George Selley next artist in residence, July-August

George Selley next artist in residence, July-August

George Selley, next artist in residence at Homesession during July-August 2018 

George Selley (born 1993) is a London based photographer and filmmaker. George currently teaches photography at Fine Arts College, in Camden, while studying for his MA in Photojournalism & Documentary Photography at the London College of Communication. Having begun his further education in Anthropology, George’s work continues to be heavily researched based, but with conceptual elements often present. His work has been published in Dazed, Huck, The British Journal of Photography, and Fisheye Magazine.

This year George received the Paris Photo Carte Blanche Student Award 2017. He was also a finalist in the Felix Schoeller Best Emerging Photographer Award 2017. He has been exhibited at the Felix Nussbaum Museum of Cultural History, Germany; The Grand Palais at Paris Photo 2017; the Fondazione Marangoni Gallery in Florence, Italy, the Ostrołęka Festival of Photography, in Poland, Odesa Photo Festival, Ukraine and the Green Rooms Gallery in London. His 2015 documentary Study Drugs was selected and screened at the 2015 American Public Health Association Film Festival, in Chicago. George is a co-founder of the Carte Blanche Collective, and a member of Inpro Photography Collective.

 

Website:www.georgeselley.com

Instagram:@george_selley

LRAX (Light Range Acoustic Xenomorph) de Agnès Pe. 15/06/18

LRAX (Light Range Acoustic Xenomorph) de Agnès Pe. 15/06/18

En el marco del programa INVITED,  la artista Agnès Pe presenta LRAX (Light Range Acoustic Xenomorph) el viernes 15 de junio a las 19h en Homesession.  

 

Ese zumbido de fondo es antiguo: el sonido de una enorme campana. Explotando en una masa de materia intensamente caliente, pulsando vastas ondas de sonido, contrayendo y expandiendo la materia, calentando donde se comprimía, enfriándose donde era menos denso. Este tono descendente es paralelo a la muerte por calor del universo, conectando todos los átomos discretos en una onda vibratoria. Esta radiación de fondo cósmico es el eco del Big Bang. 

Steve Goodman

 

LRAX (Light Range Acoustic Xenomorph) es una entidad de comunicación que lanza ondas de sonido, coordinándose con el haz de luz que pueda recibir. Provocan una desorientación generalizada y la pérdida de estos ejes de orientación requiere nuevas brújulas, nuevos caminos y nuevos mapas, pero aún no se ha asegurado ninguno. El sonido de lxs LRAX es tanto invulnerable (para algunxs) como insidiosos (para los cuerpos bajo vigilancia). El sonido de LRAX recuerda a las sirenas Stuka, que eran la imagen del pánico del avión Ju-87 (utilizados en la Segunda Guerra Mundial por EEUU).

El sonido de las sirenas se reproduce en la película Dunkirk  (Christopher Nolan, 2017) contextalizada en la Segunda Guerra Mundial. La utilización del sonido nos remite a las Trompetas de Jericó y nos recuerda que el desastre no tiene un momento puntual, pese a poder ser avisadxs por Bill Kilgore cuándo en Apocalypse Now  (Francis Ford Coppola, 1979), al ritmo de “La cabalgata de las Valquirias” de Wagner, bombardea un poblado vietmanita. Algo así como cuando avisan por megafonía a un tumulto de manifestantes, que se va a iniciar la dispersión mediante cañones sónicos o los llamados dispositivos LRAD (Large Range Acoustic Devices). LRAX emite señales electrónicas sobrenaturales. Son los eufóricos tonos de lacónicos habitantes de otro planetas y sus subyugadxs terrícolas. LRAX es la sonificiación de la luz en el nivel molecular o cuántico. Todo está en movimiento, está vibrando, y todas las entidades son medios potenciales que pueden sentir o cuyas vibraciones pueden ser sentidas por otras entidades. Entidades xenomorfas cuya belleza puede procurarnos la confusión dentro de la imaginería de la destrucción.

LRAX se enmarca dentro del proyecto Jericó, en el cual se indaga en la utilización del sonido y la música cómo armas sónicas. En los últimos años el uso del sonido y la música como arma ha aumentado. Desde la utilización de cañones de sonido para la dispersión de manifestantes hasta canciones utilizadas en bucle para atormentar a prisionerxs en cárceles. El sonido se convierte en una herramienta invisible para generar terror.

Agnès Pe (Lleida, 1985) trabaja con el sonido, por encima de toda limitación impuesta por géneros o estilos musicales. La inacabable curiosidad, las prácticas interdisciplinares, los límites del contexto y la actitud espuria que demuestra respecto a los diversos elementos con los cuales trabaja, son las características fundamentales de su trabajo. Musicóloga e investigadora autodidacta y pluridisciplinar, se interesa por la excepción, aquello que roza los márgenes sociales, sea cuál sea su procedencia, siempre buscando nuevas formas de relacionarse con los elementos que recompone. Ha realizado conciertos en CA2M (Móstoles), Macba (Bcn), Larraskito (Bilbao) o en Tabakalera (Donosti). Actualmente conduce el espacio radiofónico de plunderphonia y kitsh digital “Mitt Paté” en Radio On Berlín.

Open Call Exchange Residency in art3 (Valence, Francia)

Open Call Exchange Residency in art3 (Valence, Francia)

Homesession, en el marco de su programa de movilidad internacional EXCHANGE,  lanza una convocatoria dirigidas a artistas catalanes (o residentes en Cataluña) para la realización de una residencia artística en art3 (Valence, Francia)

 

Mario Santamaría  “Show me a ghost” /art3 2017

La convocatoria se enmarca en un intercambio entre art3  y Homesession y tiene como objetivo impulsar la movilidad de artistas y promover el conocimiento y la interacción entre los agentes del sector artístico de ambos contextos. El programa de intercambio con art3 se inició en 2014. Desde entonces han beneficiado del programa los artistas Lola Gonzàlez, Laura Llaneli, Julia Gorostidi, Mario Santamaría, Luke James, Benjamin Collet y Antonin Horquin.

 

Bases convocatoria residencia art3 2018

  • Fecha límite de envió de candidaturas: 23 de junio de 2018.

  • Fallo del jurado 29 de junio de 2018.

  • Duración de la residencia: 2 meses, octubre y noviembre de 2018.

El o la artista seleccionad@ en esta convocatoria presentará su trabajo o investigación en art3 Valence en formato expositivo.

Exposition “A la cuenta de tres”/ Opening 4 de mayo

Exposition “A la cuenta de tres”/ Opening 4 de mayo

 

EXPOSITION “A la cuenta de tres”Layal Nakle, Katerina Ashche, Maria José Serrano

Exposition in colaboración with Metafora 

 

Opening  “A la cuenta de tres””

Viernes 4 de mayo, de 19 a 22 horas

 

How do we read stories? What kind of stories can objects tell us? What do these stories tell about us, our stories, beliefs, and feelings? What can we build from this? Stories have a core role in our everyday life, in the configuration of society and the building of identity. There are as many ways of reading stories as there are readers and stories, and as many ways to narrate as there are narrators and stories. “a la cuenta de tres” proposes three different narratives that take place at the same time; exploring three ways of reading, from different voices.

Projects:

“Adrift” by Layal Nakle

“Five short stories” by Katerina Ashche

“Holy no, no” by Maria José Serrano

Sylvie-Layal Nakle ( Ivory Coast, 1992) is a Belgo-Lebanese artist currently based in Barcelona. Using her multiculturalism to explore the wide notion of Identity,  themes such as migration, imperialism or western hegemony are recurrent in her work. Her practice consists in collecting images (moving or fixed), sounds, stories or opinions to construct her own artistic language. In that sense, her work can best be described as an assemblage of re-appropriated materials.

Katerina Ashche (Moscow, 1977) is Russian artist. She grew up in a family of circus performers and had a pet cheetah when she was a kid. Her art is about telling stories. The stories are based on the personal experience of the artist though one never knows where is the edge between the real and imaginary. Katerina works with storytelling using visual media such as installation or performance as well as texts.

María José Serrano (Uruguay 1979) was always curious about how the world works, that coming and going of people and objects. She studied economics with the illusion of getting some clues about these matters.That intuitive, analytical, illustrative background, starts a dialog with the plasticity and possibilities of the different languages she explored. Over time she found that the illusion of understanding the world gives way to the illusion of creating her own worlds. She works in a scale that goes from the very abstract thinking/feeling, to the most concrete/touchable things.

Colabora: 

 

Open Call Exchange Residency in Belgrade (Serbia)

Open Call Exchange Residency in Belgrade (Serbia)

Homesession lanza una convocatoria dirigidas a artistas catalanes (o residentes en Cataluña) para la realización de una residencia artística en Belgrade Air Project, Belgrado (Serbia).

 

La convocatoria se enmarca en un intercambio entre Belgrade Air Project  y Homesession y tiene como objetivo impulsar la movilidad de artistas y promover el conocimiento y la interacción entre los agentes del sector artístico de ambos contextos. Este nuevo programa de intercambio de Homesession ha empezado en 2018 con la residencia en Barcelona del artista serbio Stanko Gagrčin durante marzo y abril de 2018.

BASES DE LA CONVOCATORIA (ENG)

  • Fecha límite de envió de candidaturas: 20 de mayo de 2018.
  • Fallo del jurado: junio de 2018.
  • Duración de la residencia: 2 meses, octubre y noviembre de 2018.

Agnes Pe / actividades Polaritats en Universidad de Lleida

Agnes Pe / actividades Polaritats en Universidad de Lleida

HOMESESSION, con la colaboración Centre d’Art La Panera abre su programa de mediación artística Polaritats a la Universidad de Lleida, programado una conferencia y un workshop de la artista Agnès Pe a la Escuela Politécnica Superior de la Udl.

 

ARTIST TALK / AGNES PE 

15 de març de 2018, 12h

auditorio edificio Transfronterer del Campus de Cappont de la Universidad de Lleida

 
La Artista
Agnès Pe (Lleida, 1985) trabaja con el sonido, por encima de toda limitación impuesta por géneros o estilos musicales. El humor y la inacabable curiosidad que demuestra respecto a los elementos sonoros con los cuales trabaja, son las características fundamentales de su trabajo. Musicòloga e investigadora autodidacta y pluridisciplinar, se interesa por la excepción, aquello que roza los márgenes sociales, sigu y el que sea su procedencia, siempre buscando nuevas formas de relacionarse con los elementos que recompone. Ha realizado conciertos al CA2M (Móstoles), Macba (Bcn), Larraskito (Bilbao) o en
Tabakalera (Donosti). Actualmente conduce el espacio radiofónico de plunderphonia y kitsh digital “Mitt Paté” a Radio Donde Berlín. La artista al mes de marzo realizará un workshop con los estudiantes de la Facultad de ingeniería informática en torno al concepto de Harvesting Sound Energy y prepara un proyecte expositivo por Homessison por el mes de junio 2018.

El workshop
“Harvesting” es el proceso por el cual una energía derivada de fuentes externas (ej. solar, térmica, energía eólica, gradientes de salinidad, y energía cinética), se capturada y almacenada. Esta energía se puede conseguir a través del efecto piezoelectric, convirtiendo tensiones mecánicas en corriente o voltaje eléctrico. Las tensiones pueden venir de fuentes muy diferentes, como por ejemplo las olas de ruido acústico. Es el que se denomina Harvesting Sound Energy. Además, el sonido tiene la profunda capacidad de atormentarnos y/o conmocionarnos: es un elemento portador de información simbólica y por lo tanto la acción de escuchar implica numerosas consideraciones
estéticas, políticas y sociales. En el taller se hará un seguimiento de la evolución de aplicaciones de captación del sonido en
el campo de la experimentación sonora y se llevará a cabo una aplicación harvesting a partir de la energía piezoeléctrica.

El Centro de Arte Panera, colabora con lo proyecto “Polaritats” de Homesession, a través de Archiu Javelina, proponiendo la artista Agnès Pe, para llevar a cabo una conferencia y taller a la Escuela Politécnica Superior de la Udl.

Grado en Diseño Digital y Tecnologías Creativas de la Universitat de Lleida
Habilita a los futuros titulados con una formación más transversal de acuerdo con los perfiles de las profesiones del futuro, menos cerradas o focalizadas y cubriendo un espectro más
amplio que las profesiones más tradicionales. En principio cubrirán la demanda cercana al desarrollo de tecnología con el enfoque que combina tanto el ámbito
artístico, más cercano al estado emocional tan importante en todas las actividades humanas, como el ámbito del desarrollo de software, sin el cual la tecnología no será capaz de resolver las tareas que las personas deseamos realizar.

www.polaritats.cat

Laia Abril: “Feminicides” / opening 16 marzo

Laia Abril: “Feminicides” / opening 16 marzo

 ‘Feminicides’, primera instalación del nuevo proyecto de Laia Abril sobre el genocidio femenino en el mundo 

Homesession presenta una obra inédita de la artista que conceptualiza y visualiza a través de una instalación los feminicidios

Feminoicidio. Del lat. femĭna ‘mujer’ y -cidio; cf. ingl. feminicide. Asesinato de una mujer por razón de su sexo. Fuente: Real Academia Española. 

Homesession, el espacio independiente impulsado en 2007 por Olivier Collet y Jérôme Lefaure en Barcelona, presenta la primera instalación de “Feminicides”. Este proyecto inédito de la artista Laia Abril (Barcelona 1986) es una reflexión sobre el genocidio femenino en el mundo. Cada pieza se centrará en un año, un país y el número de víctimas. El conjunto representará un monumento a todas las mujeres eliminadas por el simple hecho de ser esto: mujeres.

La primera instalación de esta obra en curso es la que ahora presenta Homesession en su espacio expositivo. “Feminicides” forma parte del proyecto a largo plazo “A History of Misogyny”, de Laia Abril. Se trata de una investigación visual y conceptual realizada a través de comparaciones históricas y contemporáneas sobre la presente historia de la misoginia.

Alrededor de 66.000 mujeres y niñas son asesinadas de forma violenta cada año en el mundo. “Feminicidio” se define generalmente como el asesinato de una mujer por el hecho de ser mujer. Una de las formas más comunes de estos crímenes es el “feminicidio íntimo”, es decir, a manos de las parejas (marido, ex-marido, novio, ex-novio), que suma el 35% de los “feminicidios totales”.

Ahora, en 2018, el Observatorio contra la Violencia Doméstica y de Género del Consejo General del Poder Judicial (CGPJ) español ha declarado que extenderá el concepto de violencia de género a “cualquier forma de violencia contra la mujer por el mero hecho de serlo”. De esta manera, se amplía la contabilización de todas las víctimas por violencia machista en sus estadísticas, y no sólo las asesinadas por parejas o ex-parejas, como ocurría hasta la fecha. Este nuevo cálculo podría llegar a doblar las cifras oficiales en España, que suman más de 900 mujeres en los últimos 15 años.

Bajo el título “2017SPA”, esta primera pieza de la instalación representa a las mujeres que hemos perdido en España en 2017. Abre una puerta a la reflexión, a la vez que rinde homenaje a las víctimas. Al tratar temas relacionados con la sexualidad, el cuerpo, la psicología y los derechos de las mujeres, Laia Abril saca a la superficie imágenes invisibles de aquello que resulta incómodo. Así, las contextualiza y las compara con nuestra presente historia, de manera que no caigan en el olvido.

 

 

Laia Abril 

El trabajo actual de Abril gira en torno a la conceptualización e interpretación de hechos que la artista muestra a través de la fotografía, el video y la instalación. Su proyecto en curso “A History of Misogyny” reúne una multitud de investigaciones visuales que implican comparaciones históricas y contemporáneas. Su primer capítulo, “On Abortion”, documenta y resalta las repercusiones de la falta de acceso de la mujer a un aborto legal, seguro y gratuito. Mostrado por primera vez en Les Rencontres d’Arles 2016, y galardonado con el Premio Madame Figaro, el proyecto teje una red de preguntas sobre cuestiones éticas y morales.

Laia Abril es una artista multidisciplinaria. Su trabajo se ha exhibido a nivel internacional y forma parte de diferentes colecciones privadas y públicas como el Musée de l’Elysée, el Winterthur Museum, el FRAC y el MNAC. Abril es la autora de “Thinspiration” (autopublicado, 2012); “Tediousphilia” (Musée de l’Elysée, 2014); “The Epilogue” (Dewi Lewis, 2014), preseleccionado para el Paris Photo Aperture First Book Award, Kassel Photobook Festival y Photo España Best Book Award; “Lobismuller” (RM, 2016), ganador del Images Book Award; y “On Abortion” (Dewi Lewis, 2017), nominado para el ICP-Infinity Award. Laia Abril está representada por la galería Les Filles du Calvaire de París.

http://www.laiaabril.com/

 

 

 

Inauguración “Feminicides”

Viernes 16 de marzo, de 19 a 22 horas

Horarios de apertura 

Exposición abierta hasta el día 24 de marzo, de 17 a 20 horas

(reserva previa: danilo@homesession.org)

Visita con la artista 

22 de marzo, a las 18.30 horas

 

EXCHANGE BELGRADE /BARCELONA

EXCHANGE BELGRADE /BARCELONA

Stanko Gagrčin is the Serbian artist that participates to our first Exchange Program between Barcelona and Belgrade (Serbia) with the collaboration of Belgrade Air Project.
Gagrčin is resident  at Homesession during March and April 2018
Stanko Gagrčin was born in Sombor, Serbia in 1994. In 2013 he finished the highschool for design in the class of Interior design, and in 2017 he finished the bachelor studies in the course of Scene architecture, design and technology in Novi Sad, Serbia. He participated in numerous group exhibitions during his studies and cooperated with festivals like Bitef and Exit festival.
His area of interest ranges from film, video art, visual art, installation, stage design to virtual art and architecture.
Instagram  @hajdukstankela
Exposición: Rafa Castañer 4 marzo 12-19h

Exposición: Rafa Castañer 4 marzo 12-19h

El domingo 4 de marzo el espacio de Homesession abrirá para mostrar el resultado de la performance- visita guiada WALKING FREE COMIC.

Una exposición que recogerá el material generado por el grupo de personas que hayan participado.

Un cómic que explica, acerca, de algún modo el espíritu de los happenings que Yayoi Kusama proponía en la década de los sesenta.

Totalmente trabajado sobre servilletas de papel, este acto creativo,  celebración narrada, abrirá las puertas para compartir proceso y resultado, de 12 a 19h. Podréis ver, leer, tocar, esta obra recién  concebida y estrenada.

ÚNICO DÍA

Horario de 12h a 19h

“Soy un narrador que utiliza la ilustración, el dibujo, la pintura, la animación, el comic o la performance para explicar y explicarse.

Me gusta contar. Me gusta desarrollar personajes, escenarios, paisajes e investigar cuál es la manera adecuada para hacerlo. Cada historia tiene su propio lenguaje, su propia forma de presentarse al mundo.
Mi carrera se desarrolla a lo largo de estos procesos de investigación y ofrezco el resultado” R. Castañer

Mia Middleton.Turn it into Water   27/02/18 19h

Mia Middleton.Turn it into Water 27/02/18 19h

Mia Middleton. Turn it into Water
En el marco del programa Homesession Residency 

Martes 27 de febrero a las 19h. 

“Soy extremadamente sensible a mi entorno, creo que éste es el motivo por el cual los materiales y las texturas ocupan un lugar central en mi práctica artística. Las superficies y los objetos que nos rodean forman parte de un sistema estratégico de participación. En mi trabajo aprovecho y reconfiguro estos elementos como una nueva forma de exponerlos y reclamarlos. En este sentido, mi primer acto en Homesession fue “atrapar” la voluminosa silla de oficina gris que permanecía torpemente en el espacio. Para mí ésta implicaba rigidez y formalidad y sentí la necesidad inmediata de modificarla.

A partir de la relación histórica que el barrio de Poble Sec tiene con el agua, he estado pensando en el agua como una fuerza aplacadora, niveladora y renovadora; una fuerza con una superficie amorfa y una profundidad en la que los objetos se suspenden, silencian y desarman. Compré un plástico azul translúcido y envolví la silla con él. De inmediato adquirió una calidad absurda y contorsionada. Después de esto, continué explorando lo etéreo del agua como un medio para conectar con lo infinito y lo cósmico, así como con la inevitable necesidad de la humanidad de cubrir, moldear, poseer y reproducir formas naturales. Haciendo referencia a aquello sintético y algo burdo de los elementos, junto con las huellas de lo real, Turn it into Water es una reflexión sobre la forma en que navegamos por nuestro entorno construido, así como sobre las incógnitas primordiales que permanecen detrás de nuestros marcos sociales de referencia.”

Mia Middleton

Mia Middleton es una artista multidisciplinaria que actualmente vive en Sídney, Australia. Su práctica explora el flujo dicotómico entre la presencia y el anhelo, la superficie y el vacío, así como la psico-geografía de ambientes sintéticos y utópicos, rompiendo y redirigiendo las apariencias virtuales y físicas que los caracterizan. El resultado es una combinación de lo doméstico y lo fantástico, donde las múltiples espacialidades existen como tándem, y los deseos y los sueños se mezclan con revestimientos y fachadas.

Desde que terminó la Licenciatura en Bellas Artes, especializada en fotografía, en la UNSW Art and Design en 2013, la obra de Mia Middleton ha sido expuesta en espacios tanto de Australia como del extranjero como M Contemporary Gallery, Kudos Gallery, The Museum of Contemporary Art ARTBAR, CICA Museum de Corea y el Festival de Arte Digital de Atenas. En 2011 recibió el Premio de Fotografía Canson y en 2016 realizó un conjunto de performances para el festival de arte de performances Desire Lines de Sídney. Recientemente ha comisariado y expuesto en la exposición colectiva Orbit en la Down Under Space de Sídney (setiembre 2017) y ha participado junto a otros 35 artistas en una exposición colectiva de fotografía en la Cold Cuts Gallery de Sídney (octubre 2017). En 2018 presentará una exposición monográfica en la Blindside Gallery de Melbourne.