CRISIS OF NOW| FOTOGRAFÍA ASIÁTICA CONTEMPORÁNEA

CRISIS OF NOW| FOTOGRAFÍA ASIÁTICA CONTEMPORÁNEA

Barcelona, 26 de octubre de 2020. CRISIS OF NOW – CONTEMPORARY ASIAN PHOTOGRAPHY  PART 3 (crisis de ahora) es una serie de exposiciones inéditas de fotografía asiática contemporánea que analiza la cultura y la práctica artística del arte contemporáneo desde la perspectiva de los creadores asiáticos.

Wei-Li Yeh Three places for Marguerite Duras, 2003.

Crisis of Now. Part III se estrena en Barcelona y reúne la obra de Wei-li Yeh, Liu Ho-Jang y Ting-Ting Chen.

Crisis of Now. – CONTEMPORARY ASIAN PHOTOGRAPHY- Part III podrá verse en Barcelona, del 26  de octubre al 2 de noviembre de 2020. Está exposición inédita está comisariada por Chun-chi Wang y organizada por Idolon Studio, Idolon Lab, Homession y la Oficina Económica y Cultural de Taipei, cuenta con el apoyo de los Ministerios de Asuntos Exteriores y de Cultura de Taiwán y la colaboración de Espronceda – Institute of Art & Culture.

Part I viajó en 2018 por diferentes ciudades de Alemania, donde se pudieron ver proyectos de Yao Jui-Chung, Yang Che-Yi y Yunyi Liu; y Part II se mostró en 2019 en Estados Unidos, con fotografías de Hou Lulu Shur-Tzy, Ting Chaong-Wen y I-Hsuen Chen. La serie Crisis of Now está comisarida por Chun-chi Wang, una comisaria taiwanesa afincada en Berlín. Su trabajo está centrado en la relación entre los seres humanos y la tecnología, y revela el exceso de mecanización y virtualización del mundo actual, donde la velocidad y el control juegan un papel crucial.

Crisis of Now. Part III reúne en Barcelona 45 obras, algunas de gran formato, que narran experiencias e historias de vida específicas, a la vez que permiten construir relaciones entre contextos históricos dispares desde diversas perspectivas. Algunas de las series muestran diferentes ubicaciones geográficas de manera sincrónica, mientras que otras se concentran en un mismo emplazamiento en diferentes momentos temporales. Las vivencias personales y la conciencia colectiva están ligadas a múltiples trayectorias históricas donde las vicisitudes políticas y sociales juegan un papel importante. La exposición reúne la obra de Wei-Li Yeh, Liu Ho-Jang y Ting-Ting Chen.

ACERCA DE LA COMISARIAChun-chi Wang. Nacida en Taipéi, vive en Berlín. donde trabaja como comisaria de arte y editora independiente. Se posgraduó en la New York University Tisch School of the Arts tras haber cursado el grado en el Instituto Pratt (EEUU).En 2011 colaboró con la red internacional de comisarios SYNAPSE, en el Haus der Kulturen der Welt (Casa de las Culturas del Mundo) de Berlín. En 2012 ejerció de comisaria adjunta del comisario alemán Anselm Franke en la Bienal de Taipéi, Modern Monsters / Death and Life of Fiction. A lo largo de los años, Wang ha comisariado muestras de arte contemporáneo en Berlín, Nueva York y Taipéi, entre otros lugares, con el objetivo de promover el arte de Taiwán en el extranjero. Su tema principal de investigación es la esfera pública y el arte, concretamente «la relación creativa de la intervención del arte en la esfera de lo público». Con el objetivo de estudiar el valor sociocultural del arte, entrevista a académicos, artistas y comisarios. Entre las exposiciones que ha comisariado destacan: No One River Flows (Kuandu Museum of Fine Arts (Taiwán), 2013), Urban Synesthesia (Kaohsiung Museum of Fine  Arts (Taiwán), 2015), Hieroglyphic Memory: Surveying Bangka Through Narrative Trace (Bopiliao Historic Block Taipei, 2016), Crisis of Now: Contemporary Asian Photograph (Berlín, 2018; Nueva Orleans, 2019; Barcelona, 2020), Installation and Performance (Weimar E-Werk, 2019; Bauhaus-Museum, 2020; Goethepark Weimar, 2021). Uno de los proyectos de estudio de campo que ha organizado es Off-Site Project, que se ha llevado a cabo en Latinoamérica (Colombia, 2017; Perú, 2018; Argentina, 2019) y en Asia Oriental (Turquía, 2017; Líbano, 2021). Es la fundadora de IDOLONSTUDIO (Unión de Artistas Asiáticos Europeos), una organización interdisciplinaria sin fines de lucro que ofrece a los artistas innovadores que trabajan en los medios de comunicación, la literatura y las artes escénicas oportunidades de exposición y actuación para crear y presentar nuevas obras.  

ACERCA DE LOS ARTISTAS DE CRISIS OF NOW. PART III

Wei-Li Yeh nació en Taipei (Taiwán) en 1971 y emigró a los 11 años a EEUU con su familia. Durante su adolescencia, en Tampa (Florida), se fascinó por la música heavy metal y el rock’n’roll. Estudió fotografía en la University of South Florida (1994) y en el Rhode Island School of Design (1997). Tras una visita en 1996 a Taiwán (la primera desde su emigración a EEUU), se sintió atraído por los temas de desplazamiento, asimilación, identidad cultural y políticas raciales. Yeh se trasladó entonces a Nueva York, mostrando su obra en la Columbia University, el Bronx Museum of Art y el International Center of Photography. En 2002 decidió regresar a Taiwán, convirtiéndose en un artista y comisario muy activo. Su trabajo se exhibe o colecciona en todo el mundo, y sus proyectos fotográficos o textuales exploran las dinámicas del ser humano como individuo en relación con las prácticas colectivas. Actualmente vive y trabaja en Yangmei (Taiwán).

Ting-Ting Chen nació en 1985 en Taipei. Se graduó en Publicidad y Relaciones Públicas en la Fu-Jen University y se mudó a Londres, donde estudió fotografía en la University of Westminister (2009) y se graduó en Bellas Artes en el Goldsmiths College (2014). Su obra se ha espuesto en exposiciones individuales organizadas en el Taipei Fine Art Museum, la Grand Siècle Gallery (Taiwán), la Identity Art Gallery (Hong Kong), Gallery Nomart (Osaka, Japón), Addaya Palma y Galería Luis Adelantado, en España. También ha participado en exposiciones colectivas en ARCO Madrid, la Bi.City Biennale of Urbanism-Architecture de Shenzhen (República Popular China), III Moscow International Biennale for Youg Art, KuanDu Museum (Taipei), National  Taiwan Museum of Fine Arts, National Art Museum of China (Beijing), Art 14 (Londres) y Art Stage Singapore, entre otros. En 2012 fue seleccionada entre los 40 artistas más relevantes de Asia por la Perspective Magazine de Hong Kong.  

Liu Ho-Jang nació en 1972 en Taipei (Taiwán). Se graduó en 2002 en el Creative Institute del Queen’s College de la City University of New York.  Su trabajo reflexiona acerca de la identidad fotográfica en el contexto de la sociedad contemporánea. En 2011, su obra se publicó en Aster Magazine. Entre sus exposiciones destacan Sculpture Games, Fields, en la Tapei University of Arts (2019); Super Daily, en la Taipei Biennal (2018); Wuzhong Accounting Painting-Reality Virtual, en el Taipei Fine Arts Museum (2017); Key Meditation, en la Asian Biennale (2017); Public Spirit, en el Ujazdowski Castle – Centre for Contemporary Art, en Varsovia (2016); City Charm, en el Kaohsiung Museum of Fine Arts, en Taiwán (2015); y New York, en la Queens Internacional Biennale, organizada por el Queens Museum de Nueva York (2013). El fotógrafo vive y trabaja en Taipei y Tainan y es profesor a tiempo completo en el Institute of Plastic Arts de la Tainan University of Fine Arts.    

ACERCA DE ESPRONCEDA – INSTITUTE OF ART & CULTURE

Espronceda – fundado en 2013 en Barcelona – es un proyecto de arte innovador y contemporáneo, ofrece una plataforma internacional y un entorno multidisciplinario para artistas, comisarios y todos los que creen en la importancia del arte, la cultura y la educación para lograr una mayor creatividad y un mundo mejor. Espronceda fomenta artistas internacionales establecidos y aspirantes a desarrollar su trabajo y creatividad, y a difundir su inspiración más allá de su estancia física en el espacio.  

CRISIS OF NOW – CONTEMPORARY ASIAN PHOTOGRAPHY  PART 3

Del 26 de octubre al 2 de noviembre de 2020

Comisaria: CHUN-CHI WANG

Artistas: WEI-LI YEH LIU HO-JANG CHENG TING-TING

Organiza: IDOLON STUDIO (Union of European Asian Artists), IDOLON LAB

Co-organizadores: HOMESESSION, CULTURAL DIVISION OF THE TAIPEI ECONOMIC AND CULTURAL OFFICE IN SPAIN

Partners oficiales: MINISTRY OF CULTURE OF TAIWAN, DEPARTMENT OF CULTURAL AFFAIRS, TAIPEI CITY GOVERNMENT

Colaboración: ESPRONCEDA – INSTITUTE OF ART AND CULTURE

Entrada Gratuita

Opening + visita guiada con la comisaria 26 octubre 19-21,30h

Horario de visita: de martes a sábado de 16 a 20h

para visitas en otros horario escribir a: ovidu@espronceda.net

Dirección C. d’Espronceda, 326, nave 4 y 5, 08027 Barcelona, www.espronceda.net

Evento Facebook

17-09-2020 / Opening: Filtrar lo sólido / Alba García i Allué

17-09-2020 / Opening: Filtrar lo sólido / Alba García i Allué

Alba García i Allué, artista en residencia en Homesession en el mes de septiembre, presenta su instalación audiovisual: Filtrar lo sólido

Alba García i Allué – Filtrar lo Sólido, instalación audiovisual, 2020.

FILTRAR LO SÓLIDO

Opening: 17 de Septiembre de 17 a 21h. (Entrada por grupos de 5 personas.)

Exposición abierta del 18 al 20 de septiembre con reserva previa (escribir a albagarciallue@gmail.com)

Filtrar lo sólido es el resultado de una investigación artística que busca participar de la creación de un imaginario colectivo ecofeminista que replantee la percepción de los límites del propio cuerpo, para poder repensar nuevas formas más éticas de habitar y de relacionarnos con el entorno y con los organismos que lo conforman. El proyecto se centra en el medio tecnológico como ejemplo de corporalidad expandida, desterritorializada y descentralizada de un organismo principal, el cual teje una interconexión planetaria mediante el flujo de energía y de información.
La intención plástica reside en encontrar una representación de la simbiosis entre máquina y humano fuera de los sistemas de producción. Tal cuestión obliga a retomar la perspectiva de género para repensar la relación que ha establecido el hombre con la corporalidad tecnológica en la era industrial, y como esa batalla para evitar la obsolescencia física en el sistema de producción se ha proyectado tanto en el cine de ciencia-ficción. Habitamos un mundo globalizado e interconectado donde Internet representa el gran cuerpo invertebrado y planetario que se autogestiona a partir de la subjetividad actual basada en los intereses del capital. La mujer cíborg puede devenir una poderosa subjetividad, feminista y ecológica, que trabaje en la reconstrucción de un imaginario basado en el equilibrio entre las diferentes corporalidades que conforman el ecosistema. Pretende así rehuir de todo sistema piramidal y competitivo y reconciliar la coexistencia entre comunidades. La búsqueda de una concepción rizomática e interespecie de la propia identidad se formaliza en una instalación audiovisual que recreau un escenario postapocalíptico de la rebelión de las máquinas, las cuales evidencian su presencia en el espacio expositivo mediante el recurso sonoro. Ordenadores, pantallas, altavoces y proyectores forman parte del gran organismo planetario de Internet, donde la información se transforma en el flujo interconector de los cuerpos. Los distintos aparatos maquínicos conforman Las voces sin cráneo, una pieza sonora en la cual participan cinco voces sintéticas que articulan un diálogo entre ellas de manera simultánea. Las voces explican al espectador el proceso de producción de la voz mediante movimientos mecánicos, desplazamientos de aire y su vibración en los huecos del cuerpo. Son las voces liberadas de los frágiles cuerpos humanos y de sus connotaciones sociales. La pieza sonora se articula con la obra visual Estoma. Un montaje que resulta de una serie de performances telemáticas, que surgen a partir de la acción colectiva de escaparse de sí mismo, fluir por el propio cuerpo, meterse dentro o sacarlo hacia afuera, como expresión de invertebrarse y abandonar el propio cuerpo.

BIOGRAFÍA

Habiendo finalizado una estancia en la Universidad Politécnica de Valencia, Alba García i Allué (Barcelona, 1997) se encuentra acabando el trabajo de fin de grado de Bellas Artes en la Universidad de Barcelona. Ha recibido becas de residencia artística en Ca la Dona y en La Escocesa (Barcelona). Ha impartido cursos de creación en OMV València, realizó un proyecto de memoria histórica con el Ayuntamiento de Tagamanent y participó en exposiciones colectivas en Can Ricart y Santa Eugènia del Congost (Barcelona). Centra su producción artística interdisciplinar en el imaginario que envuelve la crisis climática provocada por el contexto socioeconómico y su proyección en las nuevas subjetividades corpóreas. Este imaginario gira entorno a los límites físicos de la materia y a la interconectividad con el resto de organismos planetarios. Experimenta las fronteras del propio cuerpo estableciendo relaciones morfológicas y procesuales entre lo tecnológico, lo orgánico y lo arquitectónico en este sistema de engranajes afectivos el cual llamamos Naturaleza.


Opening Daniel de la Barra 28/07/2020

Opening Daniel de la Barra 28/07/2020

Opening: ESTO NO ES UN PAISAJE

Daniel de la Barra

28/07/2020, de 17 a 21h

*aforo limitado, entrada por pequeños grupos.

ESTO NO ES UN PAISAJE

Daniel De La Barra

El artista presenta un acercamiento a su proyecto “Esto no es un paisaje” en el que ha estado trabajando durante su residencia en Homesession y que finalizará en enero 2021.

“Esta revisión se centra en acercarnos un escalón, desde una mirada crítica y un viaje incierto, a la producción cultural del paisaje, de sus elementos y de su memoria; como un espacio donde la energía y la justicia ambiental, los derechos y el realismo especulativo de la imágen se encuentran, coalicionan, arden; proponiendo nuevas formas de liberar la mirada al paisaje, partiendo desde la cultura o culto de la imagen y símbolos como como sombras que olvidan, estrategias de control y vértigo. Descomponiendo la postal del paisaje para reavivar recuerdos intolerables, desde los procesos evangelizadores o románticos, capitalistas , independendizadores o digitales.

Esta expedición ficticia se desarrolla a partir un cuaderno de viajes cargado de bocetos de las zonas mineras de oro de La Pampa y Camanti simulando el papel del artista viajero en América Latina durante los siglos XVIII y XIX; y de una serie de cartas filmadas. Se descompone la mirada de la poesia y la pintura del paisaje romántico para revelar con sus propios procesos, composiciones y elementos, la imagen encubierta resultante detrás de la postal de propaganda que inyectan el método de disolución, explotación e invasión de lo transfronterizo, adaptándolo a las necesidades cognitivas del capitalismo colonial.

En este sentido se crea un dispositivo híbrido entre el espacio institucional que construye el relato oficial de la mirada al paisaje exótico, idílico y sublime, con el escenario de un prostibar. Particularmente uno que conseguí fotografiar en La Pampa (Madre de Dios) llamado “Infierno”. Los prostibares se extienden por toda la carretera interoceánica que comunica la amazonia de Perú y Brasil. La interoceánica se edifica como corredor minero, atravesando todas los campamentos dispuestos entre el amazonas peruano y brasilero. Las obras comenzaron en 2005 bajo contrato de Odebretch y, desde entonces, facilitó el brote de la llamada tercera fiebre del oro, multiplicando las invasiones de áreas protegidas y campamentos mineros en toda la zona al facilitar el transporte de mercancía y combustible. En estos prostíbulos ilegales es donde se concentran la mayor cantidad de mafias de narcotráfico, trata de menores, prostitución ilegal y violaciones de derechos; como resultado de la minería, que luego se lava a través de las refinerías de Metalor (Suiza) y Texas C.O. (EEUU), para servir a las reservas federales de los países ricos, la joyería y la industria tecnológica. ”

Daniel de la Barra

Daniel De La Barra (Lima, Perú.1992)

Se mueve entre la pintura, la instalación y la intervención pública, centrando su trabajo  en la antropología urbana, la memoria histórica y la  identidad de las sociedades dentro de la homogeneización del espacio público y la imposición jerárquica de poderes de dominación en el marco del capitalismo colonial.
Comienza sus estudios en 2012 la Escuela de Arte Contemporáneo Corriente Alterna (Lima,Perú) hasta 2014 que se traslada a Madrid a continuar sus estudios de pintura.En 2017 es aceptado como artista residente en La Escocesa Fabrica de creaciò (Barcelona),  donde permanece hasta el 2020.

En este periodo participa en varios proyectos expositivos  e intervenciones como “Pròxima Obertura” en el  Museo Castillo de Montjuic o “Esc-Out. Desviaments del’art en la esfera pùblica” en Fabra i Coats Centre de Arte Contemporani. 
En 2018 es becado para realizar una residencia en The Nerdrum School, en Suecia. Recibe la Beca de Investigación y experimentación de La Escocesa los años 2018 y 2019, el Premio de Creaciòn Arte Joven de Cataluña 2019 (Sala d’Art Jove),exponiendo en la Sala d’Art Jove; es finalista del Premio de Pintura Ricard Camì (C.C. Terrassa).  En Perù  fué finalista los últimos años tanto del Premio Nacional de Arte Contemporáneo ICPNA, como del  X Premio Nacional de Pintura (MUCEN), exponiendo en El Museo Central de Lima  y la Galeria Juan Pardo Hereen del C. C.Peruano Norteamericano.
En 2019  realiza una residencia en  Piramidon Centre d’art Contemporani y desarrolla varios proyectos como “Searching for Paititi”, (Espai SubSòl) para el Barcelona Gallery Weekend, Paisajes Deseados (Escola d Estiu Walter Benjamin, Port Bou) o “Pateras Carnival- Los vaijes del Bienestar” para Luminaria 04 (Madrid).
Actualmente viene trabajando en las próximas exposiciones para este año en  La Bienal de Amposta (Lo Pati)El Born CCM( Habitando ruinas),  Museu Arts Santa Mónica (Paisajes deseados) y Proyecto AMIL ( Violencia actual en América Latina y el costumbrismo de Pancho Fierro) (Lima, Perú) .

https://danieldelabarra.wixsite.com/work
Carlos Issa / opening 20 de febrero

Carlos Issa / opening 20 de febrero

3 ESTADOS / Carlos Issa (Brasil)

OPENING 20 de febero de 2020, 19h

“El dibujo tiene dos momentos principales.

En el primer momento, todo se mueve y el dibujo se hace. Se libera una determinada forma de pensar. Un tipo de pensamiento que quiere producir cosas ; y que existe efectivamente al producir algo.

Este objeto, una vez producido, parece a su vez transmitir siempre el mismo mensaje: perdurar. Por lo tanto, el movimiento cesa. Se sustituye el movimiento del primer momento por una constitución estable. En el lugar del trabajo, emerge una composición, un nuevo estado, un nuevo ser que debe asentarse en un tiempo sin limites.

En el intervalo, existe sin embargo un tercer momento que es tan fugaz que parece una simple puntuación. Algo que se sitúa exactamente entre aquello que se movía y esto que empieza a estabilizarse.

Poética y estética, ser y devenir, dibujo y dibujado : es en este misterioso punto límite de superposición de los dos estados que una composición surge, se posiciona y se defiende, tanteando el equilibrio entre la vida y la materia.

La composición es la decisión de extraer todo aquello que perdura en el tiempo del movimiento y, a su vez, extraer  el movimiento revolucionario de lo que pretende permanecer intacto.

Justo allí, entre-estados, en ese preciso instante entre estos distintos momentos, un instante similar al que une sueño y vigilia y que es a la vez límite y transición entre el yo y el mundo, algo apunta a la forma que debe tener el dibujo, aquella justa constitución que condensa en sí el flujo de la vida y la integridad de todos los cuerpos.”

Carlos Issa

Carlos Issa nació en São Paulo, Brasil, donde vive y trabaja. Su investigación incorpora el dibujo abstracto, el arte sonoro, el diseño experimental y la fotografía. Ha publicado una serie de libros de artista que se pueden encontrar en instituciones como Printed Matter en Nueva York, Motto, en Berlín, así como Tijuana, en São Paulo.

Es muy conocido por su proyecto de música experimental fundado en 1999 llamado Objeto Amarelo que explora las diferentes capas de sonido tanto en el estudio como en el escenario y fue uno de los primeros grupos en presentarse en las galerías de arte de Brasil, cuenta con unos cuantos álbumes que dialogan con la performance en vivo sin reproducirla, y con colaboraciones con muchos nombres importantes de la música brasileña. Como Objeto Amarelo, Carlos Issa también desarrolló un lenguaje visual muy poderoso utilizado en las portadas y carteles de la banda.

Su práctica también opera dentro de un campo más amplio; ha organizado y participado en exposiciones independientes aplicando métodos de exhibición DIY que anticiparon, a finales de los años 90, la multiplicidad de medios y vehículos para la circulación del arte, tanto dentro como fuera del mercado. Ha trabajado como curador de eventos de música experimental y colectivos de arte como “Supercollina”, en la Galería Logo, y “Conversão”, en la Galería Sé, ambas en São Paulo, Brasil. Ha participado en exposiciones colectivas tanto en el Brasil como en el extranjero, como “Tropical Funk” en la Whitechapel Gallery de Londres y “Dobra”, en la Ferme du Buisson, en París. Tuvo una exposición individual que se celebró en 2017 en la NADA. Desde 2018 está representado por la Galeria Sé y tuvo su primera exposición individual completamente dedicada a su práctica visual contemporánea.

La residencia de Carlos Issa es fruto de la colaboración entre Homesession y la Galeria Sé de Sao Paolo.

Opening: 15.12 “Última mano” de Thierry Liegeois

Opening: 15.12 “Última mano” de Thierry Liegeois

Opening “Última mano” de Thierry Liegeois

Domingo 15 diciembre 2019

de 12.00 a 14,30h

*visitas con reserva previa hasta el día 20/12, enviando mail a danilo@homesession.org

“Mi proyecto inicial consistía en realizar concreciones de ciudades, es decir en reducir las fracturas estéticas que existen en el espacio urbano, entre las zonas turísticas, las comerciales, las zonas en desuso o las franjas intermedias, mediante la composición de un “objeto-souvenir total”. Es finalmente en el residuo, en todo aquello que los habitantes desechan o abandonan, que he hallado una porosidad. No se trata aquí de archivar estos fragmentos, sino de producir posibles relatos por la hibridación, el ensamblaje y la remezcla. “

T.L.

Thierry Liegeois es artista residente durante los meses de noviembre y diciembre, en el marco del programa de intercambio entre art3 (Valence France) y Homesession. El programa de intercambio cuenta con el apoyo del Institut Ramon Llull y de la Région Auvergne-Rhône-Alpes.

Thierry Liegeois nació en 1983 en Montbéliard (Francia).
Después de mostrar su trabajo en los Módulos del Palais de Tokyo en 2012 y participar en el programa de IAC Villeurbanne Galeries Nomades, Liegeois fue invitado a exposiciones personales, incluyendo Le syndrôme Murray Futterman con el colectivo Or Nothing en Bruselas en 2013, Cacography en el Lab 47 en 2015 y Glitch City en el Unicorn Center For Art en Pekín, en el
2016, Wet Hill en la Fundación Renaud durante la Bienal de Lyon, y Off Cells en Le 19, Crac, Montbéliard en 2017.
Participó en varias exposiciones colectivas, entre ellas Machination(s), Galerie Eric Mouchet, París, Les Hommes de la Mancha, Double V Gallery, Marsella, y Jörmungandr Hybraxxx, Wonder/Liebert, Bagnolet.
Las investigaciones de Thierry Liegeois toman la forma de una reflexión sobre el presente como un entorno desordenado y no ideal. Sus piezas, que suelen basarse en una confrontación irinica de símbolos y referencias, están impregnadas de una postura crítica -a veces con humor- hacia las discrepancias de clase y las diferencias sociales y estéticas en las que vivimos. Los sitios que explora suelen estar asociados a géneros populares, vernáculos, los terrenos donde crecen las contraculturas y subculturas. Las instalaciones de Liegeois movilizan y mezclan la escultura, la escenografía, la diversión de los objetos, el vídeo y el sonido, buscando relacionar estrechamente la obra con su contexto de producción y exposición.

www.thierryliegeois.com

Next opening: 趙書榕 CHAO Shu-Jung. 24_10_2019

Next opening: 趙書榕 CHAO Shu-Jung. 24_10_2019

Trans- 2019
A solo exhibition by 趙書榕 CHAO Shu-Jung

Opening 24_10_2019

19-21,30h

“Pasado, presente, futuro y lo que haya en el intervalo. 

Proyecto sobre la ciudad un paisaje mental panorámico.

El mar actúa como en ello como un espejo que refleja la condición humana.

¿Podemos medir la influencia de los paisajes con los cuales nos encontramos en la construcción de nuestra personalidad y de nuestra mirada? Nuestra experiencia personal propicia cambios constantes para nuestras identidades tanto en el tiempo como el espacio: unos cambios que, quizás, podríamos comparar a las derivas de los continentes y de las placas tectónicas: movimientos imperceptibles, pero poderosos, que causan fallas y encuentros y que pueden ir hasta fusionar o engullir tierras.

A través de imágenes y sonidos, mi proyecto se presenta como una experiencia para el espectador, en la que se evocan y se entremezclan la nostalgia, el nomadismo, el desplazamiento, la psicogeografía, la persecución de la utopía y la heterotopía.

Trato de guiar al espectador en una deriva sensorial, en la que sonidos y visuales despiertan un complejo sentimiento de alienación, una experiencia en interacción con el mundo exterior que pueda incidir en la conciencia de cada uno en forma de choques y reverberaciones en constante expansión.

Las series de audio son una composición que une paisajes sonoros de la vida cotidiana y recuerdos de diferentes personas participantes en el proyecto en forma de canciones y poemas. La banda sonora extiende la visión del vídeo presentado, ensancha su campo y su atmosfera, con la intensión de ofrecer una inmersión en un ambiente perturbador así como una experiencia extraña y desorientadora.”

CHAO Shu-Jung

ENG/

” Past, present, future, and, all in between.

I project on the city a kind of mental panoramic landscape. 

The sea acts there as a mirror to reflect the conditions of human beings.

¿Can we measure the influence of the landscapes we encounter in the construction of our personality and our gaze? Our personal experience does contribute to a constant change in our identities through time and space: changes that we might compare to the tectonic plate and continental drifts: imperceptible but powerful movements causing faults and convergences, melting but also making lands disappear.

Through images and sounds, my project features an experience for the audience, in which I evocate and mix subjects, such as nostalgia, nomadism, displacement, psygeography, pursuit after one’s utopia, and heterotopia.

I try to guide the spectator through a sensorial drift, in which sounds and sights arouse a deeply layered sense of alienation. The experience, interacting with the outer world, aims at producing an expanding shock and reverberation in the viewer’s conscience. 

The series of audio features a composition that twirls daily life soundscapes and memories of different persons who participated in the project, in the form of songs and poems. The soundtrack extends the vision and broadens the field and atmosphere of the featured video. My intention is to offer an immersion in the unsettling environment of an “uncanny” experience.”

CHAO Shu-Jung

With the collaboration of Oficina económica y cultural de Taipei

Next opening: Carolina Bonfim 19 de septiembre

Next opening: Carolina Bonfim 19 de septiembre

Carolina Bonfim

Not himself, not herself, not itself

Opening: 19-09-2019

19h-21,30h

(exposición abierta el día 20 de septiembre con reserva previa enviando mail a danilo@homesession.org)

 

Not himself, not herself, not itself

20 personas. 20 personas encontradas al azar. 20 personas que tienen algo en común. Desean. Desean ser un otro. El otro puede ser un individuo, una especie, un colectivo, una invención, una entidad, una sensación. Ficticio, real o usted. 20 personas que desean imaginar, comprender, caminar, correr, leer, echar de menos, luchar, soñar, fumar, bailar, gritar, amar, conducir, rascarse, follar, cantar, respirar, silbar y tener las piernas, el aspecto, el pelo, las garras, la personalidad, el ritmo, el color, la voz, la fuerza, el sexo, el olor del otro. Desean serlo sólo por unas horas o un día entero. Y lo son. En la habitación, en el baño, en el pasillo, en el jardín, en público, en soledad, en colectivo, a escondidas o bajo un seudónimo. De lo contrario, desean. 20 personas que tienen algo en común. 20 personas encontradas al azar. 20 personas.

Not himself, not herself, not itself es el ultimo trabajo de Carolina Bonfim basado en una serie de entrevistas realizadas con personas que desean sentirse, temporalmente, un otro.

Carolina Bonfim (São Paulo, Brasil, 1982)

Vive y trabaja en Bruselas. Deseo, alteridad, cuerpo y archivo son algunos de los temas recurrentes en su trabajo. Investiga procesos de apropiación, incorporación y de transmisión del conocimiento inmaterial a través del cuerpo. En los últimos años he expuesto y presentado su trabajo en centros e instituciones tales como el 14º Salão Nacional de Arte de Itajaí (Brasil), Casa do Povo (Brasil), MARCO de Vigo (España), MACSur (Argentina), Centre national de danse contemporaine d’Angers (Francia), Lugar a dudas (Colombia), Galería A Gentil Carioca (Brasil) Arts Santa Mònica (España), Fundació Miró (España), La Capella (España), Centre d’art contemporani Fabra i Coats (España) y Can Xalant (España).

29 August, opening Marko Stojanović: UNEARTHED

29 August, opening Marko Stojanović: UNEARTHED

Marko Stojanović: UNEARTHED

Opening 29.08-2019

19-21,30h

@Marko Stojanović, UNEARTHED; Barcelona, 2019

 

UNEARTHED

All homes in the world are interconnected through an electrical grid.This earthed system makes our appliances work: turning on and off, batteries charging, electrical shutters closing, alarms and microwaves beeping, shavers buzzing, lights flickering, air conditioners whooshing, refrigerators gurgling.

The wellbeing we enjoy comes into question whenever we notice an unusual act, an intervention such as a wallpaper print that simulates an open space, used as a mere decoration of a closed one.

In these eclectic moments, it appears to us that humanity, more than ever, needs earthing.

Marko Stojanović is the artist in residence at Homesession during July and August 2019, as part of the Exchange program with Belgrade Air (Serbia)

Marko Stojanović (1982) graduated from the Academy of Arts in Novi Sad. He held solo exhibitions in DeStil Tirana, Albania (2018), DOB Gallery, Belgrade (2016), Cultural Center Novi Sad (2016), U10 Art Space, Beograd (2016), Kino Šiška, Ljubljana, Slovenia (2011), Museum of Contemporary Art, Skopje, Macedonia (2007), Academy of Art Jalapa, University of Veracruz, Mexico (2007), Remont Gallery, Beograd (2006), etc. He was a participant of the 48th October Salon in Belgrade;Terminal00, Ljubljana; Grifon, Graphic Collective, Belgrade; BJCEM, Bari; Micronaratives, Musée Art Moderne, Saint-Etienne; Giovani Artisti Serbi, Galleria d’Arte Moderna, Palazzo Forti, Verona; Second hand, Cvijeta Zuzorić Pavillion, Belgrade etc.His work is part of collections of the City of Belgrade, Telenor Foundation, Museum of Contemporary Art Skopje, Lasalle-Sia College of the Arts Singapore and many others. For the last couple of years he is on a permanent travel. Officially, he lives in Belgrade.

With the collaboration of Belgrade Air (Serbia)


www.markostojan.com
www.instagram.com/markostojan

 

P  E  G  A / Isa Carrillo, Adélaïde Feriot y Céline Mathieu /13.12

P E G A / Isa Carrillo, Adélaïde Feriot y Céline Mathieu /13.12

 

P  E  G  A 

Isa Carrillo, Adélaïde Feriot y Céline Mathieu

Opening: 13 de diciembre, 19h.

P E G A es una exposición de una noche con obras de Isa Carrillo, Adélaïde Feriot y Céline Mathieu en Homesession, Barcelona. Durante el evento se presentarán una serie de tableaux vivants de la artista Adélaïde Feriot.
P E G A une la obra divergente de estas tres artistas a través de los números: el interés de Isa Carrillo para la numerología, el trabajo en vivo de Adélaïde Feriot que traduce paisajes hablados y las esculturas fluidas de Céline Mathieu.

Adélaïde Feriot. París, Francia, 1985
En la búsqueda de crear imágenes con fenómenos táctiles y temporales, Adelaïde Feriot se adentra en la creación de tableux vivants.Estas imágenes vivas juegan con las nociones de tiempo y percepción.
Su trabajo ha sido presentado en Artissima Lido en Turín, FRAC Lorraine en Metz, CAC Parc Saint-Léger, Centro Pompidou en París, Bienal de Arte Contemporáneo en Lyon, CIAP isla de Vassivière, Galería Samy Abraham en París, Tabacalera en Madrid, Maison des arts de Laval en Quebec y el museo de arte CAFA en Pekín.

Isa Carrillo.  Guadalajara, México, 1982
La producción artística de Isa Carrillo está profundamente influenciada por las nociones de misticismo. Basada en la exploración de la grafología, la quiromancia, la astrología, la numerología, el uso del péndulo y los oráculos como el I-ching, que ella utiliza como herramientas, su trabajo propone otras formas de expresar experiencias.
Su obra ha sido exhibida en el Museo Diego Rivera Anahuacalli en la Ciudad de México, Museo de Pintores en Oaxaca, Museo de Arte Zapopan (MAZ), Museo de la Ciudad de Guadalajara, Foro de Arte y Cultura, Ex Convento del Carmen, Centro Cultural Moderno de Arte, Sala Juárez, Centro TRAMA y el Museo-Estudio Clemente Orozc.

Céline Mathieu. Amberes, Bélgica, 1989
Céline Mathieu trabaja con el entrelazamiento de la mente y la materia. Su trabajo investiga mentes, seres y artefactos del siglo XXI. Principalmente toma la forma de prosa, objetos, ensayos y performances.
Su trabajo se ha mostrado en Extra City Kunsthal Antwerpen (2018) y con CMMC en la galería Trampoline, Poppositions Bruselas, Rotterdam Wo Meine Sonne Scheint, Hamburg P / ART y Manchester Castlefield Gallery. Su primera exposición individual tuvo lugar en AIR Antwerp. Con el diseñador Christophe Clarijs, ella colabora como ‘Fellow Beings’ en el diseño editorial de Tubelight y en publicaciones para escritores residentes en Van Eyck.

 

P  E  G  A

December 13, 7pm

P E G A is a one-night exhibition with works by Isa Carrillo , Adélaïde Feriot and Céline Mathieu at Homesession Barcelona. There will be a series of tableaux vivants by Adélaïde Feriot throughout the opening.
Linked by numbers through Isa Carrillo’s eye for numerology, Adélaïde Feriot’s play on live translated spoken landscapes and Céline Mathieu’s fluid sculptures, P E G A glues together the diverging work of three artists.

Adélaïde Feriot. Paris, France, 1985
Searching to make images with tactile and temporal phenomena, Adelaïde Feroit notions of makes tableaux vivants. These living images play on notions of time and perception.
Her work has been presented at Artissima Lido in Turin, FRAC Lorraine in Metz, CAC Parc Saint-Léger, Centre Pompidou in Paris, Biennale of contemporary art in Lyon, CIAP island of Vassivière, Gallery Samy Abraham in Paris, Tabacalera in Madrid, Maison des arts de Laval in Quebec, CAFA art museum in Pékin.

Isa Carrillo. Guadalajara, Mexico, 1982
Isa Carrillo’s artistic production is profoundly influenced by mysticism notions. Based on the exploration of graphology, palmistry, astrology, numerology, the use of the pendulum and oracles as the I-ching, which she uses as tools, her work proposes other ways to signify experiences.
Her work has been exhibited in Diego Rivera Anahuacalli Museum in Mexico City, Museum of Painters in Oaxaca, Zapopan Art Museum (MAZ), Museum of the City of Guadalajara, Forum for Art and Culture, Ex Convento del Carmen, Cultural Modern Art Center, Sala Juarez, TRAMA Center, Museum-Studio Clemente Orozco,…

Céline Mathieu. Antwerp, Belgium, 1989
Céline Mathieu works with the entanglement of mind and matter. Her work investigates minds, selves and 21st century artefacts. It mainly takes the shape of prose, objects, essays and performances.
Her work has been shown at Extra City Kunsthal Antwerpen (2018), and performed with CMMC at Trampoline gallery, Poppositions Brussels, Rotterdam Wo Meine Sonne Scheint, Hamburg P/ART and Manchester Castlefield Gallery. Her first solo exhibition took place at AIR Antwerp. With designer Christophe Clarijs she collaborates as ‘Fellow Beings’ on the editorial design of Tubelight, and publications for the writers-in-residence at Van Eyck.

With the collaboration of: