, care and environmental and project sustainability.

This is a grant of 8000 euros distributed in two instalments of 4000 euros for two years with accommodation covered, to carry out a research and production project with the advice and training by specialised researchers and teachers from the University of Lleida, from the scientific and technological point of view, offering the possibility of this tutoring throughout the production process. On the other hand, at the Centro de Arte la Panera, Etopía Centro de Arte y Tecnología and Homesession, will also accompany the process of artistic research and production of the work, exhibition and restitution.