Open Studio Dalton Paula 23.02

Open Studio Dalton Paula 23.02

 

OPEN STUDIO: DALTON PAULA
Con la colaboración de  Sé Galeria (Brasil)

Sábado 23 de febrero, 12-15h. 

Dalton Paula exhibirá en Homesession sus obras realizadas durante su residencia antes de presentarlas en la feria ARCO de Madrid. 

La base del trabajo de Dalton Paula es el cuerpo: el cuerpo negro, silenciado por el miedo, la inseguridad, la individualidad y la fugacidad. Sus referencias se encuentran en los suburbios, las congadas (fiestas religiosas y culturales afro-brasileñas), los terreiros (lugares de culto candomblé) y los ritos de las religiones nacidas en África. Los mitos adquieren nueva vida y sentido. El cuerpo individual como punto de partida para alcanzar la colectividad. Paula usa el silencio para comunicar ideas, despertar lo que es incómodo en nuestra sociedad, repensar y encarcelar imágenes y para abrir barreras y mostrar otras estructuras capaces de reconocer el protagonismo de individuos que han sido silenciados históricamente.

Dalton Paula (1982) vive y trabaja en Goiânia, Brasil. Entre muchas exposiciones institucionales, participó en la 32a Bienal de São Paulo en 2016 y la Trienal 2018 Songs for Sabotage en el New Museum, en Nueva York.

Dalton Paula (Br): next artist in residency

Dalton Paula (Br): next artist in residency

Coffe Black | Detalhe | Foto: Heloá Fernandes | 2012

Homesession next residency artist during January an February 2019: DALTON PAULA (BRASIL)

Dalton Paula was born in 1982, lives and works in Goiânia, Brazil. Among many institutional exhibitions he participated at the 32a Bienal de São Paulo in 2016 and 2018 Triennial: “Songs for Sabotage” at New Museum, in New York.

The basis of Paula’s artistic work is the body: the black body, silenced by fear, insecurity, individuality, and transience. The references are in the suburbs, the congadas(Afro-Brazilian religious and cultural festivals), and the terreiros(Candomblé worship places) and rites of African-born religions. Myths acquire new life and meaning. The individual body as a starting point to reach collectiveness.

Paula uses silence to communicate ideas, to awaken what is uncomfortable in our society, to rethink and imprisoning images and to open up margins that presents these black bodies in new stories, other structures capable of acknowledging the protagonism of individuals who have been historically silenced. Such narratives are yet to be uttered, written, told, represented. This challenge prompts him to perform and take up (or continue?) this mission which began in the remote past that he cannot reach through memory, a mission undertaken by those who came before and led the way.

daltonpaula.com

 
Opening 26-10-2018 “Erica” by Veeeky (Taiwan)

Opening 26-10-2018 “Erica” by Veeeky (Taiwan)

Veeeky (Wei – Chia  Wu): ERICA

Opening 26_10_2018, 19h

Our body exhibits more similarity through messages shared in internet space. Our online appearance are evaluated by algorithm, it spreads in a speed of faster than ever. This phenomenon plays an important role in designing our daily appearances through build-in-app filters, plastic surgeries and make-up.

Female has been struggled with the standard of beauty, which has brought us an entire beauty industry dedicated to manufacture perfection. We are suppressed, but at the same time, the pursue for the inclusion is the main force which motivates all the medical-technical development. In addition, Big companies such as Chinese Selfie app company Meitu, is affecting our evaluation of beauty, we can the modify our face through their predefined beautify whiten slimmer face adjustment, they upload the modified image to social media websites and creating the avatar(online image). 

With the growing capability of modifying our face, body and identity each day- we are making our body renewable and modifiable. Meanwhile, scientists are racing to experiment and to test 3D printing organs, body ink, Neurolink, and our understanding of biological body is changing to machine-like concept- where our body is assembled just as how machines are composed by different parts.

The project is a near-future narrative in which we push the interrelation between online self (developed through selfie-beautify app), beauty tech (plastic surgery, biomeds…), and automated online interaction, to a degree that the online/ offline relationship integrated fully and become how we produce life. This service allows the online avatars automatically interact with each other, through the data collected by beautify prosthesis wore by users. This autopilot mode is populated by users because it offers automated online interaction by reducing the labour of constant uploading and downloading; it also generates personalized content by analyzing user-generated data through Internet of Things. 

Born in Kaohsiung and raised in Taipei (Taiwan), currently lives and works in Beijing (China) Veeeky (Wei – Chia  Wu) started from the cofounder of Bounce Girlz, a group focusing on music event and content in Taiwan, Taipei, when she was in National Taiwan University studying sociology. After spending time digging into visual communication in Goldsmiths College, London, she had more chances to explore new sounds and further established her own way of selection of music and creating visual art. Her approach of synchronizing and sampling sound with visual is limitless, experimenting sounds consisting of surprising content. She is now taking care of the visual in a creative music label Do Hits, making cover arts/live visual/graphics. Do Hits is known for Asian digital sound and art.

veeeky’s visual is based on the thinking of contemporary society, discussing internet/gender/information/channels/globalization-local content, often presenting it in high saturation utopia videos.

Design||| https://www.veeeky.com/
Music||||| https://soundcloud.com/wei-chia-wu

 

With the support of Ministry of Culture of Taiwan

 

Open Call Exchange Residency in art3 (Valence, Francia)

Open Call Exchange Residency in art3 (Valence, Francia)

Homesession, en el marco de su programa de movilidad internacional EXCHANGE,  lanza una convocatoria dirigidas a artistas catalanes (o residentes en Cataluña) para la realización de una residencia artística en art3 (Valence, Francia)

 

Mario Santamaría  “Show me a ghost” /art3 2017

La convocatoria se enmarca en un intercambio entre art3  y Homesession y tiene como objetivo impulsar la movilidad de artistas y promover el conocimiento y la interacción entre los agentes del sector artístico de ambos contextos. El programa de intercambio con art3 se inició en 2014. Desde entonces han beneficiado del programa los artistas Lola Gonzàlez, Laura Llaneli, Julia Gorostidi, Mario Santamaría, Luke James, Benjamin Collet y Antonin Horquin.

 

Bases convocatoria residencia art3 2018

  • Fecha límite de envió de candidaturas: 23 de junio de 2018.

  • Fallo del jurado 29 de junio de 2018.

  • Duración de la residencia: 2 meses, octubre y noviembre de 2018.

El o la artista seleccionad@ en esta convocatoria presentará su trabajo o investigación en art3 Valence en formato expositivo.

Open Call Exchange Residency in Belgrade (Serbia)

Open Call Exchange Residency in Belgrade (Serbia)

Homesession lanza una convocatoria dirigidas a artistas catalanes (o residentes en Cataluña) para la realización de una residencia artística en Belgrade Air Project, Belgrado (Serbia).

 

La convocatoria se enmarca en un intercambio entre Belgrade Air Project  y Homesession y tiene como objetivo impulsar la movilidad de artistas y promover el conocimiento y la interacción entre los agentes del sector artístico de ambos contextos. Este nuevo programa de intercambio de Homesession ha empezado en 2018 con la residencia en Barcelona del artista serbio Stanko Gagrčin durante marzo y abril de 2018.

BASES DE LA CONVOCATORIA (ENG)

  • Fecha límite de envió de candidaturas: 20 de mayo de 2018.
  • Fallo del jurado: junio de 2018.
  • Duración de la residencia: 2 meses, octubre y noviembre de 2018.

Agnes Pe / actividades Polaritats en Universidad de Lleida

Agnes Pe / actividades Polaritats en Universidad de Lleida

HOMESESSION, con la colaboración Centre d’Art La Panera abre su programa de mediación artística Polaritats a la Universidad de Lleida, programado una conferencia y un workshop de la artista Agnès Pe a la Escuela Politécnica Superior de la Udl.

 

ARTIST TALK / AGNES PE 

15 de març de 2018, 12h

auditorio edificio Transfronterer del Campus de Cappont de la Universidad de Lleida

 
La Artista
Agnès Pe (Lleida, 1985) trabaja con el sonido, por encima de toda limitación impuesta por géneros o estilos musicales. El humor y la inacabable curiosidad que demuestra respecto a los elementos sonoros con los cuales trabaja, son las características fundamentales de su trabajo. Musicòloga e investigadora autodidacta y pluridisciplinar, se interesa por la excepción, aquello que roza los márgenes sociales, sigu y el que sea su procedencia, siempre buscando nuevas formas de relacionarse con los elementos que recompone. Ha realizado conciertos al CA2M (Móstoles), Macba (Bcn), Larraskito (Bilbao) o en
Tabakalera (Donosti). Actualmente conduce el espacio radiofónico de plunderphonia y kitsh digital “Mitt Paté” a Radio Donde Berlín. La artista al mes de marzo realizará un workshop con los estudiantes de la Facultad de ingeniería informática en torno al concepto de Harvesting Sound Energy y prepara un proyecte expositivo por Homessison por el mes de junio 2018.

El workshop
“Harvesting” es el proceso por el cual una energía derivada de fuentes externas (ej. solar, térmica, energía eólica, gradientes de salinidad, y energía cinética), se capturada y almacenada. Esta energía se puede conseguir a través del efecto piezoelectric, convirtiendo tensiones mecánicas en corriente o voltaje eléctrico. Las tensiones pueden venir de fuentes muy diferentes, como por ejemplo las olas de ruido acústico. Es el que se denomina Harvesting Sound Energy. Además, el sonido tiene la profunda capacidad de atormentarnos y/o conmocionarnos: es un elemento portador de información simbólica y por lo tanto la acción de escuchar implica numerosas consideraciones
estéticas, políticas y sociales. En el taller se hará un seguimiento de la evolución de aplicaciones de captación del sonido en
el campo de la experimentación sonora y se llevará a cabo una aplicación harvesting a partir de la energía piezoeléctrica.

El Centro de Arte Panera, colabora con lo proyecto “Polaritats” de Homesession, a través de Archiu Javelina, proponiendo la artista Agnès Pe, para llevar a cabo una conferencia y taller a la Escuela Politécnica Superior de la Udl.

Grado en Diseño Digital y Tecnologías Creativas de la Universitat de Lleida
Habilita a los futuros titulados con una formación más transversal de acuerdo con los perfiles de las profesiones del futuro, menos cerradas o focalizadas y cubriendo un espectro más
amplio que las profesiones más tradicionales. En principio cubrirán la demanda cercana al desarrollo de tecnología con el enfoque que combina tanto el ámbito
artístico, más cercano al estado emocional tan importante en todas las actividades humanas, como el ámbito del desarrollo de software, sin el cual la tecnología no será capaz de resolver las tareas que las personas deseamos realizar.

www.polaritats.cat

Laia Abril: “Feminicides” / opening 16 marzo

Laia Abril: “Feminicides” / opening 16 marzo

 ‘Feminicides’, primera instalación del nuevo proyecto de Laia Abril sobre el genocidio femenino en el mundo 

Homesession presenta una obra inédita de la artista que conceptualiza y visualiza a través de una instalación los feminicidios

Feminoicidio. Del lat. femĭna ‘mujer’ y -cidio; cf. ingl. feminicide. Asesinato de una mujer por razón de su sexo. Fuente: Real Academia Española. 

Homesession, el espacio independiente impulsado en 2007 por Olivier Collet y Jérôme Lefaure en Barcelona, presenta la primera instalación de “Feminicides”. Este proyecto inédito de la artista Laia Abril (Barcelona 1986) es una reflexión sobre el genocidio femenino en el mundo. Cada pieza se centrará en un año, un país y el número de víctimas. El conjunto representará un monumento a todas las mujeres eliminadas por el simple hecho de ser esto: mujeres.

La primera instalación de esta obra en curso es la que ahora presenta Homesession en su espacio expositivo. “Feminicides” forma parte del proyecto a largo plazo “A History of Misogyny”, de Laia Abril. Se trata de una investigación visual y conceptual realizada a través de comparaciones históricas y contemporáneas sobre la presente historia de la misoginia.

Alrededor de 66.000 mujeres y niñas son asesinadas de forma violenta cada año en el mundo. “Feminicidio” se define generalmente como el asesinato de una mujer por el hecho de ser mujer. Una de las formas más comunes de estos crímenes es el “feminicidio íntimo”, es decir, a manos de las parejas (marido, ex-marido, novio, ex-novio), que suma el 35% de los “feminicidios totales”.

Ahora, en 2018, el Observatorio contra la Violencia Doméstica y de Género del Consejo General del Poder Judicial (CGPJ) español ha declarado que extenderá el concepto de violencia de género a “cualquier forma de violencia contra la mujer por el mero hecho de serlo”. De esta manera, se amplía la contabilización de todas las víctimas por violencia machista en sus estadísticas, y no sólo las asesinadas por parejas o ex-parejas, como ocurría hasta la fecha. Este nuevo cálculo podría llegar a doblar las cifras oficiales en España, que suman más de 900 mujeres en los últimos 15 años.

Bajo el título “2017SPA”, esta primera pieza de la instalación representa a las mujeres que hemos perdido en España en 2017. Abre una puerta a la reflexión, a la vez que rinde homenaje a las víctimas. Al tratar temas relacionados con la sexualidad, el cuerpo, la psicología y los derechos de las mujeres, Laia Abril saca a la superficie imágenes invisibles de aquello que resulta incómodo. Así, las contextualiza y las compara con nuestra presente historia, de manera que no caigan en el olvido.

 

 

Laia Abril 

El trabajo actual de Abril gira en torno a la conceptualización e interpretación de hechos que la artista muestra a través de la fotografía, el video y la instalación. Su proyecto en curso “A History of Misogyny” reúne una multitud de investigaciones visuales que implican comparaciones históricas y contemporáneas. Su primer capítulo, “On Abortion”, documenta y resalta las repercusiones de la falta de acceso de la mujer a un aborto legal, seguro y gratuito. Mostrado por primera vez en Les Rencontres d’Arles 2016, y galardonado con el Premio Madame Figaro, el proyecto teje una red de preguntas sobre cuestiones éticas y morales.

Laia Abril es una artista multidisciplinaria. Su trabajo se ha exhibido a nivel internacional y forma parte de diferentes colecciones privadas y públicas como el Musée de l’Elysée, el Winterthur Museum, el FRAC y el MNAC. Abril es la autora de “Thinspiration” (autopublicado, 2012); “Tediousphilia” (Musée de l’Elysée, 2014); “The Epilogue” (Dewi Lewis, 2014), preseleccionado para el Paris Photo Aperture First Book Award, Kassel Photobook Festival y Photo España Best Book Award; “Lobismuller” (RM, 2016), ganador del Images Book Award; y “On Abortion” (Dewi Lewis, 2017), nominado para el ICP-Infinity Award. Laia Abril está representada por la galería Les Filles du Calvaire de París.

http://www.laiaabril.com/

 

 

 

Inauguración “Feminicides”

Viernes 16 de marzo, de 19 a 22 horas

Horarios de apertura 

Exposición abierta hasta el día 24 de marzo, de 17 a 20 horas

(reserva previa: danilo@homesession.org)

Visita con la artista 

22 de marzo, a las 18.30 horas

 

WALKING FREE COMIC Rafa Castañer 3/03/2018

WALKING FREE COMIC Rafa Castañer 3/03/2018

 

RAFA CASTAÑER

WALKING FREE COMIC
Un acercamiento caminado hacia la obra de Yayoi Kusama
Una performance – taller – visita guiada por Rafa Castañer.

 

Un paseo por una exposición inventada.

Un taller de creación de un libro de artista propio e individual.

Una obra colectiva que cierra un comic sobre los happenings que realizaba esta artista en los 60.

Walking Free Comic es una VISITA GUIÁDA por una exposición imaginaria, veremos “obras propuestas” y “piezas encontradas” que conectan estética o conceptualmente con el discurso y la obra de Yayoi Kusama.

Esta performance es también un TALLER DE LIBRO DE ARTISTA que cada uno realizará durante el trayecto hasta Homesession, con ayuda de Rafa Castañer y haciendo paradas en distintas pastelerías y bares que nos permitan celebrar y ver con calma el material generado por el camino.

Por último es una obra colectiva que dará como resultado un cómic dedicado a los hapenings abiertos y liberadores que Yayoi Kusama realizó en la década de los sesenta.

 

3 marzo 2018 de 16 a 20h.
Recorrido: Desde Carrer de València, 320 (Floristería Navarro) hasta Homesession 

*Plaza limitadas
cuota inscripción 5€

info y reservas: danilo@homesession.org

“Soy un narrador que utiliza la ilustración, el dibujo, la pintura, la animación, el comic o la performance para explicar y explicarse.

Me gusta contar. Me gusta desarrollar personajes, escenarios, paisajes e investigar cuál es la manera adecuada para hacerlo. Cada historia tiene su propio lenguaje, su propia forma de presentarse al mundo.
Mi carrera se desarrolla a lo largo de estos procesos de investigación y ofrezco el resultado” R. Castañer

 

Mire Lee: Artist-in-Residence. July / August 2017

Mire Lee: Artist-in-Residence. July / August 2017

“Scribble carriers”, Mire Lee, 2017

Mire Lee b. 1988.
Mire Lee finished an undergraduate program majoring in Sculpture/Media Art in 2013 at Seoul National University. She employs diverse media to explore the drive and energy as well as the blunt characteristics proper to three dimensional media. She had a solo show ‘The War Isn’t Won by Soldiers It’s Won by Sentiment’ in Insa Art Space in 2014, and participated in projects such as ‘A Snowflake’ (Kukje Gallery, Seoul, 2017), ‘Do it 2017 Seoul’ (Ilmin Museum, Seoul, 2017), ‘The art of not landing’ (Cake Gallery, Seoul, 2016), ‘Mediacity Seoul Neriri Kiruru Harara’ (SeMA, Seoul, 2016) among many.

www.leemire.com

SAVE THE DATE : AUGUST 22, MIRE LEE open studio.

Aleksandar Todorović: Artist-in-Residency. March / April 2017



Aleksandar Todorović is a restless traveller, non-media specific artist and graphic designer. He spends some time of the year based out of Bosnia & Hercegovina, but most of his work is influenced by him being on the road. One of his first loves is definitely typography, always employing a bold statement. Over the last few years, he has functioned as the backbone of the YHY FIHM art collective, art directing and producing work for several art books.

www.aleksandartodorovic.com

OPENING on Friday, April 21. Save the date!